摘要：本文通过对儿童艺术特点的剖析，揭示西方现代主义绘画吸收和借鉴儿童艺术造型符号之后所形成的前所未有的率真、稚拙和清新的品质，并结合艺术家的具体作品分析进一步指出西方现代主义绘画在本质上有别于儿童稚拙艺术，张扬着独特的艺术个性，具有大巧若拙，拙中藏巧的艺术境界。
一、引言
人们过去并未意识到儿童随意而愉快的涂抹有什么特殊意义，更谈不上对儿童艺术的发现及关注，然而，随着人类艺术史上对儿童艺术的发现及现代艺术的产生，儿童艺术在当代艺术世界的位置正日益凸显。现在，“儿童艺术”已是被普遍接受的概念，儿童艺术中那种形象的简化、画面的和谐、富有表现力的线条、大胆的纯色平涂以及那种无意识的创作状态，使得西方现代艺术家怀着新奇的目光从儿童艺术中汲取营养。
二、西方现代主义艺术大师对儿童艺术的认识与评价
儿童的作品究竟有何魅力？为什么会吸引全世界艺术家的目光？在儿童艺术中，儿童常常以其天真率直的心态每每使我们拍手称快，是任何人为的方法都无法企及的。儿童艺术是无意识下创作的作品，是儿童心智和心绪的自然流露，往往呈现着艺术创作最初的也是最纯粹的源泉。其构图造型稚拙有趣，似无法之法，有意想不到的生动。正如黑格尔所说：“儿童是最美好的，一切个别特殊性在他们身上好像都还沉睡在未展开的幼芽里，还没有什么狭隘的东西在他们的胸中激动，在儿童还在变化的面貌上，还看不出承认繁复意图所造成的烦恼，因而在儿童绘画里表现出来的是他们对事物无意识的、天真率直的看法。133229.cOm”儿童艺术更具创造性和表现性，注重个人感受。儿童天性充满热情，能主动、自由地表现画面，儿童看世界有他们自己的独特眼光，他看起人来，只看到一个人的一个大头，头上的两只眼睛，一个鼻子，一张嘴巴，什么耳朵、头发、眉毛，他都没有看见，所以他不画一个人的身体，他看得不重要，只画一条线来表示。这些入眼的观察对象在儿童的心目中形象分外鲜明。儿童是画其所想而非画其所见，因此儿童画出的作品往往想象丰富，用色大胆，富有生气，有更多的灵性。西方现代派艺术中，反叛传统，追求单纯和质朴无华是其共同的目的和重要特征，因此，现代艺术家们不约而同地将目光投向了儿童艺术，而且给予儿童艺术以高度的评价，甚至对儿童的艺术状态和儿童的艺术作品崇拜不已。现代艺术大师毕加索曾说过：“我曾经能像拉斐尔那样作画，但我却花了毕生的时间去学会像儿童那样作画。”这在当时是很有代表性的。其实这种对儿童艺术的新的认识和评价在野兽派那里已有所表现。康定斯基崇拜儿童艺术是因为他认为儿童艺术是对事物内在本质的直觉表现，他说：“儿童除了描摹外观的能力之外，还有力量使永久的内在真理处在它最能有力地得以表现的形式中。……儿童有一种巨大的无意识力量，它在此表达自身，并且使儿童的作品达到与成人一样高（甚至更高）的水平。”画家马蒂斯、杜飞、夏加尔，尤其是克利、米罗和杜布菲等，同样感到了儿童艺术的魅力。西方艺术家所向往的那种无意识的创作状态、“信手涂抹”在儿童艺术那里得到了很好的诠释。
三、西方现代主义绘画对儿童艺术的借鉴与模仿
从19世纪后半叶起，西方画坛发生了重大变化，眼花缭乱的西方现代画派，既受到儿童绘画在艺术形式上以及表现技巧方面的启发，更受到儿童对待绘画的基本态度无意识的强烈冲击。对儿童艺术的推崇与模仿直接反映在他们作品的形式中。克利就一直崇拜儿童的这种天真状态，并以自己的方式加以模仿。克利在绘画技巧上使用儿童那种环绕的、粗陋的轮廓线，反应在作品《动物园》、《他喊叫，我们玩》和《女舞蹈家》中，这些画中线条技法与儿童素描的线条技巧很接近，尽管它更细窄，更优美。《高架桥的革命》画面上简单的甚至笨拙的高架桥，表现出了克利对儿童画天真稚拙的形象以及符号化形象的兴趣。在米罗的绘画世界中同样可以感受到这位大师对儿童艺术的推崇，在他1948年至1953年的许多绘画作品中，人物没有身体表现，头部直接安在以球形脚为末端的直腿上，整个脸像一个不规则的椭圆形或圆形，这种极端单纯化的形象的变体，也就是儿童画中的“蝌蚪人”样式，如作品《在甲壳下部》、《黎明时瞪羚的哭叫》和《绘画》以及早期最有名的作品《农场》都已呈现出一种儿童般稚拙的风格倾向。后来由于战争，米罗的作品表现出前所未有的恐怖之感，但画面依然保持他那种天真、优美的风格。如系列《星座》及《女诗人》都是在战争的威胁之下创作出来的，但我们从中看不到任何血腥的痕迹。无怪乎有批评家说：“米罗的天才是一种返老还童的天才。”涂鸦和儿童艺术也是杜布菲的范例和灵感来源，他特别赞同用最简单的正面和侧面形象及儿童的轮廓线风格画出大脑袋粗陋人物，也赞同儿童对记忆中传达信息的细节的强调，杜布菲甚至希望以更加粗蛮、直接和确定的方式抛弃“后天学到的手段”，去探讨一条回到“艺术基本的、形成的时期，记录下儿童式的天真与好奇状态的道路”。在他早期的作品中，如《街上的男人》画面中描绘的是巴黎的景色与生活，具有一种天真稚拙的趣味。此后，他很快摆脱了克利艺术中那种幻想、略显天真的气质，而转向一种独特的、奠定自己在艺术史上地位的绘画创作方法，创作出一些涂鸦形态的作品，如在《人间的联欢节上》，我们可以看到的一种以此法创作出来的令人厌恶和不安的欢乐氛围。
