一、作品的分类方法
《伯尔尼公约》对受保护作品的规定采用的是一般性规定和非详尽性列举并举的方法。其一般性规定强调对所有文学艺术作品提供全方位保护，而不管其表达形式或方式如何。其非详尽性列举采用了“诸如”一词和“以类似的方式表现的作品”或“其他同类性质的作品”的措辞，以达尽量列举文学、科学和艺术领域内所有能设想到的作品之目的。从条文表述看，中国法采用的是详尽列举法：《著作权法》第3条列举了九类作品形式（第九项“法律、行政法规规定的其他作品”虽具兜底性质，却因有违版权自动保护原则而难以保证其广泛的兼容性），第6条进一步明确了“民间文学艺术作品”的版权客体地位。
这种“封闭式列举”方法已受到学术界一致的批评，因为它对不断发展的新形势的适应能力较差，难以适度保持法律的稳定性。尤其是以数字技术、通讯技术为代表的人类科学技术将彻底改变作品的创作、使用和传播的传统模式。智力创作领域新问题的纷呈，客观上对法律体系的稳定提出了更高的要求。而且，针对在《伯尔尼公约》分类体系下，各类作品的权利之归属、权利之行使和权利限制之内容各不相同的传统作法本身也面临新技术的严峻挑战，有学者认为划分作品类型已毫无意义，主张废除对作品的分类。（注：刘波林：《知识产权法的经济分析》，法律出版社1996年版，第141页。）本文认为，作为法律制度特点之一的适度稳定性是以其一定的前瞻性为前提的，而要求法律制度的设计一定要超越现实，否认法律的相对滞后性有悖法理。连颇为激进的美国《知识产权与国家信息基础设施》白皮书（注：（美）信息基础设施特别工作组：《知识产权与国家信息基础设施：关于知识产权的报告》（IntellectualPropertyandtheNationalInformationInfrastructure：TheReportoftheWorkingGrouponIntellectualPropertyRights，Sept.1995.））也认为目前改变传统的作品分类尚为时过早，但不排除将来的彻底改革。有鉴于此，有必要采用与《伯尔尼公约》一致的开放式列举方法，以保证版权法的适度稳定性。同时，采用《伯尔尼公约》的“诸如”式列举方法，将现实作品形式尽量列出，以增强版权法的可操作性。
在作品的一级分类上，《著作权法》第3条第1款存在种属概念并用的逻辑混乱。这种混乱体现在用“自然科学、社会科学、工程技术”代替“科学作品”与“文学、艺术作品”并列。这里，立法者试图强调科学作品之内涵。无论从一般的知识门类划分的常识，还是从《伯尔尼公约》第2条和《著作权法》第1条的行文，我们都知道“科学作品”与“文学作品”、“艺术作品”是同一逻辑层次的概念，其上位概念为“作品”。而《著作权法》用属概念“偷换”了种概念，“这就容易给人一种错觉：好像自然科学、社会科学、工程技术这三个名词的概念同文学、艺术这两个词的概念是同一层次的概念。”（注：许超：“关于修改现行著作权法的初步想法（之二）”，载《著作权》1994年第4期，第31页。）
而在作品的二级分类上，新修正的法律作了部分调整，即将原来的“电影、电视、录像作品”改为“电影作品和以类似摄制电影的方法创作的作品”；将摄影作品脱离美术作品独立成项；新增“杂技艺术作品”、“建筑作品”和“模型作品”。除此之外，九类作品种类的列举则仍采用的是内容性质标准，而忽略作品表现形式标准，如：未考虑各艺术作品的特性，将音乐、戏剧、曲艺、舞蹈、杂技艺术作品并列。这种粗线条杂糅的立法技术虽然照顾了人们对艺术形式的一般认识，在实践中不致引发理解混乱，却不利于建立严谨的作品分类法律体系。与此不同的是，《伯尔尼公约》兼采表现形式标准和内容性质标准进行二级分类，如：同为舞台表演形式的戏剧或者音乐戏剧作品、舞蹈作品、哑剧作品等三种作品，公约又采用有无演员演唱之区分标准，将之细分为“戏剧或者音乐戏剧作品”和“舞蹈、哑剧作品”两类。
实际上，《伯尔尼公约》不仅采用了作品性质和表现形式结合的标准对作品进行分类，还采用了创作形式的标准将作品分为“原作”和“演绎作品”。后者有两种：一是对原作进行翻译、改编、改写及其他改动而形成的新作品（第2条第3款），二是作品的汇编（第2条第5款）。许多国家在修订版权法时，也都采用了不同标准对作品详细分类，如日本、巴西、俄罗斯等。为秉承《伯尔尼公约》“尽可能详细列举到现实存在的所有作品”之立法精神，适应各国对作品进行详细二级分类的趋势，并有助于解决作品类型日益复杂所致的法律稳定性问题，本文认为应在作品二级分类中引入多重分类标准，即作品表现形式、作品内容性质和作品创作形式。为此，1993年的《俄罗斯联邦著作权和邻接权法》第6条“著作权客体总则”、第7条“是著作权客体的作品”可资借鉴。（注：《俄罗斯联邦著作权和邻接权法》，焦广田译，载《著作权》1995年第2期，第61-62页.）
二、遗漏的客体-与《伯尔尼公约》的比较
（一）违禁作品
《伯尔尼公约》第2条第4款、第2条之2第1款授权各国内法排除特定作品（如法律条文、官方文件、政治演说和法律诉讼中的演说等）受保护的自由。这些特定作品并不包括违禁作品，只是在第17条，公约赋予了各国政府根据需要，通过立法或行政法规、规章等许可、控制或禁止作品流通、表演或展览的行政管理权利，即对违禁作品的权利行使予以控制。而《著作权法》第4条第1款和第5条排除了包括依法禁止出版、传播的作品（违禁作品）在内的四类客体受版权保护。据郑成思教授介绍，“当年列这一条的初衷正是要想指出禁止出版的作品根本不享有版权，只是表述为‘不受保护’更易被人接受。”（注：郑成思：“试论我国版权法修订的必要性”，载《著作权》1994年第3期，第28页。）此款规定在《著作权法》草案的起草和审议阶段以及颁布实施后，一直遭到了学术界广泛的批评，理由是违背了版权自动保护原则，抹杀了《著作权法》的民事权利法的性质，不恰当地用调整不平等主体的纵向关系的行政法律手段来调整平等主体间的民事法律关系，与《民法通则》中没有剥夺民事权利能力，甚至没有区别对待的规定严重矛盾。（注：参见陈军：“关于违禁作品作者著作权的思考”，载《著作权》1991年第3期；刘进：“中日著作权客体比较”，载《著作权》1992年第4期；韦之：“从《伯尔尼公约》的角度看中国《著作权法》之修订”，载《著作权》1997年第3期；黄曙海、贾明知、李建：“关于我国著作权立法的几点思考”，载《版权参考资料》1990年第1期，第3-5页。）1996年6月，由全国人大教科文卫委员会和国家版权局于武汉召开的著作权法修改问题座谈会上，大多数代表建议取消这一规定。从郑教授的文章中，我们知道立法者是在明知版权自动产生这一基本原理的前提下，仍然力排众议，坚持独辟蹊径的。这种“坚持”有其深刻的历史背景。1989年6月动乱后，党的十三届四中全会做出了继续坚决执行党的十三大确定的基本路线，认真加强思想政治工作，切实反对资产阶级自由化的战略决策。7月20日，李瑞环在全国宣传部长会议上传达中央政治局常委会的指示，对“扫黄”问题，“要下决心、下力量抓出成效，决不手软。”7月28日，中共中央发出《关于加强宣传、思想工作的通知》，要求“认真整顿文化市场，取缔各种非法的、反动的、有严重政治错误、宣扬色情、暴力和封建迷信的出版物和音像制品。”此后，声势浩大的“扫黄打非”运动持久地在全国展开。
可见，适逢《著作权法》的制定，为强有力支持该运动的深入，违禁作品被“剥夺”版权便是历史的必然。但是，如今情势已变更，1992年中国加入了《伯尔尼公约》且已经成为WTO正式成员国，中国版权法已经受到《伯尔尼公约》和TRIPS的严格约束。因此，必须删除没有国际公约依据的《著作权法》第4条第1款，转而依据《伯尔尼公约》第17条，对违禁作品的作者行使其版权予以限制。《著作权法》第4条第2款规定的权利限制的总原则“著作权人行使著作权，不得违反宪法和法律，不得损害公共利益”和1997年2月1日起施行的《出版管理条例》第25条规定的“任何出版物不得含有下列内容：……（六）宣扬淫秽、迷信或者渲染暴力，危害社会公德和民族优秀文化传统的；……”以及现行的一系列打击非法出版活动的专门法规、规章、通知等中的相关规定，已足以为扫黄打非运动提供法律武器了。而且，必要时，可以制定新的法规或规章以增强打击的力度。因此，在中国根本不可能发生类似1997年在美国出现的“花花公子公司”就其《花花公子》所享有的照片版权遭计算机网站侵权而提起的诉讼案，（注：“花花公子有限公司”诉“网络世界有限公司”（PlayboyEnterprisesInc.v.WebWorldInc.，1997WL817312，N.D.Tex.Dec.11，1997）。美得克萨斯联邦地方法院判被告为其用户非法上载原告享有版权的照片承担替代责任。）也就不会出现违禁作品的版权人胜诉而损害公共利益的结果。
（二）实用艺术作品
国际公约对“实用艺术作品”（WorksoftheAppliedArt）的保护经历了一个从无到有，从低水平到高水平的过程。《伯尔尼公约》1886年的最初文本没有将之作为客体，1908年的柏林文本将之作为一种“可保护”客体，而不是“必保护”客体，1948年布鲁塞尔文本才将它明文列为受保护的作品形式。（注：郑成思：《知识产权论》，法律出版社1998年版，第228页。）根据《伯尔尼公约指南》的解释，公约使用这一一般性术语来概括各类实用艺术品的艺术设计，包括小摆设、珠宝、金银制品、家具、墙纸、装饰品、衣物等，但授权各国自行决定对其保护的程度和条件，其最短保护期必须为作品完成之日起的25年。由于各国据此对实用艺术作品的保护方法和保护水平不一，（注：由于对实用艺术作品理解的不同，各国所采用的法律及保护水平差异颇大，如美国版权法仅保护手工艺品，而工业品外观设计为专利法客体；德国、法国和比利时的版权法将之作为美术作品的一类；英国在1949年的《已注册的外观设计法》基础上，于1968年专门颁布了《外观设计版权法》。据英国著名版权专家威尔（R.F.Whale）介绍，《已注册的外观设计法》实际上保护《伯尔尼公约》中的实用艺术作品和工业品外观设计与模型两类作品。参加其专著：《Copyright》，RowmanandLittlefield，1972，p.82.）《伯尔尼公约》1967年斯德哥尔摩文本增加了一“互惠”规定，以协调其国际保护中的差异，即：如果某成员国的法律把“工业外观设计和模型”单独专门保护，那么其他成员国（将其作为一般艺术作品受版权法的保护）也只给予其在来源国类似的保护。但如果该国对于工业外观设计和模型并不给予专门保护，则应将这些实用艺术作品作为艺术作品给予版权保护。（注：《伯尔尼公约指南》第2条（25），朱勇译，载《版权参考资料》1990年第2期，第36页。）由此推知：实用艺术作品包括了实用手工艺品和通过工业化生产的实用艺术品两类。WIPO出版的《版权与邻接权法律词汇》对其所下定义-“具有实际用途的艺术作品，无论这种作品是手工制品还是工业制品”-是为明证。
原《著作权法》没有将实用艺术作品作为版权客体，而《实施国际著作权公约的规定》（以下简称《规定》）则在第6条赋予了外国实用艺术作品的版权客体的法律地位，并规定其保护期为完成之日起25年，在不考虑赋予外国版权人这种“超国民待遇”对中国版权人的“歧视”问题之前提下，做到了与《伯尔尼公约》一致。考察新修正后的《著作权法》，我们发现，立法机关仍秉承了“对我国公民的作品，从基本国情出发，借鉴国际上著作权保护制度的新发展，适当提高保护水平”之修订原则，（注：参见原新闻出版署署长兼国家版权局局长于友先受国务院委托，在九界人大常委会第6次会议上所作的《关于<中华人民共和国著作权法修正案（草案）>的说明》。“适当”一词的使用和《草案》对实用艺术作品的只字未提，表明中国版权人受歧视的待遇仍将依旧。）对中国实用艺术作品的法律地位在新修正的法律中未置一词。
