关键词：美术；美育；启迪；育人
前苏联教育家赞可夫认为：“美育对学生思想品德及社会责任感的形成有着特殊的作用。”美术教学大纲中明确地指出：“美术课是九年义务教育阶段全体学生必修的艺术教育课程，课程以视觉形象的感知，理解和创造为特征，是对学生进行美育的重要途径，它对于陶冶情操，启迪智慧，促进学生全面必展，具有重要作用。”美术教学不仅在知识结构上和课程设置上，而且在每节课的教学内容上和方法上都不能脱离美的教育。在整个教学过程中，美育是主线，贯彻始终。
在教育教学中存在诸多问题：一是把美术课仍然当作图画
课，进行纯技术性的技能训练；二是把美术课当作“副课”对待，像这种情况，完全是抱着放弃美术课的态度。主要原因除客观存在的一些困难因素外，主要在于一些教师，特别是个别的学校领导对于美育的重要意义和传授途径缺乏足够的认识和了解。一切围绕考试、考什么教什么而学生则考什么学什么，分数决定一切。美术课是一门培养美好心灵的课业，是促进学生在政治思想上、道德情操上健康成长的有效手段之一；是一门眼、脑同手协调并用，通过感觉器官认识客观世界事物本质的课业；是一门培养观察、分析、判断、记忆与表现、创造能力培养的课业。学习美术还有助于其他课业的理解与记忆。如不重视美的教育将会使学生成为知识上、智能上与操行上的瘸子。美育确实可以通过各种课业、活动来进行，但在美的存在形式中，艺术美是美的最高、最集中的表现形式，对学生进行美感教育，通过艺术美的传授是一种最简捷有效的办法。因此，美术课在这方面的作用应该是当仁不让的。
美术教学的任务是对学生进行美育、培养知能、技能提高审美品位和审美能力。与此同时学生得到陶冶情操，启迪智慧，促进全面发展，所以，单是教给学生作画的方法还不是我们教学的全部任务。现以素描为例，素描写生，先要凭眼睛观察“明暗五调子”。用脑子分析、判断、感受美的本质，去伪存真加以大胆取舍，然后借助于灵巧敏捷的手，予以表现。这个作画的过程的正确方法与步骤是美术教学法所必须遵循的。我们通过素描这环节的教学可以达到：1.使眼、脑、手得到协调训练；2.助长审美感受与能力的提高；3.同时使作画的技能基本功得到严格的训练与提高。正如已故的美术教育家丰子恺先生之言：“学生学画，以养成眼的鉴赏力为先，而手的描写次之。因画者总是先有鉴赏力，才有创造力。”当然我们培养的学生不是人人都要成为艺术家，但是必须反对会使学生陷于工匠式的学习俗套。素描只讲线条变化，明暗层次，以至力求画的逼真的艺术倾向显然是错误的，至于作画采用打格子或放大尺的机械办法，使学生的眼、脑、手处于机械式的运动，也是不足取的。临摹教学，原是为了学习前人与别人作画的技法，是学习过程中的一种手段，不是目的。以临摹代替写生课，会使学生的审美能力、思维能力受到影响。导致不能陶冶学生健康向上的情操。
教材中设有“造型与表现”“设计与应用”“欣赏与评述”“综合与探索”等学习领域。给美术完整的概念和全面的认识。在欣赏评述课中，使学生有机会接触到古今中外优秀的艺术作品，让学生体会艺术家对大自然的热爱和审美情感，了解中外美术作品的独特神韵和艺术魅力。陶冶学生热爱大自然的高尚情操，启发学生去感受自然，感受生活，发现和表现事物的美。开拓了学生的审美视野。端正学生的审美观与心理素质，并能激发学生产生热爱中华民族文化的爱国主义思想，对国外艺术家的尊重以及共产主义世界观的形成。
加强美育的同时，在贯彻美术教学大纲中提出的美术教学的任务，我的见解是：第一项任务是要初步掌握美术的基本知识和基本技能，这体现在如何把美术基础知识和基本技能扎扎实实地教给学生。同时也要考虑到这只是“初步掌握”，可采取分步演示法，教师边讲解边演示，学生边作，教师边辅导，及时纠正错处，这些教法是符合从学生的实际出发的精神和初步把美术基础知识和基本技能扎扎实实地教给学生的要求的。第二项任务是要培养学生观察、记忆、想象、创造等形象思维能力。一个形象如何观察，经过思维用美术的形式，形象地表达出来，这是美术特有的表达形式，是其他课所不能代替的。通过美术这种特有的表达形式来培养学生的观察、记忆、想象、创造等形象思想能力，这是培养学生创造能力的一个好方法。当然这需要教师的正确引导、启发才可以启迪学生的智慧，发挥他们丰富的想象力。第三项任务是要对学生进行美的教育和美术文化的教育，这包括逐步培养学生的审美能力，培养对艺术创造的爱好和兴趣。美术课的教学任务不是孤立的，是互相联系的。学生以个人或集体合作的方式参与美术活动，陶冶情操，启迪智慧，了解美术语言及其表达方式和方法；运用各种工具，媒体进行创作，表达情感与思想，改善环境与生活；学习美术欣赏和评述的方法，提高审美能力，了解美术对文化生活和社会发展的独特作用。学生在美术学习过程中，丰富视觉、触觉和审美经验，获得对美术学习的持久兴趣，形成基本的美术素养，达到美化育人的目的。