西方现代派艺术中的荒诞和随意性与儿童艺术中的荒诞和随意是一致的。“荒诞艺术比起优美、崇高的艺术更加深刻地表现了人之所以为人的内在生命力。”这是西方现代画派对怪诞艺术的看法和推崇。现代派大师马蒂斯、毕加索等人就从古代非洲的绘画和雕塑中吸取怪异而又荒诞的特点，在我们的眼中极不符合常规，但这与儿童美术中的无意识荒诞的想法极为相似。西方现代主义绘画对儿童艺术的接受主要表现在欣赏他们的天然和单纯，使得他们的作品具有稚拙的面貌,法国评论家在观看他们的画展时,曾称这些颜色不符合“客观实际”，艺术形象难以理解。虽说在现在看来有点言过其实，然而的确在马蒂斯等人的作品中反映出画家进一步转向表现内心情感,这也是近现代以来西方绘画逐渐摆脱传统上摹写现实的主流画法的新的一步,在野兽派绘画中,马蒂斯等画家的一些人物画有一个特点,人物的形象往往有弯曲的形态和封闭的轮廓线。如马蒂斯的《浴者》和《海滨妇女》,这些作品使人想起儿童艺术的某些特点，人物的形象看起来“不准确”。上述这些对儿童艺术语言的模仿甚至直接挪用只是一个方面，更重要的是现代艺术家们从儿童那里重新获得天真、纯朴和清新的内在品质。
四、现代主义绘画大巧若拙
现代主义绘画在许多方面更借鉴儿童艺术，但他们的目的并非简单地重创儿童绘画，在技巧、表现形式上与儿童绘画有很大差别。儿童绘画是在生命之初对世界的探索尝试，表达的是整个生命尚未展开的天性。而大师的绘画则是在生命成熟阶段对探索世界的提炼总结，表达出整个生命发展过程凝结出来的人格特征和艺术个性。所以，儿童画一张张来看，大不相同，而大面积看起来，其面貌给人的感觉大同小异。大师绘画则不同，都具有独一无二性。克利、米罗和杜布菲等现代画家在对儿童艺术的借鉴中充分展示了各自的艺术个性，他们使用儿童的符号和技法也并非偶然，而是他们比其他艺术家更需要这种敏锐的感觉力，带着激情去感受儿童的绘画世界。他们的绘画有着精致的层次和精湛的技巧，虽然绘画的最终效果有着明显的随意性，但与儿童天真的艺术并未完全融合，保持着各自的独立性，又相得益彰。儿童的绘画作品是“原始”形态的、天真纯朴的，而又往往以“稚拙”的样式表现出来。这在儿童是很可贵的，也是许多中外画家所追求的艺术境界。那么艺术家追求的天真纯朴和稚拙与儿童绘画所表现出的天真纯朴和稚拙是否如出一辙呢？这对于我们更深一步了解儿童艺术是至关重要的。审美创造一般都是由拙到巧、再由巧返拙的阶段。开始之拙，是生疏幼稚的真拙，随着审美创造技巧的提高，进入精巧工巧阶段，有了丰富的经验、功夫、素养，才能落尽繁华归于朴淡，进入大巧若拙的境界。没有深厚的功底，片面为拙而拙，只会粗陋低俗。戴复古说：“朴拙唯宜怕近村。”（《论诗十绝》）即使是巧后之拙，如果刻意追求拙的外在形式，则是一种造作，失去其真正的天然本质。拙朴绝非粗率平庸之辈所能达到的，它是审美创造高度成熟的标志。追求儿童趣味的艺术家在某些方面与儿童绘画较为相似，例如：以线为主，平涂色彩，不讲焦点透视及夸张变形手法等等。但儿童艺术中的那种天真稚拙的情趣被艺术家们加以发挥、拓展，成为崭新的艺术形式。虽然他们画中的“拙”与儿童绘画中的“拙”有着形式上的相似，但却又有着本质的区别：他们是老子所说的“大巧若拙”之“拙”。写意大师崔子范也曾说：“一个没有受过专业训练的孩子只凭热情作画。在他长大之后，也应该注意使自己回到童年的心态，去重新发掘自己儿时的天性——自由地而不是造作地在画中表现自己的感情。当一个成熟的画家运用这种方式作画时，当他将艺术大师的精湛技巧与孩子般的天真烂漫融合在一起时，会感到极大的快慰。”虽然西方的克利、米罗和杜布菲等画家的作品源于儿童绘画的造型符号，但他们靠熟练精深的技巧来完成。大体上都经历了由开始的不成熟，到技法日趋精深，进而追求“返璞归真”的过程。虽然也有追求儿童“拙味”的画家未经过专门的训练，但他们也难免经受艺术传统的熏陶，前辈及同代画家的影响与个人技巧的锤炼。克利虽曾说：“无需什么技巧”，但他毕竟经过了传统艺术熏陶，其艺术风格必有传统技巧的痕迹。可见儿童的稚拙是幼稚的拙，而画家的稚拙是“拙中藏巧”之拙。“拙朴最难，拙近天真，朴近自然，能拙朴则浑厚不流为滞腻。”拙朴之拙，是大巧，不露痕迹，使人不觉其巧。它是“外枯而中膏，似淡而实浓”（《东坡题跋》），在平实朴素粗散的形式中，蕴含着深厚的审美素养和丰富的情感意味。没有一定技巧的锤炼，一味片面追求儿童“拙味”，只会流于粗俗浅薄，达不到自然浑化的拙朴之境。