许超先生详细列举了中国法当初排除实用艺术作品的四种考虑：实用艺术作品与美术作品不易区分；实用艺术与工业生产紧密相联，而著作权保护期又非常长，担心对实用艺术的保护会影响工业生产；实用艺术同工艺美术不易区分，后者更为大众接受且很多历代相传的造型之独创性很可能早超过了保护期，如果用著作权法保护，也会产生影响工艺美术事业乃至外贸出口的发展；实用艺术作品中的很多是工业产权保护的客体，而工业产权保护在手续和保护期方面显然不具备著作权保护的优势，如果用著作权保护，岂不无人再申请工业产权保护了吗？（注：许超：“关于修改现行著作权法的初步想法（之二）”，载《著作权》1994年第4期，第33页。）可见，除了对版权的保护期可能影响艺术作品产业发展的考虑外，排除实用艺术作品的主要考虑是其与美术作品和工艺美术作品的区别问题。
从词源学的角度看，“美术”与“艺术”同源，均源于古罗马的拉丁文“Ars”，原指相对于自然造化的“人工技艺”，其包括各种能够巧妙地解决任何困难问题的特殊熟练技术。亚里士多德根据功能将这些技术一分为二：一是对生活“必要的艺术”，二是为了消遣或快乐的技术。（注：（日）竹内敏雄主编：《美学百科辞典》，刘晓路等译，湖南人民出版社1988年版，第163页。）前者指实用技术，而后者基于精神上的快乐之意被认为是一种高级技术，而由拉丁文Ars演变的英文单词“Art”逐渐专指这类我们现今称之为“艺术”的高级技术。运用这些技术得到的成果就是艺术作品，它包罗万象，不仅包括各种手工制作的艺术品及文学、戏剧、音乐等，还涵盖拳术、魔术、医学等。（注：艾中信：《美术》，载《中国大百科全书？美术Ⅰ》卷首，中国大百科全书出版社1991年版，第1页。）在欧洲拉丁语系国家，“Art”原是不分“艺术”和“美术”之意的，在文艺复兴之际才有所区别。中国是在“五四”新文化运动中开始分别艺术与美术的，“艺术”开始成为一个综合概念，泛指一切艺术门类，而“美术”则演化成“艺术”的种概念之一，专指“通过视觉欣赏能引发美感的艺术”，即人们能以视觉形式感知并能引发美感的创作或表达。从大多数英文词典的释义均强调“视觉”（Visual）之意，并将舞蹈（如芭蕾）列举为作品类型之一可知，美术应该属于一种视觉艺术。审美主体与对象之间的感知媒介主要是视觉，而与通过听觉进行艺术审美的形式如欣赏音乐相区别。而版权法上的传统“美术”概念则仅仅局限于美术创造的形象化表达手段上，即强调其重要特征之一的造型性，而忽略了其感知媒介的重要性。《伯尔尼公约》中未出现“美术作品”一词，而用分解法将其表现形式（“图画、绘画、建筑、雕塑、雕刻和版画”）详列。WIPO和UNESCO在1986年12月的一份文件中认为，传统使用的英文单词“TheFineArts”已经不能准确地概括美术作品，应在版权法中引入新的概念-WorksofVisualArt.（注：郑成思：《知识产权论》，法律出版社1998年版，第223页。）即“视觉艺术作品”。美国于1990年通过的《视觉艺术家权利法》（注：《视觉艺术家权利法》（VisualArtistsRightsActof1990）。该法案成为美国版权法第106A条。）正是采用了“视觉艺术家”来称谓美术作品的作者的。
在中国，对“美术”本意的理解发生了“位移”，即将“Fine”理解为“纯”，美术就成了纯欣赏性的美术。实际上，蔡元培先生作为中国最早使用“美术”这一概念的学者之一，曾将“TheFineArts”称为“文艺美术”，指明其中凝结着社会文化意识和审美识，以区别于实用功能与审美意识相结合的“工艺美术”。（注：艾中信：《美术》，载《中国大百科全书？美术Ⅰ》卷首，中国大百科全书出版社1991年版，第1页。）后来，习惯成自然，“美术”便只局限在具有纯粹欣赏性的平面或立体的造型艺术之意义上，而艺术性与实用性两者兼容的工艺美术也就顺理成章地被排除在“美术”的范畴之外。
“工艺美术”（ArtsandCrafts）是在19世纪中叶确立的概念，指“人们日常生活中主要在身边使用的道具及其他物品，它们通过其材料、意匠、技巧或制作过程的关联而表现美的效果。”（注：（日）竹内敏雄主编：《美学百科辞典》，刘晓路等译，湖南人民出版社1988年版，第298页。）它与纯粹的美术作品在视觉审美的效果上本无根本不同，应该属于广义的“美术”范畴。与纯美术作品比较，它多了“实用性”的特点，因此可以与绘画和雕塑区别开来，而与建筑同属所谓的“实用艺术”（theAppliedarts）类。由于工艺美术作品的实用范围覆盖日常生活的各个方面，与造型艺术的其他门类相比，为其确定一个固有领域相当困难。但是，这种艺术品可以通过区别其实用性产生的途径区分为两种：一是手工制作的制品，二是工业批量生产的产品。由于“工艺美术”的概念产生于产业革命的末期，工业上的机械化生产还没有占据艺术品生产的主导地位，其名称用“Crafts”来界定是符合当时生产力发展水平的。但产业革命后，通过第二种途径产生的工艺美术作品逐渐成为主流（当然，在发展中国家，手工艺术品占有相当重要的地位）。从WIPO对实用艺术作品的释义，我们可以知道，国际公约中的“实用艺术作品”实质上就是“工艺美术作品”。因而，它是广义的美术作品的一个种概念，它不应该被排除在版权客体之外。值得说明的是，工艺美术作品中的一部分在中国能得到行政法规的保护。1997年5月20日，国务院颁布实施了《传统工艺美术保护条例》保护“传统工艺美术”-百年以上，历史悠久，技艺精湛，世代相传，有完整的工艺流程，采用天然原材料制作，具有鲜明的民族风格和地方特色，在国内外享有声誉的手工艺品种和技艺。但因严格的条件限制和实行国家认定制度，大多数实用艺术品目前得不到法律的有效保护。
关键词：新课改美术教学模式教学方法
一、教学模式与教学方法的关系
教学模式，是在一定的教学思想或教学理论指导下建立起来的较为稳定的教学活动结构框架和活动程序，是教学活动的一种表现形式。它是在教学实践中形成的，用以规范教师的组织教学过程。具有指导师生进行教学活动的功能。而美术学习方法，是一种多元的集合，新的方法要引入学习，过去行之有效的方法也要根据具体的情况加以改造和运用。新的课程改革倡导探究性学习，在一些人看来似乎接受性学习已被打入冷宫。其实不然，正确、有效而适度地使用接受性学习方法，对学生仍是必要而且有效的。当然，新课程倡导的一些学习方法，需要通过不断的学习和实践，逐步达到熟练运用的程度。所有的教学和学习方法的有效运用都有一个基本的前提，即必须有基本的教学秩序作为保障。教师的教学管理能力和课堂教学的应变能力是教师上好课的基本保证，教师对课堂的基本控制能力是实施教学的基础。教师应该控制大多数学生的情绪和行为，将学生的学习行为导入设计好的教学过程，顺利完成教学任务。
本次课程改革，从促进学生素质发展的角度，结合美术学科的特点来划分学习领域。因此，新课程标准从学生学习活动方式考虑，划分出“造型・表现”“设计・应用”“欣赏・评述”和“综合・探索”四个学习领域。“造型・表现”是美术学习的基础，其活动方式更强调自由表现，大胆创造，外化自己的情感和认识。“设计・应用”学习领域的活动方式既强调形成创意，又注意活动的功能目的。“欣赏・评述”这一学习领域则更注重通过感受、欣赏和表达等活动方式，内化知识，形成审美心理结构和审美能力。“综合・探索”学习领域提供了上述美术学习领域之间、美术与其他学科、美术与现实社会等方面综合的活动，旨在发展学生的综合实践能力和探究发现能力。
二、新课改与美术教学模式的应用
由于教学的目标任务不同，美术课堂教学有多种类型。不同的学习领域有不同的结构，教学过程的组织形式就有所不同。因此，所采取的教学模式也应有所不同。本文就以上四个学习领域的教学模式应用，做如下探讨。
1.“欣赏・评述”课
情境陶冶式教学模式是使学生处在创设的教学情境中，运用学生的无意识心理活动和情感，加强有意识的理性学习活动的教学模式。美术课上适当运用背景音乐烘托气氛、创设情境会起到很好的作用。该模式的基本程序是：创设情境――参与各类活动――总结转化。情境陶冶式教学法，有利于学生愉快而扎实地掌握知识，能够提高学生的认知能力和审美能力。由于无意识注意和情感活动的参与，学生不易产生疲劳和厌倦，所以有利于大容量、长时间地进行教学活动。这种模式能够拓展和深化教学的教育功能，对学生进行个性的陶冶和人格的教育，培养学生的自主精神和合作精神。
“欣赏・评述”课的基本结构程序是：创设情境――引导感受――审美导引――综合评述。欣赏课包括美术欣赏、美术常识等。通过对美术作品、美术常识的介绍与欣赏，引导学生去感受美、认识美，了解“美”的文化知识，是一种以审美为主的教学活动，也是一种通过艺术形象去认识客观世界的思维活动。此类课，一般是应以教师讲述与启发相结合，引导学生欣赏、议论、引发问题，帮助解决问题等方式进行审美导向的教学。
视觉感受能力是欣赏活动着力培养的能力之一。这里所说的感受，首先是指对美的感受，学生应该具有一双能够审美的眼睛。经过欣赏活动之后，学生的眼光在以上几个方面会变得更加敏锐。同时，在欣赏活动中对学生的语言表达能力的培养同样应当引起我们的重视，因为学生要确切地表达自己对美术作品的感受，就必须有较好的语言能力。感受能力和语言表达能力密不可分，一方面一个人的艺术感受能力弱，他就不可能选择恰当的词汇表达自己的感受，另一方面他有了艺术感受之后，再通过恰当的词汇表达出来，感受就会得到强化。所以，语言能力也能从另一方面体现一个人艺术素质的高低。
通过美术教学活动，努力使学生在情感态度、观察能力、想象能力、创造能力、学习方法等方面得到提高，引起学生心理和行为的良性发展。欣赏课上不能形成一个固定的模式，教师应当在不断的学习中，丰富教学内容和教学方法，敢于改变原有的教学模式和方法，善于从不同的角度提出问题，引导学生从多角度学习欣赏一件作品，使自己和学生们更灵活、更富有创造性。这次美术课程改革力图改变过于强调学科本位的做法，降低了知识和技能的难度和要求，鼓励教师根据学生发展的需要，从生活的角度而不是专业的角度组织教学内容。同时，提倡教师在教学中将美术本体的内容与生活、人文和经验联系起来，增强美术课程的教育功能。
2.“设计・应用”课
工艺设计课，内容繁多，形式多样。主要是通过教学，使学生了解工艺美术有关门类的基本原理、法则、基本构成方式和制作方法。通过练习，使学生了解和掌握工具、材料的性能及使用方法。懂得基本造型和制作的原理，培养学生的设计意识和设计能力。操作性很强。授课时，教师应运用精练的语言，结合欣赏来讲述概念、原理、法则，直观演示方法，引导设计思维，指导操作。通过实践，培养学生对形式美的感受能力。
示范模仿式教学模式是通过教师讲解、示范，学生进行参与性的练习而获得知识技能的一种教学模式。示范模仿是人们形成行为技能最直接、最形象、最经济的方法。这种方法，可以使人们的行为结果立即得到反馈，使正确的动作不断得到强化，错误的动作不断得到纠正，短时间内便可以大大提高行为质量。其基本程序是：定向――参与性训练――自主练习――迁移。