我们美术教育工作者就应该从传统教育机制中的“应试教
育”转变过来。美育也是当前素质教育的一项基础工程，与德育的作用一样起着极其重要的作用。因为思想教育与审美教育是互相渗透的，互相补充。
在美术教育中必须紧紧抓住美育的育人作用，在教学的全过程中把美育贯穿始终。
参考文献：
关键词:启美启智启德启信
一、启美启美，即是引导学生欣赏美、理解美，进而最终能够创造美
对工艺美术、建筑艺术、传统绘画、雕塑作品的欣赏可以提高学生对美的鉴赏能力；对现代绘画艺术的欣赏可以增进学生对美的理解能力；美术教学中的技法训练则可培养学生创造美的能力。因此，美术教学应与学生的实际学习生活联系起来。如讲《生活与设计》这一节时，谈到服装设计，我特别联系了中学生的服装设计——“衣服是无声的语言，它随时向别人传递着你的身份、性格、爱好等方面的信息。同学们正处在充满活力的学生时代，因此，服装应当能体现出生动活泼、蓬勃向上的精神风貌。而耳环、戒指、美容化妆等成人的打扮暂时还不适合同学们。不是有人说，青春就是最好的化妆吗？”同学们笑了起来，下课后，原来佩带饰物的同学悄悄把饰物摘了下来。
二、启智启智，即是指美术教学能够培养学生的观察力、想象力、形象思维能力和空间表现能力
记忆画和想象画训练对于提高学生的想象能力和形象思维能力起着重要的作用。每逢新学期开学，我都要布置学生描绘假期生活。几个学期坚持下来，学生在绘画语言的表达方面有了长足的进步。有的同学甚至把整个麦收场面画了下来，画面上有麦田、远山、道路、脱粒机、拖拉机、联合收割机、汽车和忙碌的人群等，内容丰富，形体正确，近大远小的透视规律也得到初步体现。这么复杂的场面，若不具备一定的表现能力和观察能力是难以描述的。“兴趣是最好的老师”，如果学生没有兴趣，被动地学习，直接影响教学效果，现在上美术课的主要问题是相关教材资料缺乏设备不齐。特别是欣赏课，有些作品经过几次印刷，色彩效果差，图片又不多，很难引起学生的兴趣，也就不能激发学生的美感。教师生硬的让学生只是去画画，因此运用现有的教学设备来补充就非常有必要。通过自己找些资料，如挂图、画册、录象、幻灯、光碟等，让学生观看欣赏。通过声音、图像、音乐刺激学生，激发学生兴趣。通过生动丰富的素材资料，将学生从课堂枯燥的说教中解脱出来。只有通过大量作品欣赏，教学示范，才能使学生增加感性的认识，才能激发学生的兴趣。学生在不断的艺术熏陶中，才能提高自己的创造能力。例如：在初二美术国画的课程中，因为教室条件限制，教师示范很麻烦，而且学生也不容易观看，我们就可以用VCD通过电视来演示。让学生先欣赏作品，再观看绘画过程和技法表现。这样就能够激发学生的兴趣，真正欣赏到美的内涵，同时也减轻了老师的负担。
有的学校已经配备了多媒体教室，我们还可以用多媒体电教手段为学生多角度，多方面，提供大量直观，形象的感性材料，对培养学生的美术兴趣十分有利。
三、启德德为立身之本
在美术教学过程中应注意“德”的教育，德育与美育是相辅相成的。因此，在对学生进行美的陶冶之时，还要有意识地传输道德规范，强化学生的道德意识，帮助学生树立正确的道德观。如我在引导学生欣赏《珍惜我们的环境》这幅画时，不仅讲工业污染，还联系了生活垃圾的污染，教育学生珍惜生活环境，不乱扔废纸，不乱抹乱画等。
四、启信自信是一个人成功的前提
对于身处紧张学习生活节奏之中的学生，美术课应当是一种精神体操，使学生紧张的心情得到放松。因此，选择实施成功教育、快乐教育就应成为每节课的总体构思。数年来，我一直坚持每节课结束前的好作业评点，只要是有可取之处的作业，都可以得到展示