五、结语
总之，现代艺术家们从儿童艺术中获取到了造型符号的灵感，同时也通过自己的作品和言论促成了人们对儿童艺术的进一步关注、承认和了解。在现代艺术中，传统的审美标准首先被打破，几乎没有什么尺度可以将儿童艺术与大师的作品相区别。当然，西方现代主义艺术家的作品与儿童的绘画作品之间的相仿程度，也不能真正完全划上等号，这些现代艺术大师的绘画毕竟是落尽繁华归于朴淡，大巧若拙，拙中藏巧。
参考文献：
[1]罗伯特·戈德沃特.现代艺术中的原始主义[m].殷泓译.南京：江苏美术出版社1993:54.
[2]阿恩海姆.艺术与视知觉[m].成都：四川人民出版社，1998．
[3]崔庆忠.现代美术史话[m].北京：人民美术出版社2001．
关键词:初中美术;素描教学;技巧分析;
在古汉语当中，素指一种颜色，而描是临摹的意思，素描就是用一种颜色临摹事物。在现代汉语中，素描指单纯用线条速写、不加色彩的画。作为绘画的基础，素描体现着绘画者的所看和所想。初中生正处于身心快速发展的时期，在这一特殊时期中，他们既有儿童的特点，又具备青少年的特征。这就要求教师在教学过程中充分尊重学生的学习主体地位，一方面要防止学生出现逆反心理，另一方面要提高教育教学的质量。因此，初中教学是教育界共同关注的话题。初中美术课程能够很好地满足当前我国对学生德、智、体、美、劳全面发展的要求。作为初中阶段的基础课程，美术不仅要让学生掌握一定的绘画技巧，而且要有效培养学生的艺术素养。因此，教师要重视美术教学，为学生打好美术基础。初中美术和小学美术相比，学习难度更大，形成了一定的体系。其不仅可以培养学生的学习兴趣，而且可以让学生掌握一定的绘画技巧，注重培养学生的创造力和绘画能力。素描是绘画的基础，教师在教学过程中要将其作为教学的重点，通过素描让学生掌握光影的处理技巧和线描的绘画方式[1]。基于素描在美术课程中的重要地位，文章分析初中美术素描教学技巧，希望能够为广大注重美术教师开展有效教学提供参考。
一、初中美术素描教学存在的问题
1.重视程度不高
在原先应试教育的大背景下，部分学校更注重应试考试科目的教学，对于美术教学不够重视。学校的教学资源和教学创新也倾向于应试考试科目，美术教师的教学质量难以得到保证，往往依靠教师自身的自觉性，导致部分教师在教学过程中积极性不高。部分教师很少拓展与美术相关的课外知识，教学时照本宣科，除了播放教学视频，就是让学
二、素描写生训练技巧分析
1.人物素描
在七年级上册美术教材《多彩的校园生活》一课中，教材要求学生通过实地观察，用相机拍摄周围学生的照片，通过分析不同学生的脸型、表情和发饰特征，掌握人物素描的方法。首先，部分学生第一次接触素描，因此教师在开展人物素描教学时，要培养学生观察人物特征和酝酿自身绘画情绪的习惯。教师要让学生学会依据绘画对象的气质、五官等，考虑应该如何展现其特征。学生先在脑海中形成最终的绘画成果，做到胸有成竹，下笔绘画时才能够做到流畅，切忌仓促作画。
其次，加强构图环节。在这个环节中，教师要引导学生注意人物在图中的位置是否合适，考虑是否要在人物前方留白，这是决定整幅人物素描在观感上是否舒服的关键。完成构图之后，学生要通过对整体的观察，结合运用辅助线的方式，确定绘画对象在图纸中的大致位置，勾勒出雏形，确定基本的人物脸部轮廓形象。这一过程与剪纸艺术类似，剪纸艺人将剪纸对象沿外轮廓剪下，尽管没有细化内部的结构，但是人们依然能够确定其对象是何物。
最后，确定人物脸部“三庭五眼”比例关系，在绘画过程当中不断调整细节，强调明暗交界线是决定头部深度和体积的关键。根据绘画对象的容貌特征，可以先决定颧骨的交界线。尽管和其他地方相比，颧骨的受光不是很明显，但是要尽量保持其与暗部之间的对称。教师要让学生观察整个人物肖像中哪一个特征最明显，以此为切入点，从眉眼颧骨处开始，抓住人物面部的特征对其进行描绘，并切忌反复刻画，避免画面出现不协调的关系。学生可以根据绘画对象的特征，安排绘画的顺序。如，有些学生面部的颧骨比较突出，有些学生的眼睛比较有神……学生可以以此为基础，将其列为首要描绘对象，将其他的部分作为次要描绘对象。