示范模仿式教学有利于学生将课本知识与实践相结合，使学生在实践中内化所学的知识。这种方式的教学，学生手脑并用，行为质量可以及时得到反馈，效果较好，而且有利于培养学生积极思维、注意观察等良好的学习方法和相互帮助、遵守纪律、加强自主性等品质和观念。
学生对行为技能的掌握，常常会打破常规分布，许多原来学习成绩较突出的学生，在掌握行为技能时，往往会失去他们的优势，教师应注意对这类学生在行为和心理两个方面的调适。那些在掌握行为技能方面有突出优势的学生，虽然他们以往的学习成绩可能不理想，但教师应引导他们勇于用自身的优势去帮助其他同学，求得一同提高。兴趣在学习活动中扮演了十分重要的角色，兴趣可以变为学习的动力，但兴趣是不能强迫的，而是发自内心的，只可激发。我们给予学生的美术知识与技能的难度一定要与大多数学生对美术的兴趣相吻合，教师还应以此为契机，实现这些学生的兴趣向其他教学活动迁移，提高他们的学习成绩。
3.“造型・表现”课（技法知识综合课、练习课）
技能训练课，包括创作、写生、临摹、手工制作等。主要是在教师讲完新教材后，为巩固知识、技能、技巧所安排的用整节课进行技能、技巧的训练，以强化知识与技能的巩固和应用。此类课，一般是学生在教师的指导下，通过独立作业练习来获得技能、技巧。
通过教学，使学生了解造型艺术的形式特点和基本表现方法。学习用科学的方法来观察研究和表现客观物象的形态、结构、比例、明暗、色彩、立体、空间等。同时也是对学生进行审美教育、发展智力、培养多种能力的过程。既有基础知识的传授，又有技能、技巧的训练，一节课中需完成多种任务。此类课，教师一般应通过欣赏、启发、讲解来传授美术的基本知识，运用引导分析的方法来培养学生的整体观察、认识和表现物象的能力。示范讲解方法，指导训练技能、技巧，实践性、操作性强。其基本结构程序是：直观感受――综合分析――示范讲解――师生合作――指导训练。
从美术课程来看，学习内容几乎涉及美术学科的所有门类。而学生课内的学习时间很少，学生也不可能在课余投入太多时间学习美术，所以熟练掌握技法几乎是不可能的。创作课，是要求学生运用已学过的知识和技能，去反映自己的感受或间接感受到的东西，通过某种美术语言来表达自己的情感和理想，进行艺术创造的体验。是培养学生记忆、想象、形象思维和创造能力的重要形式。同时，也是检测学生综合能力的方式。教师要想方设法地启发、引导学生的积极思维，鼓舞学生的信心，引发学生的联想、想象和创造。
4.“综合・探索”课
在美术课堂“综合・探索”学习领域应用教学模式时，应注意以下两个方面。
第一，加强跨学科教学的研究。由于“综合・探索”学习领域强调美术各门类、美术与其他学科、美术与现实社会的联系，所以在这一学习领域的教学中，要求美术教师改变单纯美术分科教学的习惯，在设计这一领域教学方案时，应加强跨学科教学的研究，寻找美术各门类、美术与其他学科、美术与现实社会之间的联结点，设计出丰富多彩的“综合・探索”学习领域的课程。
第二，注重引导学生主动研讨和探索。由于“综合・探索”学习领域的目标强调培养学生主动探究精神，综合运用各学科的知识、技能创造性地解决问题的能力，所以“综合・探索”学习领域的教学活动，应以学生的研讨和探索为重点。教师应引导学生发现、探究美术或与美术相关的问题，引导他们围绕自己选定的课题以个人或集体的方式进行活动策划，并综合运用各学科的知识、技能，创造性地解决问题。
引导发现式教学模式是以问题解决为中心，注重学生活动，着眼于思维力和意志力培养，适用于“综合・探索”学习领域的教学模式。该模式以培养学生的探新求知、概括归纳的能力为教学目标。在这种教学模式中师生是一种协作的关系，通过学生积极主动的探索研究获得新知，使学生学会学习，积极引发学生思维活动，培养学生的探索能力。因此，教师必须熟悉学生形成概念、掌握规律等思维过程，并掌握一定的认知策略。同时，在教学过程中，无论对引导目标的有用性、趣味性、科学性还是对引导途径的艺术性，均有较高的要求。师生情感的融合程度，决定着引导过程的状态特征和结果，因此，应该建立团结、合作和民主的新型师生关系。教师对所学知识掌握的精深程度，是教师在整个教学模式运行过程中能否起主导作用的关键。这种模式运用成功的关键则在于教师恰当的引导，它的主导功能应该是启迪智慧、拓展视野和引发思路。
审美心理学也是美学与心理学之间的边缘学科。有人把审美心理学作广义的理解，使它等同于心理美学、文艺心理学等。按照这种广义的理解，审美心理学还要研究和说明人类从事各种文学艺术活动时的心理活动和特征。
阐述审美心理过程的理论观点有多种，其中有代表性的是有：
审美经验就是形相的直觉。所谓直觉是指直接的感受，不是间接的、抽象的和概念的思维。所谓形相是指审美对象在审美主体大脑中所呈现出来的形相，它既是审美对象本身的形状和现象，也要受到审美主体的性格和情趣的影响而发生变化。这个理论的代表人物是意大利美学家克罗齐以及德国心理学家闵斯特伯格和叔本华等；
审美者与审美对象之间要保持一定的心理距离才能产生美感体验。所谓心理距离是指审美者不要去注意和思考与审美对象的美学价值无关的事情，例如对象的科学性质或经济价值等，也不要抱有功利的和实用的打算，亦即把主客体之间的种种其他现实的关系，在心理上拉开距离。要防止或削弱这些方面的活动进入审美意识。这个理论是由瑞士心理学家布洛提出的；
审美的心理过程是移情或外射。在审美或欣赏时，人们把自己的主观感情转移或外射到审美对象的身上，然后再对之进行欣赏和体验。例如诗人把自己的不畏的风格和情感投射到身上，然后再讴歌的不畏严寒和美丽，这就是中国诗坛上对的“千古高风说到今”的心理机制。
当审美者把自己的情趣外射到欣赏对象又把对象的形象情趣吸收到自身时，就出现了审美中的“物我同一”的境界。此时，主客体之间的心理距离已被取消。这是个与“距离说”相反的过程。前者缩短或消除了审美关系的心理距离，或者拉开了非审美关系的心理距离。移情论的倡导者是德国美学家菲舍尔和李普斯。
审美的生理基础和过程对于审美对象的内模仿。例如审美者以自己的身体内肌肉的紧张收缩来模拟审美对象的动作或姿态——奔跑、飞翔或拔地而起。模仿常常是一种比较轻微地对局部细节的模仿，因而主要是一种象征性的模仿。此说的倡导者是德国心理学家格罗斯；
弗洛伊德认为，美感产生于的替代性满足，艺术活动是人类的升华行为。常常是被压抑在个人的无意识之中的一种本能。由于涉及个人的深层的无意识心理，因而审美者本人并不知道自己的美感与之间的关系。这点常常是引人注目和引起争论的一个原因；
荣格提出审美经验和艺术创造取决于人类的集体无意识，美感来源于艺术幻想，幻想来源于集体无意识中的神话原型和意象，来自人类心灵深处的某些陌生的东西，它们象是来自人类史前时代和原始经验，通过遗传存在于个人的无意识的最深层。当审美对象能够唤醒、触发或符合了审美主体中深藏的集体无意识的原始经验或意象时，社会即可得到强大持久的美感和美学效果。
布洛通过实验把人对颜色的审美心理特征和个性倾向分为四类：客观类。这一类型的人对颜色的审美态度是只进行客观的理智的分析和评论；生理类。这一类型的人注重颜色所引起的生理感觉，如冷、暖或轻重的感觉；联想类。这一类型的人在对颜色的审美过程中常常产生丰富的联想。例如从蓝色联想到天空或海洋；性格类。这一类型的人认为颜色像人一样是有性格的。如认为红色本身具有热情的性格。
布洛认为属于性格类的人们在对颜色的审美体验中水平最高。因为性格类的人赋予每种颜色以拟人的性格，对颜色能产生感情上的共鸣，不像客观类者只进行理智的分析；性格类者觉得颜色自身能表现性格和感情，不像生理类者只觉得颜色能引起人的感觉；性格类者对颜色的审美感受有很深的客观性，因为他们之间的具体看法常是一致的。而联想者多凭个人的主观经验而定，缺乏客观的一致性。
英国美学家迈尔斯与布洛一样通过实验把人类对音乐的审美体验也分为四个类型：即主观类(注重音乐对感觉、情绪和意志的影响)、联想类(注意音乐所引起的联想)、客观类(专用一种客观的标准来评价音乐本身的技巧)、性格类(把音乐拟人化，乐调各有各的性格和情感)。
迈尔斯与布洛一样，认为四个类型中以性格类对音乐的审美感受水平最高。还有人按照在对艺术的欣赏过程中，知觉侧重的不同，把审美心理分成感觉型、想象型和思考型三类。又按在欣赏时感情活动的不同，把审美心理分为陶醉型、共演型和旁观型3类。按照对新奇感的态度分为“保守”型和“进步”型两类。荣格把人的性格分为八个类型。他认为，审美水平较高的艺术家大多属于“内倾感觉型”或“内倾直觉型”。并且认为作家在创作过程中可以显示出他们所属的性格类型或显示出与其性格相反的类型。
心理学中对美学影响较大的学派是精神分析学派、格式塔学派、行为主义学派、信息论学派和人本主义学派，它们分别从不同的方面对审美心理学的形成和发展作出重要的贡献。
精神分析学派的贡献在于审美过程的动力方面。认为审美经验的源泉存在于无意识之中，揭示出审美心理的深层结构。弗洛伊德用艺术和神话中的生动故事来说明他的心理学理论，如恋母情结。又用这种理论去解释文学艺术中的奥秘，如莎士比亚、达·芬奇的作品和创造心理。弗洛伊德和荣格关于文学艺术方面的论述是审美心理学中最深刻的部分。
格式塔学派的贡献在于运用格式塔心理学的原理和“力”与“场”的概念去解释审美过程中的知觉活动，代表人物是阿恩海姆，其论述主要在视觉艺术中的审美方面。
行为注意学派对于审美经验的研究集中在观赏者对艺术品及其要素的喜好的实验，主要是观赏者对艺术品刺激所作出的生理性反应。艺术品的典型特征是唤起欣赏者的兴奋并出现先强后弱的变化。这种兴奋的变化就是产生愉快、兴趣和审美经验的原因和机制。
信息论心理学通过对审美知觉的研究认为，知觉者欣赏艺术品时会唤起一种期望模式，当期望得到肯定时就会产生愉快和美感。
人本主义心理学认为美感是一种高峰经验，是对自我的观照，自我不停地追求在创造中实现自己的潜能，在达到了自我实现时就会出现高峰经验和美感。
关键词：艺术学；艺术学理论；艺术学门类；艺术分类；学科建设
中图分类号：J0文献标识码：A
艺术分类是艺术学学科基础建设任务之一。艺术学学科的分类理论因其内涵的丰富性、形象化和多元交叉等特点，要实现“多层多角”的分类理想，尚需时日。2011年2月，国务院学位委员会审议批准经过调整的《学位授予和人才培养学科目录》①，艺术学由此脱离“文学”学科门类，成为“学科目录”中第13个独立的学科门类。“升门”后的艺术学，在“调整后”和“学域扩张”②的新的学术视野下，分类问题再一次成为学科亟待解决的理论问题。
一、艺术分类所面临的基本形势
在艺术范畴中，音乐、舞蹈、戏剧、杂技、绘画、建筑、雕塑等传统艺术形式已经具有了广泛的影响力，电影、电视、动漫等后起形式更是呈现出快速发展的势头。当下，艺术呈现出总体繁荣的趋势。然而，我们必须看到，各种艺术形式在追求最佳艺术效应的同时，也自觉不自觉地开始追求艺术手段的综合性和多样化。原本意义上的单个艺术形式出于特定历史时期的生存本能而发酵、膨胀和扩张，如：杂技戏剧化，器乐演奏歌舞化，声乐演唱伴舞常态化，戏曲表演话剧化，行为艺术的出现，新媒体的产生等。各艺术形式之间你中有我，我中有你，在内涵和外延等方面都已发生了不小的变化，随之产生了新一轮艺术形式的交叉与融合以及新形式的出现。艺术分类自然要直面如此多彩多姿的艺术形态。倘若照旧原封不动地以各艺术形式的名义进行分类组合，必然会遇到诸多新的问题。“升门”后的艺术学，首先需要迅速厘清文学与艺术的学术分界，更要在立足艺术现状，对既有的艺术分类做出新的判断、分析，并就此提出一种新的分类设想。