艺术美学课程是数字媒体类高校学生必修的专业基础课之一，也是艺术理论的基础课程。它对奠定学生的艺术审美欣赏与鉴赏能力，判断艺术的类型和特征以及后续的数字艺术作品的制作有着非常重要的作用。“艺术美学”课程包含两个部分：艺术学和美学；在教育方向上又分为两个分支：艺术教育和美学教育。艺术教育是让学生更好地掌握艺术的技能和知识，更好地理解和运用艺术，重在建立学生与艺术本身的联系，重在“技”；美学教育是在艺术教育的基础上，深化和提升学生对艺术审美性的理解和体验，把它上升到人生境界的塑造和拓展，也在于通过艺术建立学生与人生世界的联系，在于“道”。没有艺术教育，美学教育是空洞的，没有基础的；没有美学教育，艺术教育是不彻底的，没有结果的。因为艺术教育的根本目的，不只是让学生了解和掌握一些具体的艺术技能和知识，而是通过艺术教育搭建一座桥梁，使学生从有限的自我通向无限世界，从而完善学生的人格修养、提升学生的人生境界。
美学是来自于艺术的人生智慧，掌握这种人生智慧，它不仅使我们在人生之途中更自由主动的学习和理解世界，而且使我们的人生因为美学的理论训练更丰富更深刻地向世界展开。在审美教育体系中，艺术教育与美学教育，是既有区别，又有联系的两个基本方面[1]。怎样既充分发挥两个方面的不同作用，又切实把两个方面统一起来，互相促进，以实现审美教育的基本目标，是每个从事审美教育的工作者认真研究的课题。美学与艺术欣赏有着密切关系，但美学并不等于艺术欣赏。美学家叶朗先生在《大学生与美学》一文中指出：“从根本上说，美学是对于人生、对于生命、对于文化、对于存在的理论思考[2]”。美学不是普通的艺术理论，美学正是在世界观的层次上为人们提供一种对于人生世界的审美精神。艺术美学知识对学生学好其他基础课以及后续的艺术专业课具有重要意义，对后续的数字仿真动漫类艺术作品的制作课程起到了铺垫作用，艺术更会成为学生终身的精神家园，促使学生完善自身的人格修养，提升自己的人生境界，加强自身的理论修养，改变自身的思维方式和知识结构。通过艺术美学课程的学习，让学生建立起马克思主义关于对艺术基本原理的认识，培养学生艺术理论的思考能力，激发学生的审美兴趣。
信息时代的到来，改变了人们的学习方式乃至思维方式，对艺术美学教育也提出了新的任务和要求，为了跟上时代步伐，教师应从实际需要出发，有针对性地构建学生的知识、能力、素质结构，更新教学内容、改革教学方法、教学手段。理工科类学生入学前并没有掌握一定的艺术技能，没有受过艺术欣赏与鉴赏的熏陶，更谈不上对艺术的审美思维了，因此对艺术美学教育提出了新的要求，教师应从审美兴趣培养入手，启发学生对各门类艺术的区分与对各门类艺术的审美特征深入理解，将枯燥的艺术美学理论知识讲得清、准、趣、活、启，为下一阶段课程知识的学习奠定理论基础，在最终的数字仿真动漫类艺术作品制作过程中遵循艺术规律。
二、艺术美学教育现状
艺术美学教育包括两个方面的基本内容：一是艺术技能或技巧的培训，比如绘画、音乐、舞蹈技能的培训，使学生在校期间能够掌握和操作一、两种艺术形式的创作或表演；二是艺术理论知识的培训，使学生了解和掌握各门类艺术的基本理论和艺术技能知识，比如让学生掌握艺术的本质、艺术的特征、艺术的起源等理论知识和历史知识，培养和提高学生的艺术鉴赏力。切实有效的艺术教育，不仅有助于培养和增强学生的艺术审美兴趣，使他们有更高的热情、更多的机会参与艺术创作活动，而且把学生从自发的艺术爱好者、欣赏者提升为自觉的艺术活动参与者和艺术鉴赏者。这个从“自发”到“自觉”的转化过程，不仅使学生对艺术活动的关系（态度）产生从被动到主动、从观赏到创作（批评）的变化，而且，它是一个把艺术活动从单纯的娱乐活动深化为培养、塑造学生艺术品格的素质教育行为。培养学生敏锐的感觉力（观察力）、活跃的创造力（想象力）、宽厚热情的心胸、面向世界的自由精神等积极的心理（人格）素质的综合品格[3]。
一个真正从事艺术的创作者必须具备这些素质，一个有意义、有价值的人生也必须具备这些素质。进入21世纪之后，人类在更广泛、更深刻的层次上进入了跨民族、跨文化的交流与竞争，对个体的心理素质以及人格品质也提出了更高的要求，艺术品格所包含的积极的人格素质，不仅仅对大学生人生观和世界观的形成，对大学生的身心成长显得尤为重要，而且对学生创作艺术作品所显现的人文精神更为迫切。现在社会上功利主义盛行、艺术审美情趣低俗，使得学生们对艺术的审美兴趣很淡漠，更谈不上艺术修养了。许多艺术美学教育工作者不得不担忧，觉得艺术教育要提高学生的审美修养，培养艺术审美鉴别的能力，任重而道远。正如彭吉象教授所言“我们要帮助学生们更好地鉴赏艺术作品，因为并不见得都会鉴赏。比如我教电影电视，现在很多孩子并不见得会看得懂电影，他们就是‘看热闹’，分不清好坏，只要大片就去看，其实过去的电影也有很多好作品，比如20世纪三四十年代是我们中国电影的第一个高潮，像《一江春水向东流》、《马路天使》、《乌鸦与麻雀》、《小城之春》等一大批优秀电影，我们的学生没看到，我觉得我们艺术教育就是要把这些珍贵的、有价值的、有艺术水平的、而且被称得上经典的艺术作品介绍给学生[4]”。