除步骤要科学外，还需要加强人物头像素描的细节描绘。如头发的表现，虽然中国人的头发的固有色是黑色，但这种黑色不是漆黑一片，同样有明暗对比。附着于颅骨上的头发，要依照颅骨的形状考虑其结构。在绘画中，学生要注意将头发的蓬松感表现出来，让头发富有质感。教师可以让学生借助卫生纸擦拭画中的头发，营造一种虚的状态，让头发呈现出松弛的感觉，避免死板。
总之，教师要引导学生正确认知一幅画的好坏并不在于对某一处细节的刻画，而是画作的整体感和完整感。因此，在人物素描中，教师要让学生抓住主要矛盾，由主要矛盾决定次要矛盾，从而使整个画面层次分明。教师要让学生循序渐进地描绘对象，从最突出处带动次明部。在刻画眼部时，学生要注意眼轮匝肌之间的关系，画嘴时考虑到口轮匝肌之间的关系，画鼻时考虑到鼻骨、鼻翼和脸颊之间的关系……此外，还要考虑这些五官在整个面部的比例关系。在绘画时，对于每一处细节的刻画，学生都要结合整体考虑，分清主次。在调整阶段，除了要画得逼真，还要注意形神兼备，突出人物的性格和情绪。因此，在练习的过程当中，教师要让学生多开展人物眉、眼、嘴和情绪变化上的练习，避免公式化、概念化的机械式描绘，从而让肖像画变得更加生动自然[2]。
2.风景素描
在《美丽的校园》一课中，教材要求通过了解取景、构图、透视的知识，让学生学会素描写生的方法，尤其是对线条的表现。在景物写生时，学生容易出现生搬硬套、不分主次等问题，画面显得生硬呆板，缺乏空间感和层次感。
(1）取景是风景素描成功的关键
风景写生和人物写生不同，最关键的绘画技巧在于取景，取景如何将直接影响到后续的构图和表现手法。初中生由于刚刚接触素描，因此在取景上往往无从下手，这就需要教师除了要注重相关技法的教学，还要培养学生发现美的能力，让学生能够寻找到适合表现的景物。取景并不是让学生将景物完全“搬”到纸上，而是要对其进行进一步处理，也就是构图。取景构图可以借助取景框。学生在风景写生中容易照搬景物，导致构图组织结构不明。因此，教师要让学生明确风景写生的主体，将其置于前景或中景的位置；远景作为烘托，只是次要描绘的部分；同时，注重前后之间的空间性。在风景素描中，空间感需要依赖远、中、近景之间的关系体现，这一环节往往也是本节课的知识难点和重点。
(2）线条是风景素描最重要的表达方法
写生课课时有限，以线为主、明暗为辅的风景素描既能节约学生的作画时间，又能体现线条的神韵。教师要向学生强调线条之间的疏密变化，让其形成疏密有致的黑白关系，以突出画面中主次、虚实、前后的关系。在一幅风景画中，景物的疏密、大小、位置以及明暗关系，都要达到良好的平衡，一旦分配不均，就会形成视觉上的失衡。优秀的风景写生不仅要画面丰富，而且在整体上要做到统一。因此，在刻画细节的同时，学生要联系整体，让整体中有细节，在细节中有整体。风景素描并不仅仅只有静，也要突出动的因素，处理好动静之间的关系，才能让风景素描显得更有生机。风景素描经常以线为主要的表现方式，因此，对线的运用就显得尤为重要。线描相对于其他绘画手段来说更加简单有力。教师要让学生用线条表现景色之间的比例和姿态，以线造型，用简单的线条表现景物的轮廓、体积和彼此之间的明暗关系。通过线条的合理组织，学生能够表现出景物的氛围和画面的结构，体现出画面中色调和明暗之间的过渡与对比关系，体现出光影、体积、空间、透视等要素。教师要指导学生抓住景物的组织关系和空间结构，正确处理线条的排列方向和疏密程度，让线条有组织地形成明暗关系和疏密对比。没有组织的线条，只会让画面显得杂乱无章。学生根据不同景物的描绘需求，让线条之间形成疏密对比、粗细对比、刚柔对比、节奏对比，可以让景物呈现出丰富的质感。线的对比要从整体的结构入手，避免刻意营造，造成画面比例失调。线条并不仅仅是一种绘画技术，同时也体现出绘画者的艺术修养、趣味等。线条的表现是绘画者情感表达的一种方式，因此，教师要引导学生体会线条的力度和节奏，通过不同线条的变化，让整体画面有更强的情感表达。教师可以鼓励学生探索不同的绘画工具，了解工具的特色，熟悉每一种工具的使用方式，发挥出个人的创造力，形成具有个人特色的线条语言，从而在绘画中体现出独特的绘画个性。
结语
素描已经渗透初中美术教材的多个领域，是其他美术门类的基础，也是提高学生美术素养的有效手段，能够培养学生的审美能力和表现能力，提高学生的绘画水平。素描训练不是一蹴而就的事情，教师要深刻认识到素描对于美术的作用和意义，不仅要注重技术的教学，而且要重视艺术素养的培养，让学生体验到美术创作的乐趣，激发学生的学习兴趣，从而提高其美术水平和艺术素养。
参考文献
[1]裴志刚.谈谈初中美术教学中的素描教学[J].考试周刊。2013(19):174.