二、既有艺术分类方法分析
一般认为，在艺术学史上，首先提出依据某种原则对艺术形式进行分类的，是古希腊哲学家亚里士多德。他认为艺术是模仿，并根据模仿的媒介、对象和方式的不同，区分了绘画与音乐、悲剧与喜剧、史诗与戏剧等。我国先秦时期的《尚书・虞书・舜典》和汉代《毛诗序》中都涉及到对艺术分类的思考。20世纪以来，出现了真正具有现代形态的艺术分类学研究。
根据不同的分类原则和分类标准形成的，并在当代被广泛应用的艺术分类方法主要有以下几种：
依据艺术形象的存在方式可分为时间艺术、空间艺术和时空艺术。时间艺术如音乐、文学；空间艺术如建筑、雕塑、绘画、书法；时空艺术如戏剧、电影、电视、舞蹈。
依据艺术形象的审美方式可分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术。听觉艺术如音乐；视觉艺术如建筑、雕塑、绘画、书法；视听艺术如戏剧、电影、电视。
依据艺术的物化形式可分为动态艺术和静态艺术。动态艺术如音乐、舞蹈、戏剧、电影、电视；静态艺术如绘画、书法、雕塑、建筑、工艺美术。
依据艺术分类的美学原则可分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。实用艺术如建筑、工艺，造型艺术如绘画、雕塑，表演艺术如音乐、舞蹈，语言艺术如文学，综合艺术如戏剧、电影、电视等。
依据艺术形象的表现方式可分为表现艺术和再现艺术。表现艺术如音乐、舞蹈、抒情诗；再现艺术如绘画、雕塑、戏剧、叙事文学等。
依据艺术行为的表现方式可分为行为艺术、肢体艺术、语言艺术、表情艺术等。行为艺术是艺术家以自己的身体为媒介，通过某种行为方式展示其文化观念和美学态度的艺术；肢体艺术如舞蹈；语言艺术如文学，表情艺术如音乐、戏剧等。
从媒介的角度艺术形象可分为视象、听象、心象和视听形象。视象如绘画、雕塑等；听象如音乐；心象如文学；视听形象如戏剧、电影、电视等。
大体上看，上述分类方法中有些是按照“大艺术”的概念来分类的，譬如：“时间艺术”、“语言艺术”“心象”等类别，已把文学整体性的纳入艺术的范畴。这种大艺术观虽然从其实践的角度出发，但是作为更加精细、缜密的学科理论建设工程，不仅与“升门”后艺术学的独立学科思维相矛盾，也与早已成为独立学科的文学学科建设思想不相符。那么，如今做艺术的分类，首先，需要请文学③出局，并要对艺术中的文学元素如戏剧、电影、说唱艺术中的文学内涵做出新的恰切的阐释。再者，“听觉艺术、视觉艺术和视听艺术”之分与“视象、听象、心象和视听形象”之分显然有着异曲同工之趣，特别是在作为“心象”的文学出局后，两者已别无二致，两相存在则缺乏理论的独特性和实践意义。第三，“实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术”与“行为艺术、肢体艺术、语言、表情”的两种分类方法即使在文学出局之后也还有相类和缺乏自洽之处，也需要再斟酌。当然，既有的几种分类方法在学科建设和艺术发展过程中所做出的重要贡献是不言而喻的，这里意在立足于新的理论基点，发现和认识过往各种艺术分类方法的历史局限，从而为新的分类设想提供参考。
具体来讲，依据艺术形象的存在方式划分的时间艺术、空间艺术和时空艺术的分类方法所反映的是生活中最常见、应用最普遍的一种时空观，是基于人类生活经验的一种由三维空间和一维时间所构成并被人们所普遍感知的艺术存在方式。在特定的感知范围内，以这种时空形式解释艺术，把艺术的创作与审美过程置于一个与客观存在相一致的特定的界域来进行，不仅符合人们的生产生活习惯，也与人的认知能力相契合，是一种具有共识基础和便于应用的分类方式。然而，又不能不看到，科学体系中的时空观是多样的，是挣脱了人的日常生活经验和感知局限的对宇宙天体及其客观存在的创造性发现。譬如：以霍金为代表的现代物理学是用十一维空间来解释宇宙的。高维空间不会因为它不被人类所感觉而不复存在，就如我们人类听不到超声波、看不到红外线的客观存在。现代科学认为，宇宙的许多自然之谜如黑洞、超自然力、意志力、时空通道等，以更多空间的理论才有可能存在和解释。看一看时间的“穿越”理论，空间的一维、二维、三维……十一维……二十六维、N维等理论，就不能不说采用时间和空间的概念为艺术分类或多或少地显得有些奢侈和粗疏。时空概念更多的应用于超越生活经验的天文物理科学，也适用于几乎所有客观事物，并且是多义的、相对的，其内涵远远大于人类的艺术生活。现代艺术正以开放的姿态在作品中表现科学的、更加多样的时空观。一句话，时空概念不是艺术所独有的，这样的艺术分类不易真正触及艺术的特殊本质。
依据艺术形象的审美方式将艺术分为听觉艺术、视觉艺术和视听艺术的分类方法，与上述的时空分类方法似乎有相应之处――听觉艺术对应时间艺术，视觉艺术对应空间艺术，视听艺术对应时空艺术。所不同的是，以人的视听功能作为艺术分类的依据，能够从人的感官感受出发，体现了人类感知外部世界的基本路径和人性特点。尤其是关于“视觉艺术”的理论和实践，已使绘画、书法、建筑、雕塑等依赖视觉而呈现的艺术形式有了坚实的理论支撑，进而在“读图时代”获得了时代认证和现代意义。与之相比，“听觉艺术”显得有些寂寥，其同类较少，并且，作为听觉艺术主体的音乐艺术只能依赖“音乐的耳朵”来感受，又大大减弱了它的接受群体及其影响力。作为分类结构中的一支，听觉艺术的提法虽然明白无误，但是结构性的支撑力还显得薄弱。对于“视听艺术”的框定似乎也有些笼统和松散，致使戏剧、电影、电视等所谓视听艺术形式无需借助其理论，甚至完全抛开视听艺术这个称谓而竟自发展。这不禁使人产生疑问：这种分类方法是否更偏爱视觉艺术？
依据艺术的物化形式将艺术分为动态艺术和静态艺术已然显得过于粗疏，因为世间万物无外乎动与静两种运动形式，并且，物质的动态和静态存在方式均具有相对性，这一分类方法对于认识各种艺术形式的艺术特性到底能有多大帮助？
依据艺术分类的美学原则将艺术分为实用艺术、造型艺术、表演艺术、语言艺术和综合艺术。在去掉“语言艺术”之后，还应该看到，其中“实用艺术”与其他艺术种类的关系是一个历史的、动态的关系。实用艺术确实有着十分广泛的实践意义和重要的历史价值。一般认为，在人类发展史上，最古老的原始艺术都曾是实用艺术。随着技术的发展和社会的进步，人类越来越追求实用物品的审美性质，致使一部分实用物品最终发展成为纯艺术品。这一变化过程还将继续。再者，从理论上讲，能与实用艺术并列和相对应的，也许只能是非实用艺术或纯艺术，而不是其细类。
表演艺术与综合艺术其实也是有交叉的，尽管类似的分类方法在王朝闻主编的《美学概论》等一大批原理性著述中均可找到，即使在作为经典释义的工具书《辞海》（1980版）中，也在“艺术”一词的释义中作了类似的表达：“艺术”是“通过塑造形象具体地反映社会生活、表现作者思想感情的一种社会意识形态。……由于表现的手段和方式不同，艺术通常分为：表演艺术（音乐、舞蹈）、造型艺术（绘画、雕塑）、语言艺术（文学）和综合艺术（戏剧、电影）。”不难看出这也是一种大艺术观。问题还在于，被作为一种综合艺术形式的戏剧，又何尝不是一种表演艺术？但是，无论如何本文仍认为，这是几种分类方法中的一种最为贴近艺术特性的分类方法。
依据艺术形象的表现方式将艺术分为表现艺术和再现艺术的分类方法也是值得慎思的。艺术源于生活高于生活。与其说该方法所列举的表现艺术如音乐、舞蹈、建筑、书法，再现艺术如绘画、雕塑、戏剧、电影，不如说以上每一种艺术形式无不渗透着表现与再现的艺术手法。任何对生活的模仿和再现都反映着艺术家的审美理想和美学判断。尽管歌剧中含有主要用于叙事的宣叙调和主要用于抒情的咏叹调，舞蹈中有抒情性舞蹈和叙事性舞蹈，绘画有写实和写意、抽象与具象，但是，在操作层面上特别是在综合艺术形式里，表现艺术与再现艺术在同一形式乃至同一作品中的截然分离几乎是不存在的，每每使人难于分辨。表现与再现不过是艺术家艺术审美经验的主观倚重或曰同一形式的不同侧重而已。表现与再现作为一种艺术思维方式是有其特殊意义的，而将其运用于艺术分类则往往使各艺术形式和作品难分难解，以致不能真正实现其分类意义。
依据艺术行为的表现方式将艺术分为行为艺术、肢体艺术、语言、表情等的分类方法同样需要首先除去“语言”类。同时，其中的“行为艺术”与“肢体艺术”二者也存在矛盾，因为所有行为艺术都是通过肢体来完成的，有些肢体艺术本身就是典型的行为艺术。
尽管行为艺术不断地僭越艺术学学科规诫并获得新发展，但是它仍然“能够被匡正为艺术史和艺术批评对象”，被认为是传统架上艺术形式（绘画、雕塑）的观念化移置或拓扩，尤其是抽象表现主义之“行为绘画”（ActionPainting）和“无形式艺术”（Artinformal）的延伸和变异。④由此，行为艺术被作为艺术分类中的一个大的类别会引起质疑。本文认为，它起码不适于位居艺术类别的第一层级。
该分类方法将行为艺术、肢体艺术之外的其他艺术形式均以“表情”来概括，其做法也同样值得商榷。一般认为，表达情感是艺术的基本特征，一切艺术形式都是表情的，都是创造出来的表现人类情感的知觉形式。行为艺术、肢体艺术又何尝不是如此？也有将表演艺术统称为表情艺术或单纯的将音乐和舞蹈称之为表情艺术，那么，这些基本特征也一定能够从行为艺术和肢体艺术中寻找到。可以说，这种分类方法没能在同一层面上进行。
三、新的分类设想、分类原则及其基本形态
受既有艺术分类研究成果的启迪，本文所要提出的新的分类设想立足当下，是从实践的、经验的、具体的事物出发，并力求对艺术学学科门类进行整体性思考，来寻找和思考各艺术形式间的同一性、关联性和方向性。新的分类设想遵循如下原则：
1.只适于艺术学特性，反映学科内在联系原则；2.顺应与其他学科的外部关系原则；3.从艺术形式的主体出发，去表象化、综合化，力推原型、元素和基本特征原则；4.力求穷尽类项，规避将不易归类的或具有综合性质的现象归入“综合”类、“假设”类、“其他”类等把问题堆积一隅原则；5.兼顾新形式的归属和未来发展原则。
本文认为，在艺术学范畴里，在艺术学与音乐、舞蹈、美术、戏剧、电影、电视等具体学科之间，还实际存在着一个中间层级――它集中了某些艺术形式的共通特性，并使各艺术形式相互联系与区别。为此，本文提出一种新的分类设想，即依据艺术呈现方式的介质不同分类，将艺术划分为动作艺术、声音语言艺术⑤、材料艺术、操作艺术、音像制作艺术。
第一，动作艺术。动作艺术是以人体动作为主要表现手段的艺术形式。包括舞蹈（含戏曲舞蹈）、杂技人体技巧、哑剧等。其主要特征是：1.人的表演的本真性；2.人体技巧的真功夫；3.动作语言体系的特殊性和包容性；4.动作语言的民族性、地域性、传统性、时代性及个体差异。
值得一提的是，当前一些重要艺术活动中，包括国家艺术学社科基金项目的评审工作，杂技是被放在戏剧类中进行评审的。这从一个角度充分肯定了杂技与戏剧都是以人的自然身体为媒介的基于身体表现的艺术，以及身体技能对于二者的重要性，也肯定了当代杂技与戏剧在戏剧性、情节化方面的相关性。但是本文认为，这种做法模糊了杂技与戏剧在主体方面的重要区别――杂技是一种以人体技巧作为主要表现手段的艺术，戏剧则是以声音语言为主、以对话或以歌舞演故事的艺术。从基本属性来看，杂技与舞蹈更为贴近，二者同为动作艺术。