在近几年的教学中发现了一些问题，主要表现在：学生的艺术创作积极性不高，缺乏应有的创造性思维和自我思考能力；学生在欣赏艺术作品时缺少自己的观点、独立欣赏性差、抄尽收眼底现象十分普遍；在所创作的艺术作品中艺术理论功底欠缺；“重技术应用、轻艺术理论”现象明显。这些问题的出现，说明我们的传统授课方式已经适应不了当前学生的需求。为此我们通过调研，征求学生们的意见，梳理出一套较为合理的教学方式。艺术美学课程是一门充满了各种复杂和深奥理论的课程，是一门比较抽象的理论课，所以初期在开始听课的时候，学生们由于自身的艺术修养以及艺术知识储备的缺乏，多少会感觉有些吃力，甚至感觉到枯燥乏味。但在教师的引导下，学生们会逐渐融入到艺术的海洋中。面对工科起点的大学生，要想讲授好这门课程，需要有一套切实可行的授课技巧和教学方式，我们更多的是采取课堂上师生互动的方式，启发式教学，通过艺术作品个案分析点评，激发学生对艺术作品的审美兴趣，提高审美能力。
三、艺术美学教育方式的五个环节
针对艺术美学教育的现状和存在的问题，以及随着时代的发展知识的更新，对教学方式提出更高要求，教师的教学必须进行改革与之相适应。为此，采取以下五个环节，作为具有启发创新性的方法进行艺术美学教育，以此来提高学生的审美兴趣。
1.清——体系
艺术美学课程是专业基础课程之一，从授课之初就要让学生们认识到这门课程体系有承上启下的作用，它是在为后续的动漫类等艺术作品制作奠定基础，所以涉及到的知识要点必须清晰，能通过老师的归纳总结形成系统完整的知识体系，学生们在课堂学习过程中能够大体把握。因为艺术美学中抽象的东西比较多，需要多理解多体会，学生自己看书总会碰到许多难题，这就要求老师讲授教材的同时，还要以艺术个案进行讲授，需通过自己多年的教学经验和现实艺术实践，整理成具有艺术特色的课件，起到引导和启发作用，在潜移默化中形成清晰思维。工程思维训练的是严谨的逻辑思维，而艺术思维培养的是形象思维，创新思维。工科类学生走向社会后，多数为工程师，所从事的设计、施工和管理行业都是在追寻美，任何形式、任何一项工程都离不开美，为了避免简单的重复性的匠气十足的设计，需要艺术思维的培养，让学生清楚地认识到艺术思维在日后的工程设计以及产品创意中所带来的优势。
2.准——定位
在艺术美学教学过程中，为了避免教学设计时的教学定位定得过多或过高，就要把教学定位移位到受教的学生，要时刻考虑到学生的认知能力和实际基础，还要考虑到一节课教学时间的限制，否则所有教学环节设计就成了走过场，教学活动只忙于应付，难以实现有效性教学。美国著名心理学家、教育家布鲁姆说过“有效的教学，始于期望达到的目标。学生开始时就知道教师期望他们做什么，那么他们便能更好地组织学习[5]”。学生是学习的主体，教师应该把自己放在学生的角度去考虑课堂教学定位是否符合学生的实际情况，是否以学生为中心。如在讲授戏曲艺术与戏剧艺术这一节时，由于一小部分学生从小生长在偏远地区，从未接触过这类艺术形式，因此在设计课程内容时就要考虑到学生们的个体差异性，从而准确定位，制定出适合他们的学习目标内容，让每一个学生都有所收益，这样的课堂教学目标也更具有人性化和实用价值。定位不明确的教学是糊涂的教学，没有准确定位的教学是低效率的教学。定位对教学有导向和调节的作用。因此，结合不同学生的背景，准确教学定位是推进课堂有效性教学的关键，是一节课成功的关键。定位准确，可使教学相长，达到教学目标。
3.趣——手段