[2]罗慧娟初中美术教学中素描写生训练技巧解析[J]美术教育研究。2016(18)-:163.生临摹作品，对于学生绘画能力的要求不高，整个教学过程比较随意。这对学生的素描认知造成了一定的阻碍，特别是对于初次接触素描的学生来说，不利于其学习和掌握相关的素描知识。
2.缺乏正确的认知
由于部分学校和教师对于美术教学的忽视，一些学生对于美术学习不够重视，在课堂上不注意听讲，随意完成美术作业。一些学生虽然对美术学习热情比较高，学习态度比较认真，但是由于其基础知识比较薄弱，缺乏教师的正确引导，学习成效并不理想。在美术教学过程当中，学生的态度也会影响部分教师教学的积极性，再加上学校安排给美术课程的课时比较少，所以美术教师和学生之间的交流沟通机会也比较少，学生难以体验到美术学习的乐趣，因此学习热情不高，美术教学的美育作用难以体现出来。
（1）激发学生基础绘画兴趣。①因材施教，实施分层教学。美术教师应依据每位学生素质潜能采用不同教学方法，制定相应教学目标，在这个基础之上，实施分层教学，使得学生能够发现各自“最近发展区”。通过这种教学方式的采用，促使学生充分掌握绘画技巧，为日后艺术发展打下坚实基础。②营造良好基础绘画氛围。兴趣对学生学习产生积极推动作用，同样也是学生进步的动力。初中阶段学生仍旧保持了爱玩的天性，具有耐性不够等特点，而美术基础绘画教学需要学生进行深入、细致地观察后去描写，还要经过多次修改。在这个背景条件之下，学生极易出现厌烦心理，从而无法专心于绘画中。这就对教师教学提出了更高要求，在实际教学过程当中，教师应当为学生营造良好的基础绘画氛围。例如，教师在学生课堂休息过程中，讲述著名画家的小故事、组织学生参观游览，对校内植物、建筑进行写生等。通过这种教学方式，激发学生绘画方面兴趣，让学生在精神饱满状态之下投入到美术基础绘画中。
（2）教学过程中需要对临摹、写生引起高度重视。在初中阶段美术基础绘画教学过程当中，教师应当对临摹、写生引起高度重视。临摹旨在强调学习技巧，吸取优秀人士造型技巧。而写生着重表达感受，在多次练习过程中逐渐找到感觉，最终养成绘画习惯，形成自身艺术特色。课堂教学中，教师应当将临摹、写生二者之间进行有机结合，通过整体训练方式，为学生日后绘画学习打下坚实基础。临摹旨在将学生所学绘画技巧运用于写生中，从而形成自身艺术特色。因此，教师组织学生临摹他人美术作品时，需要结合学生实际情况进行作品选择。学生对选择作品的内涵应当有充分体会，对绘画方面技巧应当有所研究，临摹、写生二者之间的结合能够使得学生在知识理解、消化上更加容易。
（3）强调示范教学，使得学生直观感受增强。从初中阶段美术基础绘画教学过程中能够发现，尽管教师对画理进行了细致讲解，但学生仍旧是一知半解，实际应用中也不能做到灵活运用。之所以出现这种现象的原因就是用语言对画理进行表述具有抽象性，单单依靠语言表述学生无法理解画理。在初中阶段美术基础绘画教学中，教师应当强调示范教学，通过这种教学方法的采用，使得学生在绘画技巧方面做到充分把握。例如，教师在教授水粉画中“湿画法”“干画法”时，在用色方面、用水方面、用笔方面，教师可以在语言讲解的基础之上再示范作画，到了重点部分需要提醒学生引起高度重视。同时，要求学生对教师作画动作、技巧进行细致观察。采用这种教学方法提高学生理性认识，对学生绘画技巧的掌握也有积极推动作用，一段时间之后，学生在绘画水平方面将会有较大提升空间。
【关键词】绘画技法；教学问题；对策分析
一、绘画技法的特点
（一）用特殊的绘画技法来表现作者的独特个性
绘画是先通过视觉观察所要描绘表达的事物，比如物体的结构、形态、色彩、大小、比例等，首先通过观察，使这些因素可以在脑中先留下一个具体的形态和第一印象，然后再凭借着第一印象中对这些因素的感受和理解去描绘表达这个事物的具体特征，这是对学生在观察力上的培养。对于画家来说，必须通过实际的观察和对生活实际的感悟，来表达自己内心的实际想法和观点。
（二）绘画技法的知识体系具有多样性
中国的绘画技法知识体系比较复杂，要求也比较细致具体，中国的绘画分为很多个种类，可以根据题材、形式、绘画技法、绘画内容、绘画情境等方面进行区分。每一种绘画技法都有其具体要求，比如握笔的力度和手法，线条的流畅度等等。拿笔墨画的绘画技巧为例，笔墨画的绘画技巧包括侧锋、中锋、顺锋、逆锋等绘画技法。这些绘画手法看似简单，但在实际应用中对于画家的要求是相当严格的，一旦出现差错，很有可能会影响整个作品的美感。