第二，声音语言艺术。声音语言艺术是以人的声音和语言为主要表现手段的艺术形式。包括话剧、戏曲、曲艺、声乐等。其主要特征是：1.由人的声音创造出的语言和音乐艺术形式；2.多以艺术中的文学元素作为创作的基础。正如曲艺形式被直呼为“说唱”艺术。话剧突出一个语言功能。尽管戏曲以唱、念、做、打著称，但是一般的剧目还是以“戏”甚至以唱念为主。即使是以武生、武净、武丑、武旦、刀马旦唱头牌的戏曲武戏，也还是以戏为主，以武为辅，如：《挑滑车》《伐子都》《长坂坡》等。为此，还出现了专供欣赏武功表演的折子戏，如：《三岔口》《挡马》《杀四门》等。
这里之所以把声乐与器乐分离开，是更加看重声乐和器乐的相对独立性。声乐是由人的发声器官――声带产生振动所产生的音乐效果，而器乐则是由人操作物，使物体发出音响、音律、音频等的音乐效果。二者的发声材料和发声原理明显不同。在艺术实践中，声乐与器乐也常常被分开来应用，凡单纯的人体人声艺术都是声乐的近亲或本是它的归属。例如：声乐训练被作为戏剧学院学生的必修课；民间常见的艺术表现形式为载歌载舞。器乐学习和训练是另一套功夫，它是人与自身之外的其他器物共为介质的音乐艺术，当属于操作艺术。
第三，操作艺术。操作艺术是指由人操作物、人与物共同完成，乃至以物的某种性能作为主要审美对象的艺术形式。即：通过人的技能所产生的物理的艺术呈现。它包括器乐、木偶、皮影、魔术、驯兽等。其基本特征：1.人与物一同进入创作的共时性；2.始终在人的操控之中，使物的某种性能成为审美对象，“驭物为灵”；3.以人的艺术技能为主导，并由此决定艺术品水平的高下；4.离开人的操作其艺术效果便不复存在。操作方式一般有演奏（吹、拉、弹、打），耍弄（耍皮影、耍木偶、耍杂技道具），魔变（变魔术），驯化（马戏、驯兽）等。吹、拉、弹、打基本包容了乐器演奏中的所有管乐、弦乐、打击乐器；耍皮影、耍木偶、耍杂技、变魔术、马戏、驯兽……等，更是呈现出了人操作物的千姿百态和无限可能。
动作艺术中包含了杂技人体技巧。这里的杂技道具节目（如：手技、蹬技、顶技、走钢丝、抖空竹、舞流星等）和魔术、驯兽被作为操作艺术形式，在于着意强调人与物（动物、实物）在艺术呈现过程中的相互依赖关系，如实反映杂技艺术⑥所含纳的“杂”之属性和技术特点。
第四，材料艺术。材料艺术是物化了的艺术形式。包括绘画、雕塑、摄影、书法、建筑等。材料艺术是艺术家审美创造的一种可见形式，是艺术家将自己的艺术才华完全依托于物、显现于物的艺术。其基本特征：1.依材质、材料性能、形态等特性在材料上形成；2.艺术品是为审美对象，艺术家与艺术品分离。例如：绘画由水墨、水粉、水彩、油彩和宣纸、绢、画布、画笔等材料实现画家的创作。艺术家的审美创造一经凝聚于物，便就此形成一个艺术品实体而凝固不变。因此，从某种意义上讲，材料艺术也是一种遗憾的艺术。
第五，音像制作艺术。音像制作艺术是指录音录像艺术形式。即：以镜头形式、录音效果等录制技术呈现的，对社会现象和自然现象的各种活动影像、声音效果的摄录、创制及放映与传播的艺术形式。包括电影、电视、广播艺术等。其基本特征：1.跨介质⑦；2.技术的作用显著；3.艺术家的现场参与与艺术成品相分离，即“缺席的在场”；⑧4.具有音像记录、合成双重属性；5.专业化、规模化、产业化的制作；6.机构、团队形式的集体劳动。
音像制作艺术的跨介质性质不同于以往的综合艺术。它不仅是戏剧、音乐、舞蹈、美术等艺术形式的集合体，它还汇集了人、物、特定材料和技术设备等共同作用共同参与的艺术创作，突出了技术的特点。它是一种异质性综合媒介系统。
音像制作艺术与物化了的材料艺术的主要区别在于，它是先进技术引导下的成像方式和录音、传输方式，其物质介质本身均具有科技含量。譬如：当前影视技术已经出现了光-电子-数字成像方式，并有最终替代传统的光-化学成像方式和光-电子-模拟成像方式的趋势。由于人的审美需要，音像制作艺术还将继续积极引入高技术手段为之所用。
四、新的分类设想的实践意义
1.自始以来，宏观艺术学与各艺术门类之间缺乏理论打通与拓展，即缺乏对艺术总体的分解、分析，对艺术个体的归纳、综合。构建艺术总体与艺术个体之间的中间层级是艺术学理论建设的根本任务。这为新的分类设想提出了学理性、实践性要求。
2.“要不要打破艺术门类之间的壁垒、要不要研究不同艺术门类之间的关联性问题、要不要寻找不同艺术门类之间的共通规律、要不要从宏观上来认识艺术现象”⑨等问题是当下艺术学的重要理论关切。新的分类设想具有建设性、创新性意义。
随着国家对理工科艺术教育的逐步重视，以及行业对于复合型人才需求的急剧提升，理工科艺术设计类课程也越来越多地被开设出来。这些课程的开设，对提高理工科学生的艺术鉴赏能力和创造性思维能力、设计能力等方面起着非常重要的作用。但据笔者多年来的教学实践发现，传统模式下的理工科艺术设计类课程存在着很多的问题，理工科艺术设计类课程正急需改革，制定一套更加适合理工科学生的课程教学体系迫在眉睫。笔者通过理工科艺术设计类课程多年的教学实践，积累了大量经验，现从教学思路、教学内容和教学方法等方面提出自己的一些改革思路和方案。
理工科艺术设计类课程教学现状分析
1.学生学习兴趣不高
有关方面通过问卷调查发现，很大一部分理工科学生对于艺术设计类课程提不起学习兴趣，出现这样的情况笔者归纳了以下几种原因：（1）、一部分理工科学生认为艺术设计类课程对自己的专业和现实生活的帮助不大，无法提起他们学习的兴趣，他们更愿意把精力投入到对专业和现实生活有帮助的课程上；（2）、对于综合类大学，理工科艺术设计类课程往往是由艺术学院的专业教师任教，而艺术学院的教师往往习惯于将对待自己学院学生的要求带到理工科学生的课堂上，这对于几乎没有过艺术训练的理工科学生来说自然会觉得很难，从而使他们更加提不起学习兴趣。
2.学生学习自信心不足
对于一个学生来说，自信心是学习的动力，没有了动力，学习将无法进行。理工科学生的学习强项自然是理工科类课程，而对于艺术设计类课程，绝大多数理工科学生都没有经过系统的学习，自然这方面的基础较差，从而他们对学好这门课程缺乏足够的自信心，总是怕学的不好被人嘲笑，不敢放开手脚去学。
3.教师抱怨学生难以教会，学生抱怨授课难度太高
据本人近几年对理工科艺术设计类课程的教学和几位同行教师的反映，理工科学生在上完艺术设计类课程后反映教师的授课难度太高，他们难以掌握；而教师也反映学生艺术基础太差，很难教会。我们来仔细分析这个问题，艺术类学生往往从中小学开始就是班里的美术尖子生，高考前又在美术高考培训班接受过几个月甚至一年时间的专业训练，再经过高考美术专业考试，层层选拔才考进大学的，自然在进入大学时就已经具备相当水平的专业技能；而绝大部分理工科学生在中小学时候不是班里的美术尖子生，更没有在高考前参加过美术专业培训，所以他们的美术基础知识、绘画功底、设计能力几乎是零。理工科艺术设计类课程的教师往往来自于艺术学院的专业教师，他们习惯了教授自己学院具备一定美术基础的学生，自然会觉得理工科学生美术基础太差，很难教会了。
4.理工科学生与艺术类学生教学方法无区别
理工科学生与艺术类学生，同样都上艺术设计类课程，但他们之间的需求是有差别的，艺术类学生除了学会设计，还要学会将设计很好的表达出来，而理工科学生原本就几乎没有美术基础，要让他们在这么短的课时内既要学会设计，又要学会如何很好的制作表达设计，这几乎是不太可能的。再者理工科学生不是专业学艺术设计的，不需要学得这么专业，只要学会设计，学会鉴赏艺术设计作品，提高艺术修养，了解制作表达方法，或简单学习制作表达方法就可以了。理工科学生与艺术类学生由于需求的差异，应该对他们采取不同的教学方法，而以往对于这两类学生的教学方法并没有太大区别，来自于艺术学院的任课教师往往习惯性的把对待艺术类学生的教学方法带到理工科学生的课堂上，这些教学方法并不适合理工科学生，从而导致教学效果不佳。
5.课程课时太少
对于理工科学生来说，艺术设计类课程不是他们的专业课，所以学校往往安排较少的课时给艺术设计类课程，一般是一个课程32课时居多。这对于任课教师来说似乎有点难办了，本来理工科学生就几乎没有美术基础，还要安排这么少的课时来学习这门课程，所以难以满足课程教学的需求，很难达到教师所期望的教学效果。
理工科艺术设计类课程教学改革思路与方案
1.培养学生学习兴趣
爱因斯坦说过“兴趣是最好的老师。”这句话简明扼要的道出了培养兴趣对于学习来说是多么的重要，带着兴趣的学习才能最大限度的调动学生的积极性和主观能动性。理工科学生原本就不像艺术类学生对艺术那么有热情，那么投入，所以对他们来说培养兴趣对于学好艺术设计类课程是多么的重要。笔者根据理工科学生的特点总结出了一些提高学习艺术设计类课程兴趣的方法：（1）、艺术设计类课程由于不是理工科学生的专业课，以至于部分理工科学生不重视这门课程，觉得这门课程对他们的专业和现实生活帮助不大，从而对这么课程的学习提不起兴趣。由此任课教师在这门课程的教学内容上要尽量安排与他们专业相关的内容，对他们现实生活有帮助的内容，比较有趣好玩的内容，让他们感觉到原来这门课程学习的内容与他们的专业和现实生活息息相关，能给专业和现实生活提供这么大的帮助，使他们提高学习兴趣，从而改善教学效果。（2）、艺术学院的教师往往习惯性的把针对艺术类学生的教学方法和要求带到理工科学生的课堂上，导致理工科学生觉得老师的授课内容太难，他们难以掌握，所以部分学生就表现出气馁的情绪，逐渐对这门课程失去信心，失去学习的动力和兴趣。针对这个问题，艺术学院的教师，要调整教学目标，调整授课难度，对理工科学生学习艺术设计类课程，不需要有艺术类学生那么高的要求，理工科学生要重点培养艺术鉴赏能力和创造性思维能力、设计能力等，而表达设计的能力不需要做过高的要求，让理工科学生感觉到艺术设计类课程没有那么难学，是他们能够学得很好的课程，从而提高学习兴趣。
2.培养学生自信心
部分理工科学生由于中小学的时候很少甚至几乎没有学习过美术课程，对于自己的美术基础没有足够的自信心，所以惧怕这门课程，怕学不好，怕设计制作的作品被老师批评或被同学嘲笑。针对这种情况，老师要调整教学方法，对学生多加鼓励和赞扬。德国教育家第斯多惠说过：“教学的艺术不在于传授本领，而在于激励、唤醒和鼓舞。”学生们都渴望被赏识，当获得老师的肯定和赏识的时候，内心就能充满自信心，感觉自己是老师心目中的优秀学生，从而增强学习的积极性和主动性。因此在教学过程中合理运用激励手段，可以增强学生的自信心，激发学习兴趣，提高教学效果。当学生学的不好的时候要特别注意不要伤害到学生的自信心，不要任意批评，要多加鼓励；学生表现出一点成绩的时候要多加赞扬、肯定，让学生有足够的自信心去学习这门课程。
3.培养艺术鉴赏能力和设计能力
理工科学生美术基础远不如艺术类学生，艺术设计类课程的课时也非常少，在这样的情况下，需要调整课程教学重点，重点培养学生的艺术鉴赏能力和创意思维、设计能力。课时这么少，而且学生学习的积极性又不高，就不能在课堂上过多的讲授学生觉得枯燥乏味的理论知识，而应当多给学生欣赏讲解案例作品，将理论知识融入案例中去，通过多欣赏案例提高学生的艺术鉴赏能力，调动学生的学习积极性。在课堂上多讲授案例赏析，激发学生的创作欲望，然后教师提出设计命题，发挥学生的主观能动性，让学生自主设计实践，大胆尝试各种设计手法，培养学生的创意思维、设计能力。理工科学生美术功底不如艺术类学生，但这不代表理工科学生设计的作品就一定比艺术类学生差，没有学习过美术基础知识，有的时候反而没有束缚，更能放开手脚去设计，反而有可能创作出艺术类学生意想不到的作品。