教学手段多样，注重教学手段的更新，在教学中，也应不断设计出多种形式的课堂教学，激发学生的兴趣，为学生提供大胆展示自己见解的情境。例如：在讲到中篇艺术种类的各章节时，教师让学生不仅掌握到各门类艺术的特征，还要学生准备ppt材料，谈对该艺术审美特征的理解，使得学生兴趣很浓，教师可以抓住时机让学生展示艺术才能，有的上讲台吹一段竹萧，演奏一段吉他曲、有的来一段舞蹈动作表演、写一幅书法字帖等等，尽管艺术技巧很幼稚，但还是给学生机会把自己入学前已掌握的艺术技能或爱好展示了一下，还有的学生借此机会展示一下自己家乡的艺术特色。通过这种展示方式，激发学生的审美兴趣，以此来理解消化该门类艺术的审美特征，很受学生们欢迎，它符合现代青年学生的心理特点，也符合以学生为主体的现代教学规律。使之达到师生精神愉悦，在兴趣中完成教学任务。
4.活——思维
面对工科类学生，讲授艺术美学课程的方法要灵活多样，教师不仅仅只是讲好艺术理论的知识要点，还要具备一定的艺术技能或技巧，要会实际操作。这门课的特点是感官性很强，且实践动手能力也很强。例如：教师在课堂上，针对同学们在兴趣这一环节中所展示的艺术作品，必须一一进行点评，在点评讲述过程中让学生认识到该种类艺术的本质与特征，明白其艺术规律与其他各类艺术之间的关联性，如书法与绘画、舞蹈与音乐、文学与戏剧、建筑与雕塑等各类艺术，逐渐认识到形象思维在艺术作品中的运用与体现。在艺术学教学中，还可以再做深入思索，寻找出更多、更合适的切入点来培养学生的审美兴趣以及创新思维能力，更充分地调动学生的学习主动性，提高他们整合知识、运用知识、解决问题的能力，这是有助于学好艺术美学知识与技能，提高审美创造能力的关键。作为教师要善于调动和调节课堂的活跃气氛，激发学生的审美兴趣以此来提高教学质量。
5.启——内心
尽管学生们没有受过专业艺术技能的培养，但有些学生还有艺术悟性，如何启发学生内心深处的艺术潜力，是教师的责任。每当学生完成了一个艺术作品时，教师除了点评以外，更重要的是还要去欣赏学生，在这过程中启发学生的艺术悟性，以此来增加学生的艺术审美兴趣。在教学中应培养学生的个性素质与创新精神，善待学生，尊重学生，欣赏学生。在教学中应培养学生的表演欲，教师尽可能的为学生提供塑造个性和发挥创新的环境与氛围，允许学生失败，在失败中摸索经验，鼓励和引导学生勇于创新、张扬个性，反对一味地追求良好的教学课堂。要利用学生在学习阶段活跃的思维与认识，引导学生追求独特的艺术表现方法，并大胆的将自己的内心世界传达出来，通过艺术作品宣泄内心的真情实感，这将有利于个性与创新意识的培养。启发学生的创新思维，挖掘学生的艺术潜力。艺术美学是专业基础理论课，要让学生在文化理论与艺术修养的基础上形成个人的特色与风格，通过“清-体系、准-定位、趣-手段、活-思维、启-内心”五个教学环节，鼓励和尊重学生艺术个性的发展，保证学生的学习热情，培养学生的审美兴趣。
结语
中国民间美术是我国本原文化和文化符号的传承，是中华民族文化艺术的母体，它融于中华民族群众的衣食住行、节日习俗、人生礼仪和信仰禁忌的社会生活之中，是人类劳动生活最质朴的艺术思想和艺术语言的体现。毫无疑问，民间美术中所蕴涵的浓郁的生活气息、亲切的乡土情怀以及质朴活泼的性格，是生活在现代科技背景下人们内心所向往的。民间美术作为历代劳动人民创作的结晶，永远给人以谜般的诱惑和不尽而又深沉的启示。
民间美术造型对现代艺术设计的启示
民间美术的原发性、传承性、审美性等特点使得民间美术自然构成一个独立的造型体系。它体现了民间文化观念的传承性和稳定性的特点。中国人的循环宇宙观人生观，体现在民间美术造型上，形成对万物完整圆满的理想化心理定向。民间美术造型中，很少见残缺的人物形象，它讲究人物的完整性，如民间木版画就十分忌讳残缺的形象，画人物一定要画出全身、四肢等部位，画人头或为正像，或为“三分脸”，决不会出现不完整的形象来。表达了一种圆满、完美的人生观念。
在现代艺术设计中，为了便于形象的传播，增强消费者的购买欲，要求设计简洁、视觉冲击力强、功能齐全、使用方便。中国民间美术中空白、虚形等艺术表达手段已经体现在许多现代设计师的作品当中。荷兰著名图形大师埃舍尔就运用负形创作出大量经典之作，如作品《八个头像》、《伯》等，将不同的图形通过巧妙的构思，构成一个新的形，彼此相互依存、互生互长、互为图地。日本设计师福田繁雄的许多招贴设计中，也大量运用了这种正负形的关系，创作出很多具有很强感染力的简洁的图形。这种图形之间巧妙、奇特的构合，在图形中寻找、回味、领略其中的妙处，是现代图形创意的亮点。民间美术造型中对“形”与“意”的结合与表现，很值得现代艺术设计者去发掘和体会。
民间美术造物观念对现代艺术设计的启示