二、绘画技法中存在的问题
（一）绘画教学方法比较传统，学生学习效率不高
根据调查显示，大部分的绘画教师还在用传统的教学方式进行教学，在传统的绘画教学中，有很多方式方法已经不再适合现在的学生了，所以，绘画教师应该跟上时代的脚步，与时俱进，根据实际情况有针对性的制定一套教学方案。使学生真正的学习到绘画技法知识，提高学生的学习效率。
（二）学生绘画实践的机会较少
绘画教学活动对于学生的记忆力和创造力都有着很大的影响，所以不管是家长还是老师都格外的重视学生的美术教学活动。美术教学活动首先是一种视觉上的体验活动，学生在动手之前，最先是用眼睛看到事物的，是先通过视觉观察所要描绘表达的事物，比如物体的结构、形态、色彩、大小、比例等，首先通过观察，使这些因素可以在脑中先留下一个具体的形态和第一印象，然后再凭借着第一印象中对这些因素的感受和理解去描绘表达这个事物的具体特征，这是对学生在观察力上的培养，一旦方法不正确，比如有些教师没有给幼儿学生足够的时间先去观察了解一个事物的具体形态和特征，直接让学生去描绘和表达一个事物，这就有可能使学生的描绘结果产生误差，教师在进行美术绘画教学之前应该给学生一定的观察和理解的时间，不应该让学生在没有完全了解一个物体时，就匆忙的去描述，这样不仅会影响学生的理解能力、表达能力，还会对学生的想象力、创造力和记忆力造成一定程度上的影响。所以教师应该根据学生的实际情况，有针对性的，制定适当的美术教学方法。
（三）教学内容制定不合理，影响学生对绘画的理解力、表现力和感受力
美术教学活动是大部分学生比较喜欢的一种活动，是学生认识世界、感知世界、探索世界的一种重要方式，美术教学活动的意义在于培养学生的记忆力、观察力、想象力、创作力等，学生在美术教学活动中，会通过观察事物之后把自己感兴趣的事物画在纸上，通过这种方式，使眼睛看到的，观察到的事物变为现实。
在美术教学活动中，学生可以在教师的正确引导下，正确的理解和感受到大自然的美、社中事物的美，无论是生活中人们的穿着打扮、学校周围环境的美化、生活中人们的言谈举止、大自然中美丽的事物，都在时刻影响着学生的审美眼光。所以教师在进行美术教学时要格外的注意教学活动的内容，一旦美术教学活动中的内容不合适学生的身心发展或者影响了学生的正确审美观，教师应该及时进行改正，比如，有些美术教学内容中出现了一些负能量的教学图片、影像等，这时教师应该及时地纠正，我们应该从小就培养儿童积极向上的健康心态，让学生从小就能够积极的发现事物的美，并具有对美好事物的理解力、感受力和一定的认知能力。所以，采用正确的教学内容来引导学生参加美术教学活动，可以更好地促进学生对绘画技巧的理解。
三、提高绘画技法教学的策略分析
（一）进行绘画技巧的改革，培养学生的创新意识和思维模式
要想解决在现代绘画技法教学中遇到的问题，首先应该进行绘画技巧的改革，逐步培养学生的创新意识和思维模式。更新传统绘画教学中的思想观念，教师可以鼓励学生积极、大胆的表达出自己的想法，勇于创新，而不是一味地按照传统的绘画教学方法去进行创作。
（二）绘画教学活动应该脱离传统的教学方式
学生学习美术绘画，可以通过自己的眼睛观察事物的外在，比如颜色、大小、形态、比例等，然后可以把观察到的这些因素在脑子里汇总，思考过后，就可以用手将看到的事物描绘出来，这是一个创作和学习的过程，也是学生学习绘画美术必经的一个过程。但现实中也有一部分学生，没有办法很好的理解自己眼中所看到的事物，也没有办法形象的、准确的描绘出这个事物的具体形态，所以这时就需要美术老师进行有效的引导，使学生通过美术教学活动可以将自己眼中所看到的事物能够形象的、生动的描绘出来。
小结
在绘画技巧教学活动中，正确引导学生欣赏美术作品，感受自然景物的美好，丰富学生对美好事物的认知能力，使学生可以尽情的发挥自己的想象，自由的发表自己的感受，老师可以从旁正确的引导，这对于提高学生的记忆力、增强学生学习的爱好和兴趣都有较大的帮助。在这个过程中，学生家长和老师也应该注意，不可以为了加快学习效率，急功近利，拔苗助长，这样不但不会提高学生的学习效率，还会起到反作用。
作者简介：冯昌华（1984.10-），男，昭通人，硕士研究生，助教，回族，研究方向：油画语言研究。
参考文献：
[1]刘烨.当前绘画技法教学中存在的问题与对策[J].西部素质教育，2016.