4.培养学生自学能力
理工科艺术设计类课程往往安排的课时都比较少，一般是32课时居多，对于几乎没有美术基础的学生，用这么少的课时学习一门课程，不能按艺术类常规的教学方法来上课，必须要调整教学思路，教学方法，不然根本无法完成教学任务，达到教学目标。除了在课堂上调整教学内容，侧重于提高学生的艺术鉴赏能力，设计能力之外，就是需要培养学生的自学能力，引导学生利用课外时间多加学习。
5.利用现代科技手段弥补动手能力不足
当今的时代是一个科技的时代，数码电子产品更新换代速度非常快。理工科学生美术基础差、动手能力不足的缺点在一定程度上可以通过利用现代科技手段来弥补。电脑的运行速度提高的非常快，Photoshop、Flash等平面图形与动画制作软件升级也非常的快，功能越来越强大，操作技术越来越简单。理工科学生通过这些设计软件的学习，熟练掌握使用方法，从而弥补动手能力的不足。而这部分设计软件的教学完全可以在老师的指导下，重点通过学生自学的途径来完成。理工科学生美术基础、动手能力不如艺术类学生，但理工科学生理性思维能力、逻辑思维能力强，遇到问题爱专研，这些优点在学习软件技术方面得以体现，他们更容易学好软件技术，利用好这个现代科技手段来弥补动手能力不足的缺点。
6.利用新媒体手段促进课外交流学习
当今也是个新媒体的时代，QQ、微博、微信，让我们的交流方式和途径变的异常丰富。理工科艺术设计类课程课时少，可以开通班级QQ群、微博和微信，让学生添加关注，在网上引导学生互相讨论，交流学习经验和体会，分享各自找到的学习资料。老师也可以通过网络倾听学生的声音，了解学生的感想。老师将每个学生在网络上的交流情况评一个分，交流多的，贡献大的给的分多，反之则分少，从而促进学生课外积极交流学习。
7.引导学生参与校园文化艺术活动
如今各个高校都有各种各样的社团和文化艺术活动，如动漫协会、戏剧社、书画比赛、海报设计大赛等等。教师要引导学生充分利用业余时间，积极参与校园文化艺术活动和各类比赛，使艺术设计类课程所学的内容有用武之地，从而激发学生学习艺术设计类课程的兴趣，提高学习的主动性与积极性。丰富多彩的各类校园文化艺术活动，在丰富大学生课余文化生活的同时，也提高了学生的艺术修养，激发了学生的艺术潜能，丰富了艺术知识。
结语
教学的改革是需要教师们在教学过程中不断的总结经验，不断地探索，努力创新才能实现的。理工科艺术设计类课程的教学改革是要改掉不适合理工科学生的教学思路、教学内容和教学方法，制定一套更加适合理工科学生的课程教学体系，我们应该继续深入课程教学改革，使理工科艺术设计类课程教学效果往更好的方向发展。
（作者单位：浙江理工大学艺术与设计学院）
人文性与综合性是“新课程改革”所有关键词中最有代表性的词汇和理念，也是当代世界教育的主导思想或潮流。培养对人类知识文明的审美态度就是最高度、最生动的人文教育。“新课程改革”各学科的人文性，在有意无意之间已经充分体现为对每门学科的审美引导，而且是涉及知识性、方法性、价值观等多方面内容的综合性的审美引导。其实，这也是长期以来学校教育中审美教育最常用的形式，只是到今天才得到如此广泛的运用。在新课程18门学科的各种版本的教材中，充满了对学科知识、学习兴趣、思考方法、学习观念等进行审美引导、审美陈述、审美读解的语言。例如语文教材中的“你们会在阅读中欣赏大自然的美景，分享同伴的快乐，学习做聪明的孩子”，“还要用学到的词语写自己想写的话”;品德与生活教材里的“有你的希望、你的进步、你多彩的生活———学习、游戏、交友……有你喜爱的图片、卡通画、童谣、故事和游戏。让我们和这本书一起，营造你健康安全的生活、愉快积极的生活、负责任有爱心的生活、动脑筋有创意的生活”;数学教材里的“乘上数学旅途的列车”，“来到了数学王国更加神奇和迷人的一个风景点。不是吗?表内乘法、表内除法使繁琐的计算变得如此简便;东西南北等位置方向会使我们明确旅途的位置和前进的方向;统计、测量会让我们了解数学天地的宽广……一系列新知识将增加我们对这趟数学旅途的丰富而生动的感受”，等等。“美”无处不在，因此她是普遍的，她具有广泛的渗透性与综合性的品质;同时人的天性又是追求美，在有意无意间，人的行为都会以“审美”为快乐、为动力。新课程的理念尤其是人文性等理念，在落实到具体学科的教材与教学中时，都自觉或不自觉地强化了审美因素，强化了美与各学科之间自然而生动的联系，因此也更显出知识与学习本身所具有的魅力与感召力。
二、综合性课程为审美创造提供了广阔空间
美，是一个具有高度综合性的概念，同时也是一个高度包容自由性和个性的概念。因此综合性及自由创造性也成为审美活动与审美教育的重要特征。本次基础教育改革，强调综合课程的设置与综合教学，注重在学科的交叉联系之中发展学生的综合创造性，这同时也为教师与学生的审美创造能力的发展，提供了广阔的空间。多学科交叉大大提高了知识创新的速度和密度，也成为当代科技发展的主导潮流。特别是20世纪60至70年代以来，计算机及现代信息处理技术的飞速发展，为各门学科的交叉综合、高速创新提供了精良工具，使这一主导潮流势头更加强大。而且在这样的潮流中，自然科学与社会科学的交叉、与艺术与审美这些久被认为遥不可及的学科的交叉，如一道道灿烂的霞光，使科学的发展更显绚丽壮观，更富有非凡的创新性。跨学科的综合性创新人才的培养，现已成为世界各国教育关注的重点、热点、焦点、难点。正是在此背景下，“新课程改革”对学生的综合创造性发展给予了前所未有的重视，综合课程设置和综合性教学成为培养创造性的一项重要举措。要改变“过于强调学科本位、门类过多和缺乏整合的现状，整体设计九年一贯的课程门类和课时比例，并设置综合课程，以适应不同地区和学生发展的需要，体现课程结构的均衡性、综合性和选择性”［1］，从而促进学生的整体和谐发展。为达到这样的综合性改革与发展目标，小学和初别增设了理科综合课程“科学”和文科综合课程“历史与社会”;在整个义务教育阶段增设了“综合实践活动课”和综合“艺术课”;几乎所有门类的课程设计，都强调了跨学科联系的建立。但是，综合性课程的根本问题，即多学科知识内容和思维方式如何有机结合，至今仍是一道难题。为解决这样的难题，国家设立了全国教育科学“十五”规划项目“文理艺交叉综合美育课程创设及审美化教学操作研究”，由多个学科的学者、博士生，以及若干实验学校的骨干教师合作，攻克种种难关，研制出版了由“课程与教学设计”与“实验教材”两个系列构成的《文理艺大综合———科学、审美、实践书系》。②该书系以“新课程改革”所涉及的十多门中小学学科的若干基本知识点为起始“视点”;以这些视点联系文科、理科、艺术等多学科相关知识，形成清晰生动的科学性和人文性结合、知识性与实践性结合、基础性和创新性结合的大综合知识网络“结构”;以对视点和结构的审美为逻辑动力，充分强调科学逻辑、审美动力和实践活动的有机结合，是一个对学生进行综合思维和综合素质训练的大跨度综合教育体系。在这样的多学科综合平台上，审美创造活动的开展空间更大了，对于促进学生的综合性、个性、创造性的发展有着重要的理论与实践价值。此外，四川省成都市设立了“十五”教育规划重点研究项目“整合美育资源，促进和谐发展”，其成果是2005年出版的《中小学整合式美育》一书。③该书特别强调了美育在学校各学科中的知识整合功能和全面综合的育人功能。这也是基础教育中以美育实现学科综合教育，推进学生审美能力发展与综合创造性发展的又一重要实践性成果。
三、艺术类课程的综合性与综合艺术审美教育
在体现“新课程改革”的综合性特点这一点上，艺术类课程改革的作用显得尤为突出。尽管这部分课程依然被称为“艺术类课程”而不是“美育类课程”，但在课程设计思想上已经明确，设立该类课程是为了促进学生艺术素质和审美素质的发展，同时促进学生多方面素质的和谐发展。这实际上就是要体现艺术类课程的学科综合特点，发挥艺术类课程的全面综合的育人功能。“综合是艺术课程的核心思想，既体现当前世界艺术教育改革的趋势，也为实现艺术课程的目标并且贯彻其基本理念提供了保障。”［2］81这比以前的艺术课程观念已经有了相当明显的进步。但是，关于艺术类课程怎样设计及其综合性特色怎样体现，专家们却存在两大不同意见。在国家教育部有关部门支持下，专家组分别拟定了综合“艺术”课程和分科“美术”、“音乐”课程两套方案，这两套艺术课程合称为“新艺术课程”，它们都从不同角度体现了艺术审美教育的综合性。
其一，是由国家教育部体育卫生与艺术教育司组织，滕守尧先生领衔主持的综合性“艺术”课程。基于“20世纪60年代以后，一种综合性艺术教育思潮得到逐渐发展和壮大，至90年代，已经成为世界艺术教育的主流”，“艺术教育逐渐发展成为一种综合式艺术教育或多学科为基础的艺术教育”，“成为一种多元交叉学科”，同时“艺术精神……向其他学科的渗透，它标志着，世界艺术教育从此走进一个全新的时代”［2］6－7这样的思想和发展潮流，综合“艺术”课程最显著的特点是:完全打破传统学校“音乐”和“美术”两学科分科教学的局面，由两大系列的多学科构成课程内容，一是音乐、美术、舞蹈、戏剧等艺术实践学科，二是美学、艺术批评、艺术史、艺术创作等理论学科，同时还“适度地融合”其他如哲学、人类学、考古学、心理学、社会学等不同学科的知识;在教学方法上，从“艺术”这样一个综合学科概念的平台上切入或收口。配合综合“艺术”课程研究、设计、开发、教学、实验等，滕守尧先生于2004年编辑了《中国艺术教育》，并陈述了他的基本思想:传统艺术教育面对的是艺术整体的一个零件，零件教学所培养出来的人必然是零件式的。在这种教学中，学生也许把某一种艺术的各种技法都学了，却无法连成整体，无整体就无灵魂，更谈不上直觉、想象、智慧和个性。综合艺术教育恰恰相反，它所面对的，永远是艺术之整体，整体不是部分相加之和，不是一加一等于二，而是一加一大于二。从艺术门类的角度讲，它是美术、音乐、戏剧、舞蹈、影视等艺术的综合体。从创作、欣赏与表现的角度讲，它是感知与体验、创造与表现、反思与评价等不同欣赏和创作阶段的综合体。从艺术生成环境的角度讲，它是生活、情感、文化、科学的综合体。更重要的是，这四个方面的内容不是割裂的，它们之间存在着密切的联系，具有融合性。“艺术与生活”强调观察与感知，但任何感知和观察都离不开情感、文化素养和科学方面的知识;“艺术与情感”强调艺术创造和艺术欣赏的情感体验基础，但情感体验又不能脱离生活和文化;“艺术与文化”强调对艺术品含义的把握，但这种把握又离不开情感与生活体验;“艺术与科学”强调对媒介各种性能的认识，强调艺术与科学之间的区别和联系，但这些认识和联系又离不开对生活的观察和感知，离不开文化和价值的选择。2004年6月19日至6月20日，在北京召开了“全国第一届综合艺术教育高级研讨会”，来自全国多个省市的相关专家、学者、艺术教研员、一线教师，以及北方妇女儿童出版社的有关领导参加了该会议。与会者通过讨论充分认识到:这样的综合“艺术课程与以往的分科艺术类课程相比，最大的变化就是艺术信息的大大增加，是艺术表现手段的丰富自由，是艺术力量的集中体现，是艺术视野大幅度的拓宽”，而且反映了事物构成的内在规律。
关键词：民间美术；年画；美术形式要素
一、绪论