民间美术是一种与原始艺术最为接近的文化形态，是与民间生产活动一体化的文化，它是自给自足的自然经济发展的必然产物。现代设计艺术思想是在大工业生产条件下产生的一种唯经济论、唯科学论、唯功能论的设计哲学，以追求商业利润为最终目的的。而民间美术中则蕴含着更多人性化思想，强调物质与精神的完美结合，表达了对情感和功利意愿的追求。它的造物原则是源于自然，融于自然，人与自然的和睦共处，从而求得自然界的生态平衡和艺术需求的心理平衡。民间美术这种人性化的情感体现和回归自然、返朴归真的造物原则，对于现代工业生产条件下艺术设计来说无疑是一股清凉的人文之风。
现代艺术设计应该在遵循自然规律的前提下，能动地在自然环境间保持一个动态化的平衡，关注生存环境，发扬朴素的传统自然观，力求以合乎自然规律的设计来表现人与物的关系，以本真的原则消解人类和自然心灵之问日趋顽固的壁垒。与自然始终保持着绝对和谐的民间美术的造物观就像一座耸然的灯塔，以独具特色的哲学思维指引现代艺术设计的航向。
民间美术色彩观对现代艺术设计的启示
中国民间美术色彩观纯粹、简约的风格，与现代平面设计追求单纯、简洁、醒目的设计原则非常相似。在现代设计中有很多优秀的作品都能看到民间美术色彩的影响，如2008年申奥标志的设计，就采用民间“五色观”（红、黑、青、蓝、绿）、黄配以白色做底色，通过传统太极图的意象表达出现代的奥运精神。申奥标志富有浓郁的中国特色，又与奥运五环相一致，给人印象深刻，其中既蕴含着民族传统文化的神韵，又具备了浓烈的现代美感，将传统精神和现代意识融为一体，是民间美术色彩与现代设计理念结合的很好的范例。
在现代讲求“个性纷呈”的社会中，把传统色彩融于现代艺术之中，通过最为本质、朴实的色彩语言来传递设计的词汇，这对于现代艺术设计是一种丰富与发展。民间美术色彩所具有的强烈、浓郁、朴拙、真挚的特点给人以强烈的视觉冲击力，震撼着人们的心灵。这种以简练、粗放的方式给人以强烈的视觉感受，与现代设计对色彩的要求是一致的，在倡导“绿色设计”设计思想的今天，具有特别的借鉴性和示范性。
民间美术在现代艺术设计中的应用
民间美术源于生活的特性使其内容往往充满了对美好愿望的企盼。如新娘陪嫁物品的鱼、莲、石榴等形象都是对婚后多子的企盼，而不论是剪纸中稚拙的乌纹和蚌纹，还是面花里质朴圆润的虎形，亦都以其特有的魅力神韵，体现出劳动人民对美好生活的愿望。而这种神韵的承传来源于中华民族底层劳动群众特有的哲学观念和审美企愿，是对“形”和“意”的延伸，可以说是对民间美术一种深层次的发展和提升。如果说对“形”的再造仅仅是对传统造型的发展和升华的话，那对于“神”的传承则需要我们摆脱民间美术的物化表现，进入深层的精神领域去探寻。我们只有在深入领悟民间美术精神，并在真正理解现代西方设计思想的基础上，兼收并蓄、融会贯通，寻找传统与现代的契合点，才能打造出符合新时代要求的有中国特色的现代设计，才能找到真下属于我们本民族的，同时又能够为国际社会所认同的现代设计，从而使中国的传统民间美术在现代设计中得以延伸和发展。
（作者单位：黄淮学院艺术设计学院）
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关键词：艺术本质追问方式海德格尔启示
追问“艺术的本质”原本是西方诗学、美学和艺术哲学中的一个根本问题，如今却遭到了“反本质主义”、“反逻各斯中心主义”者的彻底否定。然而，力图穿越现象乃是一切理论的天性，因此我看不出追问艺术本质本身有什么错；何况思想的诡异和奇妙之处恰恰在于：颠倒乃是对被颠倒者思维方式的继续。否定并不能真正解决问题，解决问题的是寻找恰当的思维方式。黑格尔曾经说过：“手段是一个比外在合目的性的有限目的更高贵的东西。这就是说。追问的方式往往比追问的结果更加重要。事实上。对艺术本质的追问之所以长期不能令人满意，原因正在于：这些追问始终是以不恰当的方式进行的。因此，当务之急乃是检讨我们追问艺术本质的方式，走出某些陷阱和误区。
一、艺术是什么：形而上学方式的陷阱
长期以来，对“艺术本质”的追问，总是以“艺术是什么(wasistdieKunst)”这样一个问题开始的。“艺术是什么?”始终被当作诗学、美学或者艺术哲学的基本问题在考量。而事实上，“艺术是什么”的问题虽然是以往西方诗学史、美学史和艺术哲学史上的一个主导问题，但它是否真正构成诗学、美学或者艺术哲学的基本问题。尚是大可怀疑和有待追问的。