一、国画与陶瓷绘画的相同点
陶瓷与绘画的最早结合出现在远古时期的新石器时代，当时出土的彩陶成为最早的绘画艺术，陶瓷与绘画的艺术灵感皆来自于生活，两者遵循着共同的创作思路在艺术生活中相互交融发展，在精神意境上也有很大的相似点，意境是创作手法达到一定的程度所自然而然地体现出来的，它是衡量艺术品的创作和美的标准的一个重要指标，是心与景的完美结合，陶瓷绘画与中国画相通点就是把现实生活中的美的感受体现在艺术作品上，达到传播与唤起人们对美的感受的目的。
在绘画发展的历史上，国画以其极强的艺术气韵占有很高的艺术地位，不管是在汉朝还是在唐宋时期，各个朝代对国画的推崇都相当高，而国画也以其静逸的特点使优雅成为当时绘画的主流，而陶瓷虽然与国画有一定的差距，但是在气韵上却是很相似的，除此之外，与国画不同的是，陶瓷绘画一般会带有一些民间的娱乐情趣，这样会使观者产生无穷的遐想和无限的趣味，体现出绘画气韵生动的特点。
绘画作品一般都体现出作者的个人修养和独特的艺术审美能力，用画来表现自己的精神，就是人们常说的笔墨可以传神，与国画一样，陶瓷绘画用另一种形式来传达作者的情感，使国画的艺术形式呈现多样化，把陶瓷的绘画艺术与国画的笔墨表现力结合起来，充分体现出国画对陶瓷的重要艺术影响力。
二、国画的技巧在陶瓷绘画中的运用
国画的绘画技巧在陶瓷绘画中得到广泛的应用，其中最重要的要数青花瓷对国画的借鉴和应用了，青花瓷通过以下几个方面对国画借鉴：
（一）材料和技法上的借鉴。青花的装饰不仅要在艺术审美上给人以唯美的感受，更在技术和工艺上有很高的要求。所以在对国画的艺术借鉴上并不是全盘照搬过来就可以的。由于所需要的材料不同，国画是展现在宣纸上的，而陶瓷则需要在瓷器上表现出来，所以青花瓷的创作技法在绘制中存在很大的不同。除了在胚体上绘制以外还有施釉、烧制等很多后续程序，通过这些后续的程序，烧制出来后也会产生不同的效果，这种效果具有不可预见性，因为粗细深浅的原因都会导致瓷器烧制出来后不同效果的发生。青花与国画都是用毛笔作画，所不同的就是所运用的绘画材料不一样。古代各个朝代之间所用的绘画方式也是不尽相同的。青花对国画技法的传承和应用表现在他吸收了国画中的晕染法运用到陶瓷的绘画中创造出独特的分水法，运用这种方法使画面产生不同的深浅层次，还有一种技法就是借鉴国画中的泼墨法运用到青花瓷中就形成了在胚胎上进行大面积的泼料，这就是从泼墨法演变而来的泼料法，运用泼料法必须掌握扎实的泼墨法基本功，否则就会弄巧成拙。
（二）青花对国画在构图上的借鉴。从青花与国画的构图上来说，它们两者具有很大的相似之处，国画在绘图上比较讲究“气势”的存在和运用，与此同时在国画具有散点透视特点的基础上还加入了相同和不同的形状的结合，物类的排列、节奏、聚集、对比、态势、疏散等形式，都是构图所呈现的不同方式。青花在对国画的开拓与理解上有着极大的促进和发展，呈现出不同类型的构图法，如在写生方面，有的画家比较注重写实，而有的则比较注重利用想象来达到传神的效果，突破一些固有模式的限制，在意象空间的表现上下功夫，继承一些传统的构图形式，并在此基础上推陈出新，灵活的对构图技法进行运用，而不是照单全收，生搬硬套，要注意体会其中的精神，做到形不像而神似的效果。
（三）对国画在意境上的借鉴。在以前，许多从事青花创作的艺人都是来自于民间的，他们生活在民间，深深地体会到民间生活的方方面面，他们可以选择的题材也是很广泛的，他们的作品很质朴，洋溢着浓浓的生活气息。由此可以看出，任何艺术品的创作都离不开生活，脱离生活的艺术品是没有感染力的，现在的许多艺术家都深深地意识到了这一点，他们纷纷投入到基层，去体察民情，运用自己扎实的理论功底，用自己的真诚和质朴把作品的意境描绘出来。
三、国画对陶瓷绘画的影响
（一）国画对陶瓷绘画中新彩和粉彩的影响很大，在陶瓷的绘画创作中，用线绘来描述青苔，用点染的方式来画山石，把国画的技巧巧妙地运用到陶瓷绘画中来，勾勒出一幅富有动感的美图，让人产生无尽的联想。
（二）陶瓷绘画把我国古代画白描的技法运用到创作中来，并加上工艺美术的装饰技巧，把两者巧妙地结合在一起使作品风格独特，浑然天成。从上世纪50年代起，古彩艺术得到迅速蓬勃的发展，在材料和技巧上进行了一些改进，使陶瓷绘画艺术有了新的特点和不同的风格，而其在国画的基础上还进行了构图和色彩的搭配，把现代与古典的色彩相结合，形成别具匠心的装饰艺术风格。
（三）中国国画对青花的重大影响。与国画的创作比较相似的青花在创作上也运用了笔墨工具。很多陶瓷艺术家在对青花作品的创作时也会借鉴国画的创作影响，比较注重对特征和线描特点的创作，加之人们对审美意识的加入，潜移默化地影响了陶瓷创作者的素质，使青花成为陶瓷绘画艺术中的一种更为亲近的表现形式。中国画和陶瓷绘画总的来说都是创作者生活经验和情感精神的产物，而青花作为其中的一种产物，则为陶瓷艺术的魅力增添了新的力量。