1.民间美术的产生及发展在人类有生产生活需要的同时，就有民间美术产生的端倪。它是与人类衣食住行米密切相关的质朴艺术，是人民群众在生活之余的精神享受。它作为一种文化载体，历史文化根源上溯到原始美术，与社会科学发展同步，与历史上的哲学、美学、心理等因素都有直接或间接的联系。在一个稳固的社会结构和文化结构中，调节着人们的心理情感和社会尺度，是民众生活方式和文化方式的活态体现[1]。正是因为它的复杂性和紧密性，形成了它与其他种类不同的鲜明特点。
2.传统民间美术的定义民间美术是多维度、跨学科的文化。它与原始美术、传统民俗活动、工艺技艺等都有密切的联系，不能像研究单纯美术理论一样割裂地看待。民间美术的创作动机有很大一部分来自民俗活动的现实需要。民俗活动反过来也会影响民间美术的创作。视觉体验是文化传播的主要方式。民间艺术的创作主体是生产劳动者。他们的创作材料是生活常用的材料或是边角料。所以材料在这里只是个媒介，不能通过材料媒介来辨别它到底属不属于美术范畴。对于民间美术的界定，不应该停留在结果表象来界定。我们要跨越时空界限，去寻找民间美术的趋同性。本文将民间艺术中涉及美术作品、美术视觉、美术造型元素、视觉呈现等形式都囊括在民间美术范围内。
3.研究方法由于民间美术的产生、特征、发展、延续是在特定的历史环境中产生，由于它的创作逻辑的是正向的，所以不能单纯用西方视觉形式分析的方法从结果—条件推演，我会加入一些历史文化的补充因素。民间美术的传承是民间文化的考证途经。民间美术的传承方式有二大类——口传思维和视觉图形叙事[2]。年画富有民间乡土气息和年节民俗的喜庆色彩和独特面貌，且最为典型。剪纸是一切民间视觉形式的底样。运用剪纸作为论据会更好地去揭示民间美术的形式本质。因此，本文从民间美术的视觉角度来出发，主要选取最基本的民族视觉底样——以年画为主剪纸为副作为论据，运用中国传统哲学思维来阐释观点。
二、民间美术的基本概念
1.创作主体与材料基层劳动者是民间美术的创作群体。造物理念是“就地取材”“因地制宜”“物化创造”[3]。这与上层阶级使用的珍贵稀缺材料、贵族艺术形象明显不同。作品价值不在于材料的贵重和制作复杂，而在于表现群体的独特的造物本色。他们的作品与性格相同，大多具备质朴率真的特点。劳动者在生产劳动之余，使用生活用的剪刀、缝补衣服用的针线、生产用的木板雕版印刷等工具，在有限的环境中和表现能力的允许下，制作理想化的艺术形象，表达劳动者的集体希冀。通过耳熟能详的艺决，在民间大量复制、择优传承。
2.创作动机劳动人民在生产生活中首先产生制造工具的实用需要，这与生命生存的自然要求有着直接关系。通过不断升级物质材料、工艺条件、使用场合等因素，民间美术广泛运用于工具使用、家居装饰、民俗活动等日常器物中。在满足实用需要的前提下，追求实用与审美的统一。民间美术是在中国特有的社会文化下创生的，它的创作动机不是从西方美术体系本体论角度出发的，而是从传统信仰、古代哲学体系角度考虑的。无论是剪纸、年画、玩具、皮影、印花等都是创作者体验生活的真切感受，通过塑造理想化的视觉形象将“真感受”转化为艺术的“美呈现”。将劳动人民集体的审美想象寓于其中，表达人民的集体功利愿望，消除心理的忌惮和焦虑，起到道德教化和启蒙教育的作用。在满足物质功利需要和精神功利需要的基础上，一定程度上追求视觉愉悦感。
3.创作主题主题整体是偏向吉利、喜庆的。内容上贴近日常生产生活，有很强的象征意味。首先，第一大类就是民俗类。民间美术参与到民俗活动的各部，对于实际活动有美术方面的补充。第二大类，生命类。家庭繁衍、延年益寿、爱情婚姻等都属于民间群体的生命理想。例如，天津杨柳青年画《富贵寿考》。第三类，宇宙、传说、小说戏曲类。第四类，社会类。关于社会生产、城市景观、市民生活等。第五类，道德、教化类。
三、民间美术形式元素
1.造型逻辑民间美术是农业生产者对日常生活的真切感知和长期生产实践经验的艺术反映。它也与文人士大夫的言志寄情的个人感情抒发不尽相同，民间美术以阴阳相合的本原哲学和天人合一的本原哲学为精神内涵。思想来源是与特定历史阶段的民族群体意识、感性气质和心理素质相符的视觉呈现。造型逻辑不是从形式本体因素出发，而是从托物言志的民间表达出发的。采用中国哲学“观象悟道”的思维和民族观念，重视经验的积累和理性经验的参与，形成了中国民间独具特色的造型体系。在透视方面，不讲究科学焦点透视，而是为表达需要自由移动空间。但也不是完全随意的，还是在中国五方古代空间定位的影响下具有一定规律。上天下地的构图，日月星辰在空中齐聚，彰显天地宇宙轮换运转的客观规律。造型不受客观规律的束缚，艺术形象从主观感知和实践经验中提炼，借用一切事物来表达理性精神。画面叙事的还是以具体叙事为主，通过具体故事图案描写，折射出浓厚的哲理与思辨的内涵。
2.色彩正如俗语“三分塑七分彩”所言，色彩处于民间美术因素的支撑地位。民间美术用色讲究艳丽鲜明，浓墨重彩。施彩原则与追求单纯视觉形式的西方现代艺术不同，色彩的使用更多的是运用传统哲学、集体审美理想有关的思维认知和逻辑推理的方式。通过色彩寓意的效果，来增强趋利、求生、美好的合目的性。色彩常用原色，红绿就是经典，有浓郁的乡土气息。除了视觉体验之外，色彩还会给观者带来强烈的心理效果。常运用火红等暖色和补色来表达对理想生活的喜瑞愿望。但是，具体色彩也会因地域、习俗、工艺不同而有不同搭配原则。例如，因为颜色与人物性格密切相关，朱仙镇英雄神话主题有严格用色。关公传绿袍、盔甲用黄色或水红。
3.构图构图讲究对称均衡、平面饱满。求满、求大、线型，运用散点透视和平视法，重在抓住事物的特征，强调人物形象的外轮廓。这象征着祥和美满、繁荣昌盛的理想愿望，符合人民群众的审美趣味、欣赏习惯和追求十全十美、美满团圆的心理状态。这与民间唱本中先苦后甜，经历磨难而后皆大欢喜的剧情相一致。在经营位置时，更多考虑画面形象的外轮廓以及完整形状的布局，追求形状的完整和人物的完整，不能出现主要人物不完整、缺失断裂的情况。画面主题突出、视觉冲击力大，还有题字。对于建筑、花草等辅助形象也布局的很考究。有三种典型的构图形式——横向扩展、竖向扩展、发散式。发散式构图就是在横向和竖向都展开，依次排列、互不遮挡、中不遮后，整体呈放射状。
4.艺术形象根据具体的实用用途和主题需要，会选取一些艺术形象。这些形象以人物为主。不同身份、性格的人物，塑造的形象也就不同。武将要将扇子完全打开，扇风朝着身体肚子方向。文人一般使用半开的折扇，轻轻煽动胸膛。在人物角色的基本设定下，运用概括提炼、塑造神态的手法进行形象处理。画面追求形状的完整和人物的完整。不管是什么动态，都是全身人物，很少本身或手足等局部描写。“不破脸”——不让静物、道具遮挡人的面部。“不断手”——尽量露出人物的手脚。一般选用人物的正面形象，在不可避免的情况下选择侧面，头像手足也会违背客观规律采用正面的头像、眼睛或手足。民间剪纸《吹笛》违背自然规律出现“断笛”，采用变形的手法不破坏脸和手的完整性。
5.装饰手法从视觉形式上来看，一提到民间美术就能想到平面装饰感。但这里的装饰机械简单的填补空白而是将现实概念转化为简单的视觉可视形式。装饰主要是对物体内部结构的丰富和深化，使结构有序、有序、整齐。纹样是装饰图形的底样，它大多来源于原始崇拜。因为民间美术很重视主要形象的边缘轮廓的完整性，其他装饰手法都是在这个前提下去完善的。内部装饰不能太平均、机械，而是要掌握装饰图样的疏密、平衡、层次、节奏，甚至运用变形、借用、共用形、减形等手法去调整形式布局。要求画面大气、单纯、不琐碎、不呆板，富有变化。剪纸样式最为典型。
6.艺术表达与社会功能审美娱乐要求、实用功利性、信仰观念、道德思想都可以较直接地从民间美术内容中获取。它的表达阶层与接收群体都是一致的，彰显了集体观念的趋同性。处于边缘、补充地位的民间美术之所以可以流传至今，是因为这种形式不是单纯的审美形式，而是具有直接的人文意义和社会功能。民间美术与日常生活、民俗活动、祭祀礼仪等都有密切的关系。在这些现实活动的承载下，隐形地流传下来。民间美术汇集了特定时期群体的理想、意愿、需要、评价、道德等，它在有限范围里自由表达，不会脱离他们集体意识进行突破的创作。艺术表达具有直接朴实和清新亲切的特点，这与传统上层阶级绘画的高雅形式和深度表达有很大的不同。常借用字词同音的方法将常用的绘画物象与吉利语言结合起来，表达吉祥、喜庆、纳福、美好的意义。比如，年画《莲生贵子》寓意（莲蓬）连生贵子、《喜上眉梢》喜鹊与梅花的组合寓意生机勃勃。更重要的是民间美术也对当地群体的道德、历史、风俗、生产、文化有相对直接现实的教化作用。
南京师范大学美术学院已有114年的办学历史，其前身是晚清李瑞清主持的两江师范学堂“图画手工科”，这是中国美术教育首次开设的新型高等艺术学科。1928年由该科演化而成的国立中央大学艺术教育科（后改为艺术学系），由吕凤子、李毅士先后主持教务。1928年徐悲鸿受聘为该科教授，1935年徐悲鸿任主任。徐悲鸿先生倡导新美术运动，坚持现实主义艺术的办学方针，并邀请美术界精英，如高剑父、张大千、陈之佛、颜文樑、庞薰琹、吕斯百、吴作人、黄君璧、黄显之、张书旂、傅抱石、秦宣夫等画家先后在此执教，培养造就了一大批杰出的美术家和优秀的美术教师，在办学过程中形成徐悲鸿美术教育体系，这个体系代表了中国现代美术教育的主流，主导了中国现代美术的创新和发展方向。新中国成立后，该系先后更名为南京大学美术系、南京师范大学美术系，1999年改办为南京师范大学美术学院。
学院拥有美术学一级学科博士学位授权点、美术学一级学科硕士学位授权点、设计学一级学科博士后流动站、一级学科博士学位授权点、硕士学位授权点，美术学一级学科博士后流动站。学院是国家首批艺术硕士专业（MFA）综合改革试点单位，是“国家体育与艺术师资培养培训基地”。“美术与艺术设计实验教学中心”是江苏省实验教学示范中心。动画专业为国家第三批特色专业、教育部“十二五”专业综合改革试点项目。美术学是江苏省优势学科、重点学科，省级品牌专业；美术学、动画、摄影专业同为省级重点专业；水粉、草书艺术课程是江苏省精品课程，中学美术课程标准与教材研究课程是“教师教育精品资源共享课”；学院承担的地方高师本硕贯通教师教育模式探索，是教育部卓越教师项目。近年来，学院承担8项科研项目，19项省级科研项目，与英国、美国、加拿大、俄罗斯、意大利、法国等国高校以及国内相关研究院（所）、企业建立教学、研究、实践合作关系，先后有7批在校学生分别赴俄罗斯、美国、加拿大进行互认学分的短期驻学，各专业面向海内外招收本科生、硕士研究生、博士研究生。
南京师范大学美术学院有优美的教学环境与完备的教学设施。在仙林校区有约24000平方米的教学楼，并有一个新型展览大厅。美术学院珍藏有徐悲鸿先生当年从法国带回来的一批大型写生石膏像，教学条件一流。学院设有11个系，1个教研室，7个研究所，5个实验室和2个中心，分别为中国画系、西画系、环境设计系、产品设计系、视觉传达系、雕塑系、摄影系、书法系、史论系、动画系，美术教育教研室，美术教育研究所、徐悲鸿研究所、美术学研究所、雕塑艺术研究所、陶瓷艺术研究所、影像文化研究所、设计艺术研究所，西画临摹实验室、中国画临摹实验室、美术教育微格实验室、环境设计实验室、印刷实验室、综合材料实验室、雕塑实验室、陶瓷设计实验室、漆艺设计实验室、摄影与媒体艺术实验室、动画实验室，江苏省高等学校基础课实验教学示范中心、继续教育中心，涉及3个一级学科共13个专业（方向）。目前在校本科生有896名，硕、博士研究生548名，以及来自韩国、日本、马来西亚、印度尼西亚、委内瑞拉等国家的留学生。