毫无疑问，以“艺术是什么”的问题开始的对“艺术本质”的追问，其合法性是建立在这样一个基本假定基础之上的：“艺术”是某种现成的具有某种既定本质的“存在者”或“存在之物”。因为，只有对于那些现成的具有既定本质的东西，我们才有正当理由进行这样一种追问。换句话说，一旦以“艺术是什么”的问题开始对“艺术本质”的追问。就意味着已经将“艺术”纳入了现成的具有既定本质的存在者之列。
然而事实上，“艺术”既不同于日月星辰、花草树木那样的自发存在的“自然存在者”，也不同于由人类社会共同体的特定思想设定的和出自特定风俗习惯的“社会存在者”，它甚至还有别于通过手工制作出来的“器具”或者“工件”之类的一般“人造存在者”。换句话来说，艺术既非某种现成的“存在者”或“存在之物”，也不具有某种既定的本质。正如以“人是什么”的问题开始的对“人的本质”的追问一样，“艺术是什么?”这样一种提问方式本身和以此开始的对“艺术本质”的追问，不仅从一开始就注定了会掉进将艺术“现成化”和“物化”的陷阱。而且由于其提问的方式和追问的起点就与所要追问的目标错位脱节，因而注定了是不可能成功的。
以“艺术是什么”的问题开始的对“艺术本质”的追问，不仅是一种典型的形而上学追问方式。而且压根儿就是一种自欺欺人的把戏。它不仅因专注于追问艺术的“概念义(是什么／本质)”而遗忘了探讨更为根本和重要的艺术的“运作义(如何生成。存在)”，而且单就对艺术的“概念义”的追问来讲，它无非只有两种方式可以选择：一是从现有“艺术品”的“特性”的比较分析中去归纳出“艺术”的概念；二是从某些更高级的概念中去演绎出“艺术”的概念。毫无疑问，这两种方式都是形而上学的，因为事实上它们都必须依赖于事先预设的某些“观念”：对“艺术品”、“艺术特性”的归纳必须以一定的“艺术观念”作为前提才是可能的；而从更高级的“概念”做概念演绎更是一种赤裸裸的“从观念到观念”的概念运动、逻辑换算。不仅如此。前一种追问必须在尚不知“艺术”为何物的前提下“独断”哪些是、哪些不是“艺术品”，哪些是、哪些不是“艺术特性”，这样的追问要么不可能，要么不过是一种“被倒置了的循环”；后一种方式同样如此，它必须先行持有那样一些规定性，这些规定性必须完全符合并能印证在我们事先已经认定是“艺术品”的那些东西上。这显然同样是一种“非生产性循环”。因此，这两种所谓的。追问”方式实际上都不过是一种自欺欺人的把戏。正如海德格尔所批评的那样，“人们以为，艺术是什么，可以从对现有艺术品的比较考察中得知。但假如我们事先并不知道艺术为何物的话，又怎么能确定我们的这种考察是以艺术品为基础的呢?然而，与借助对现有艺术品的特性的归纳一样。从更高级的概念进行演绎，也同样把握不到艺术的本质，因为这种演绎也已先行持有了所瞥见到的那样一些规定性，这些规定性必然足以把那些我们事先就认定是艺术品的东西端呈给我们。从现有作品中归纳特性和从基本原理中进行演绎，在此处都同样不可能并且——但凡这样做，便是一种自欺”。不仅如此，一个可以推断到的必然结果是：由于这两种追问方式所得出的结论，归根结底都不过是出自追问者自己预先持有的某种“独断”的艺术观念，因而必然还会出现“群言淆乱，不知折衷谁胜”的混乱局面。
1美术馆能够促进大学的审美教育
法国的普及教育不设艺术课程，其艺术教育是通过美术馆来完成的，但法国人的艺术修养可谓有目共睹，美术馆的审美教育功能于此可见一斑。美国普林斯顿美术馆建立伊始便着力于支持大学的教育研究和服务，积极开展与艺术考古学院的师生、工作人员及其他学科的合作。美术馆五个工作小组成员包括教师、职员、学生、行政部门和顾问理事会成员，他们着力促进美术馆与大学的交互发展。首先，美术馆藏品将成为学校学术计划的催化剂，美术馆将藏品充分使用，融入学习课程中。其次，美术馆要成为本科生大学教育不可缺少的组成部分。美术馆的藏品不仅用于教授艺术和考古学，也用来展示人类学、文学、社会科学、工程学、视觉艺术及建设学。美术馆努力扩大对所有本科学生的影响，使它的资源和活动项目成为大学生活的一部分，教育学生理解美术馆在社会生活中的重要性，使他们将来有机会塑造并影响许多社区的文化经验和未来发展。第三，美术馆推动并出版严肃的艺术图书、学术研究成果。