中国画与陶瓷绘画的形式和历史沉淀都是国粹精华的表现，共同承载着我国悠久的历史文化，承载着中国千年的文明格调。这两种艺术形式在当代我国文化事业迅猛发展的同时，也在原来的基础上注入了新鲜的血液，成为一种艺术品被广泛的传播并发扬光大，使其更具有中国的特色和时代特点。
[关键词]绘画艺术语言形态
绘画是运用线条、色彩、造型、构图和一定的形式进行搭配组合而成,完成传达精神内涵的任务。绘画作品的主题有表现形式的作用、有作品内容和作者精神的体现。绘画的内容和形式,密切相连,形式是观念、情感和技术的体现。绘画语言包含技巧、形式和内容的有机融合,它是相互制约和渗透的有机整体,美术工作者的感情是靠绘画语言来表现,这种语言的运用,是根据美术工作者的艺术表现力,来彰显出艺术水准。
美术工作者对绘画语言运用不同,而产生多姿多彩、风格各异的绘画作品。在欧洲,自达?芬奇开始,就形成了传统的写实主义画法,美术工作者通过研究光线揭示形式的方式,发展和运用直线透视法,来获得景深幻觉的规则,通过研究人体解剖,给作品注入全新的现实主义感。他们的作品弘扬了人文主义精神,在绘画的总体风格上,姿势华丽、典雅、宏伟、和谐,写实技术娴熟,形成了“古典主义”画风。
区别与古典画风的印象派画家们,用光、色描绘自然和抒发自己的感情,他们擅长表现阳光和色彩,对瞬息万变的光色变化非常敏感,注重色彩的表现,美术家运用分色技术,将色彩合理组合,使画面变得明快绚丽。印象派画家不再因袭传统的画法,其作品诠释了光色的功用形。在色彩的表现里,印象派画家完美地表现了一种抒情风格,他们很好地运用了绘画语言,给作品注入了抒情性外表美。在西画造型过程中,主要使用形体和色彩语言,即便没有线的使用,其造型行为不会受到重大影响,依然能构架绘画形态;即便使用线界定轮廓,如在轮廓外辅上调子,就会成为立体画面。因此,西画中线是作为表现形体的特殊手段。
各类画派的美术家,都借助语言形式来体现作品的情感。绘画语言的不同运用,产生了不同风格的绘画作品。中国画崇尚文、意、趣,是通过笔墨技巧来体现的。笔墨本身是形式的因素,有引起形象的联想和意趣的感受功能。正如蓝色和红色能引起冷暖的视觉感受一样,在宣纸上粗糙的笔墨,能画出老人苍老的视觉感受;水分饱满、行笔流畅的笔迹,给人春天般滋润的视觉感受;流利灵活用笔,能唤起洒脱欢畅的联想;快速多变的用笔,能令人有蛇龙飞舞的遐想。这些笔墨形式,是美术工作者独特风格在艺术技巧方面的表现。美术家们通过构思构图,合理运用笔墨虚实,水韵、墨色和运笔产生的肌理,形成有个性的绘画语言。虚实的表现,是美术工作者灵气的表现,是对画理的悟性。画要有笔墨,无笔墨就不成画,笔墨技巧要与表现内容有机的结合起来,才能创作出最佳作品。这种艺术法已成为中国独有的绘画语言。
绘画语言在视觉方面由点、线、形、光、色彩要素构成。“点”是最小的视觉实体,有探讨视觉形式的作用。一个可视的点是一个吸引视觉注意力的小元素,点可以被表现出来和暗示,可以构成一个情趣的中心,或一幅构图中被强调的部分,处在一个表面上的一个点,好似屋子里的声音一样,使空间有了生机与活力。点可以解释和代表一切。
“线”是描述点的运动轨迹,一个可视的行动轨迹,一条线表现出划线人的精神。一幅画的笔触,穿过风景的一条蜿蜒的河流,被撕破的线的参差不齐的边缘,一个草叶的曲线,每一条线好似每一位画家充满个性、富有表现力的线条一样,是独具特色的。线是人们认识和反映自然形态时最简明的表现形式,线有长短、粗细、曲直之分,有长度、宽度和方向上的不同,是连续不断的或间断的,粗的或细的,有规律的或无规律的,静止的或运动的,直线的或曲线的,线是诸多形式不同的结合体。
在一个平面上,线能界定各种形状,暗示体积或显示所绘物体质量的独立元素。通过线条的组织来创造图案、肌理,描绘阴影。线是阐明视觉形式的基本手段,是对目睹、感受和想象到的事物的一种速写,线是在两维空间表面的长度标准,每一条线或物体边缘都有它的表现特征,其表现形式在视觉交流中起着重要作用。在中国绘画艺术中,线条的功用表现尤为突出,中国绘画在一定程度上,是以富有骨气韵味的线条取胜的,线条的运用,在长期的演化过程中愈来愈富有含蓄性、表现性、象征性和抽象性。
“形”是一种被视为平面存在的形式,一种二维的空间区域,平面是一种剪影或阴影形式的外观。当一条线勾画出一个区域,或当一个面积表面颜色和肌质发生变化时,其面积与周围的面积相分离,形便成了可视的存在。形分有机形和几何形,二者间有明显的界限。自然界的大部分形是有机形,是柔和、轻松、曲线性和无规律的。在人的世界中,最普通的形是有机形、生硬、刻板和有规律的。形表示了人眼感觉到的客观事物的外部形态,又称视觉形。光与色彩也是绘画艺术最主要的造型因素。点、线、形、光、色作为绘画艺术的构成要素是相辅相成的。