普林斯顿大学旨在办成世界上最好的研究型大学及最杰出的本科院校之一。为此，美术馆编写翔实的收藏介绍手册来介绍美术馆和资源等。第四，普大美术馆加强采取若干举措使当代艺术融入生活中。例如，邀请艺术家走进大学校园和学生一起创造当代艺术作品，促进了普林斯顿大学校园的当代艺术氛围。目前，国内多数综合大学都设立美术系，并且为其他专业开设了丰富多样的艺术史和美学选修课程来普及和加强大学的通识教育，但是这些课程大多仍然局限于课堂和书本，这样的审美教育是不完善的。2011年开始，全国的美术馆陆续实行了免费开放的文化惠民政策。所以，当代的大学教育可以充分利用蓬勃发展的美术馆来更好地完成审美教育任务。在美术馆内，学生可以直接面对作品实物发挥个人想象，可以更好地消化老师的理论讲解与审美分析，甚至可以与正在展览的艺术家和创作者直接互动，既丰富了教学形式，同时也可以提升教学质量。
2美术馆能够为大学提供展示和实践的平台
（1）展览空间。“美术馆以公开展示美术作品的方式去表述和传达社会公共领域的种种信息、意向、文化理念和审美观念，把物化的文化理念和艺术美感伴随着服务社会、造福公众的理想诉诸社会公众，它在大众美术教育中具有不可替代的重要作用。”相比博物馆的经典性收藏和展示而言，美术馆更具开放性和实验性，很多美术馆与当代艺术关系密切，诚然，展现具有时代气息的艺术观念是美术馆义不容辞的责任之一，但是美术馆担负的是普及和提高大众审美的教育任务，如果经常展示大众难以接受的前卫艺术必然导致受众的局限化，进而使工作遭遇困难局面。学院派则不同，学院派的美术教学融合中西艺术思想和绘画手段，继承传统绘画精华，他们的艺术作品是美术馆空间里最守规矩的客人，也是公众审美教育的合适教材，非常有助于消除精英美术与大众美术之间的隔阂与障碍。美术馆也愿意为有潜力的青年艺术家和实验项目提供机会，这样的公共空间对于尚未踏出校门的学生而言可谓是上佳的展示平台。
（2）实习基地。美术馆是大学教育不可错过的实践平台。大学生可以在美术馆谋求实习和实践的锻炼机会。外语、中文、传媒、美术等专业都是备受青睐的专业，具有良好的艺术修养和审美视野的大学生可以在美术馆学习和帮助整理文案、策划讲座、布置展览等工作。随着近些年文化艺术的发展，当代大学生的就业渠道已经十分宽泛，以艺术类为例，原来的教师和职业画家等就业方式已经逐渐丰富到艺术机构和艺术市场领域，美术馆、画廊、拍卖行工作者以及策展助手等工作都可能是他们的工作职位，而美术馆的实习实践经历无疑是日后工作中十分宝贵的积累。事物之间的作用都是相辅相成的。反而观之，大学也对美术馆有着不可忽视的学术支持，蔡元培先生曾说：“大学者，研究高深学问者也”。大学的科研力量可以促进美术馆的研究与发展，优秀的大学教学成果可以提升美术馆的文化品质。
3大学教师能够为美术馆提供学术支持
20世纪下半叶，联合国教科文组织开始倡导“终身学习”的教育理念，美术馆的发展策略也随之有所调整，他们开始重新审视受众群体，丰富教育形式，全体公民都成为美术馆的服务对象，原有的收藏和展示功能也随之拓展至公共教育领域，沟通、互动以及“知识生产”成为当代美术馆发展的重要理念。美术馆不同于画廊，它主要功能在于研究、学习和教育。从功能上讲，美术馆也是一个教育机构，学术讲座业已成为美术馆引导和提升大众审美的重要形式之一。而大学教师很多也是业内的学者专家，是美术馆不可忽视的研究主体。许多美术馆都围绕展览举办学术讲座，这是以学术的方式加以引导的重要方式。中国美术馆2010年以来一直坚持举办面向大众的专家学者讲座，这些讲座有的针对学术问题，有的结合当时展品分析文化背景与思想内涵等问题，高屋建瓴，深入浅出，对观众理解和体验展览帮助很大。北京大学教授朱青生曾在中国美术馆举办《怎样欣赏当代艺术》专题讲座。他在介绍传统艺术到当代艺术的发展历程以及他的个人见解之后，还与大家共同观展，他鼓励观众发挥想象以赋予作品独特的意义，这使很多人加深了对当代艺术的认识和了解。美术馆内的很多展览是由大学教师策划或参与完成的。“策展人”在博物馆界和美术馆界有不同的解释。在国家文物局系统的博物馆“，策展人”通常被称作“业务主管”，而在文化部系统就译成“策展人”，这可能与中国的行政体制有关。无论如何，当代美术馆内的策展人身份越来越多元化，大学教师是其中重要的组成部分，他们的展览通常具有更加浓厚的学术意味。
4结语