南京师范大学美术学院2016年面向全国部分省份招收4年制本科生210名，其中，面向江苏省招收4年制本科生100名。热忱欢迎考生报考南京师范大学美术学院。
（一）培养目标
招生专业（类）
培养方向
培养目标
就业去向
美术学类
美术教育
培养掌握美术学基本技能的高素质、复合型、具有一定开拓能力的美术学师资。
从事中、高等学校美术教学人员、教学研究人员、其他教育工作等。
雕塑
培养基础扎实、具有一定创作能力的雕塑家和专业教师。
从事专业雕塑创作、城市公共空间的设计以及教育工作等。
油画
培养基础扎实、具有一定创作能力的油画家和专业教师。
从事专业油画创作和美术教学等。
水彩水粉画
培养基础扎实、具有一定创作能力的的画家和专业教师。
家和专业教师。从事专业美术创作和美术教学等。
中国画
培养基础扎实、具有一定创作能力的中国画家和专业教师。
从事专业中国画创作和美术教师等。
摄影
培养知识结构合理，专业技能扎实，表现理念新颖，能适应现代社会需要；系统掌握图片录入及影像处理，图形表现等相关的媒体艺术表现语言的影像类专门人才。
从事电影、电视、报纸、杂志、网络媒体、广告媒体的影像类工作，及大学本、专科层次、中等职业学校的教学工作。
设计学类
视觉传达设计
培养具有一定艺术设计、调研、策划、开发、管理及研究能力，具有现代艺术设计思维能力，掌握艺术设计系统方法和具有艺术设计实践技能的专门人才。
从事企业产品装潢、广告、品牌推广工作；从事企业形象、品牌形象的研究与开发设计；从事一定的设计管理工作；从事中等职业学校及大学本、专科层次的艺术设计的教学工作。
环境艺术
培养具有现代艺术设计思维能力，掌握环境艺术设计系统方法和具有环境艺术设计实践技能的专门人才。
从事设计院、规划院、房产开发公司以及各装饰公司、设计公司、园林公司、广告公司的专业环境艺术设计工作；从事一定的环境设计管理工作；从事中等职业学校及大学本、专科层次的艺术设计教学工作。
展示设计
培养对展示设计所涉及的空间、造型、色彩、材料、制作工艺、多媒体以及声光电等手段具备很强的综合运用能力的复合型高级艺术人才和创新型人才。
具有展示设计特长的专业设计师，能够从事社会、文化、科技、政治、经济、贸易等各种宣传推广活动的展示策划，同时也可到经济主管行政单位宣传部门及各展示公司、展示场馆部门就业。
漆艺设计
培养具有漆艺设计、制作技能和漆画创作能力的专门人才。
从事漆艺的设计与开发工作、漆画的创作，或从事教学和设计管理方面的工作。
陶艺设计
培养具有陶瓷艺术设计、制作及生产、经营、调研、管理开发等多方面的才能，并具有现代陶瓷艺术设计、实践技能的专门人才。
从事陶瓷艺术设计与开发工作，从事中等职业学校及大学本、专科层次的教学工作，从事陶瓷制作与管理工作。
动画
培养系统掌握本专业的基础理论、基本知识和基本技能，具有一定的动画设计、制作、策划、创意编辑及研究能力，并具有现代动画设计思维能力和动画实践技能的专门人才。
从事动画的创作，从事商业广告动画设计与开发。从事动画制作管理工作，从事中等职业学校及大学本、专科层次的动画设计的教学工作。
（二）招生专业、学制、学历及课程设置
专业（类）
学制
学历
科类
考试形式
主要课程
美术学类
四年
本科
艺术
参加省统考
大类招生，按照雕塑、美术教育、油画、水彩水粉画、摄影、中国画等6个专业方向开设课程。
设计学类（不含服装与服饰设计专业）
四年
本科
艺术
参加省统考
大类招生，按照视觉传达设计、环境艺术、展示设计、漆艺设计、陶艺设计等5个专业方向开设课程。
动画
四年
本科
艺术
参加省统考
连环画、动画造型设计、动画背景设计、动画运动规律、FLASH、3DSMAX、动画片制作工艺、后期编辑合成等。
（三）报考条件
考生必须符合江苏省2016年普通高校艺术类招生试报名条件，且具有一定艺术专长，身体健康、无色盲、色弱，有志于从事美术、设计、动画等相关专业工作。
（四）专业考试
1.报考说明：报考我校美术学类、设计学类（不含服装与服饰设计专业）及动画等专业的考生须参加全省美术类专业统考（以下简称全省统考）。
2.江苏省统考：
（1）报到时间：2015年12月5日（上午8:30——下午4:30）
（2）报到地点：南京师范大学仙林校区体育中心（南京市栖霞区仙林大学城文苑路1号）
（3）考试时间：2015年12月6日
（4）考试地点：由江苏省教育考试院统一划分考区，设点考试（填报志愿时不受考点限制），统考考点的考试地区划分如下：
南京师范大学：南京市、常州市、镇江市
苏州大学：无锡市、苏州市、南通市
扬州大学：扬州市、泰州市
江苏师范大学：徐州市、宿迁市
盐城工学院：盐城市
连云港市高校招生办公室：连云港市
淮安市教育考试院：淮安市
（5）考试科目：
速写（八开铅画纸，全身人物动态速写（提供相关文字或图片）），考试时间为30分钟；
素描（八开铅画纸，人物头像、石膏像或物体（提供人物头像图片、石膏像图片、世界美术名家作品图片或物体图片）），考试时间为2小时30分钟;
色彩（四开铅画纸，静物默写），考试时间为3小时。
速写、素描和色彩科目均为必考科目，专业总成绩满分为300分，其中，速写60分，素描120分，色彩120分。
（五）文化考试
考生须按江苏省招生主管部门的规定参加2016年全国普通高校招生文化统一考试。文化考试方案及科目均按江苏省招生主管部门文件规定执行。
（六）录取办法
对报考我校美术学类、设计学类（不含服装与服饰设计专业）、动画专业，高考文化分（英语单科成绩不低于50分，江苏省美术统考前30名的考生英语单科不作要求）和专业分达到江苏省最低录取控制分数线，且无色盲、色弱的进档考生，录取时将按其高考文化总分与专业考试总分相加而成的综合分统一划定最低录取分数线，按照所报专业志愿的先后的顺序择优录取。若综合分相同，则按专业分从高到低的顺序择优录取；若专业分仍相同，则按语文、数学2门科目的原始分之和从高到低的顺序择优录取。
录取办法以我校在本科招生网上公布的招生章程为准。
（七）大类招生专业方向选择办法
我校美术学类、设计学类（不含服装与服饰设计专业）按照大类招生，新生入学后即划分专业方向。美术学类按照雕塑、美术教育、油画、水彩水粉画、摄影、中国画等6个专业方向培养学生，设计学类按照视觉传达设计、环境艺术、展示设计、漆艺设计、陶艺设计等5个专业方向培养学生。专业方向选择的办法为，按照专业考试总分从高分到低分的顺序，根据学生入学后填写的专业方向志愿申请，完成专业方向志愿选择。
（八）有关事项的说明
1.我校为国家“211工程”重点建设高校，填报全省联考、统考与单独考试（校考）专业志愿时不在同一批次，请广大考生根据江苏省志愿填报办法报考我校。
2.考生报考期间，往返路费、食宿费一律自理。
3.本简章内容如与教育部和江苏省招生主管部门关于2016年普通高校艺术类招生文件精神相抵触的，均以教育部和江苏省招生主管部门文件为准。
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关键词：艺术；科学；人类；文明；社会
当人类社会迎来高新科技迅猛发展的时代，艺术与科学的直接对话逐渐成为世界各国感兴趣的热门课题。艺术与科学是人类文明的两大主要形态，是引导人类迈进文明社会的旗帜，两者之间的内在联系十分紧密。许多科学家把追求科学的美感看得高于一切，看成是大自然给予自己的最高报酬――天道酬劳。天地之大，是美把艺术同科学紧紧联系在一起，成为一个有机整体，恰如左右脑构成完整人脑一样。科学的最高境界是艺术，是诗、是画、是歌、是舞。艺术与科学所追求的最高目标都是增进人类的幸福，只有艺术与科学完美结合，才能造福人类。
1艺术与科学是人类理想精神与实践经验的智慧结晶
科学的概念人们并不陌生，但许多人对科学的理解有偏见，认为只有从事自然科学研究才是科学。其实不然，科学的内涵很广，它是人类关于自然、社会和思维的综合知识体系，科学为适应人类生产力发展的需要而产生，是人类社会实践活动的经验总结。科学分为自然科学和社会科学两大类。前者主要包括数学、物理、化学、生物、天文、地理、医药等学科，后者主要有政治、经济、历史、军事、文化、艺术等。科学是一个广阔的领域，艺术也属于科学的范畴。
艺术虽然也是科学的一个门类，但它又具有自己的特殊性。它是人类按照美的规律创造物质世界的同时，也按照美的规律创造自身的一种实践活动，是人类能动的、创造性的实践力所生产出来的精神产品和物质财富。艺术的最大特征有三：其一追求科学真理；其二具有天才的创造性；其三具有极高的审美价值，即真、善、美。所以，艺术既是创造性的意识形态，又是审美的、创造性的生产形态，它的主要目的是实现其审美价值，以满足人们心灵的渴求和精神的需要，从而唤醒人们超越美学贫困的自创力。如我国的民歌，特别是旧时陕北的民歌及民间年画、春节秧歌、社火、神话传说，以及《西游记》、《聊斋志异》、希腊神话等，都是人们理想愿望与精神意志的据实体现，让人们在物质上难以实现的愿望从精神上得以弥补。
艺术的种类归纳起来，从形式上分有：（1）以音乐、舞蹈为主的表演性艺术；（2）以绘画、雕塑、书法、工艺、建筑、摄影为主的造型艺术；（3）以散文、小说、诗歌等文学形式为主的语言艺术；（4）以戏曲、舞蹈、影视艺术为主的综合性艺术等四大类。从创造手法上可分为：（1）以描写历史题材与现实生活为主的再现性艺术，即侧重真实地再现人们生活的外部世界的客观事物；（2）以描绘超越现实生活及人的内在精神和情感为主的表现性艺术，即侧重主观世界中精神情感的渲泻。从社会功用上又可分为以观赏性为主的艺术（如音乐、舞蹈、绘画、书法、雕刻、戏剧、影视等）和以实用性为主的艺术（如建筑、工业造型、商业包装、平面设计、民间手工艺、服装设计、装潢设计、生态建设、园林规划、环境美化、人文景观、考古、测绘、书籍装祯、电脑动画等）两类。其中实用性艺术主要体现在美术领域，而这一领域都需要借助科学方法才能完成，可见美术具有实用与审美的双重属性，既属于精神生产，又属于物质生产，充分体现了物质变精神、精神变物质的辩证唯物主义哲学观。因此，艺术作品的创作与科学发明不可分割，它是人们借助一定的物质材料和工具，借助一定的审美能力和科技水平，在精神与物质材料，心灵与审美对象相互作用、相互结合的情况下，在充满激情的创造性的劳动生产实践中所获取的科研成果。
2艺术与科学是引导人类迈进文明社会的光辉旗帜
以我拙见，艺术是人类的母系文化，它的产生使人类告别了愚味，走进了文明，成为社会进步的重要标志。这一点我们从古代文明和现代文明中均可得到印证。我们说科学是人类社会实践生产活动的经验总结，人类的生产活动正是集中体现在物质生产、人口生产和精神生产这三大社会生产实践活动中。物质生产是人类生存的物质基础，包括衣食住行等方面；人口生产是人类种族繁衍、生命延续的必要生产；精神生产则是在物质生产、人口生产都得到发展的前提下，人类理想、愿望、情感、意志、精神的自然表达。而艺术与科学均体现在生产实践活动的始终，美好生活的渴求与科学生产技术的发现运用，使得三大生产日益繁荣。
尽管在艺术的起源上，学术界有许多不同的观点，诸如“摹仿说”、“游戏说”、“巫术说”、“表现说”、“潜意识说”等，但我还是比较赞同普列汉诺夫的“劳动说”和格斯关于“劳动创省人本身”的马克思主义论断，这在远古先民艰难困苦的生存发展史中便可窥见其斑。考古学和美术史学上人们常常把人类用石块打造的第一件生产工具（武器）称为原始美术即原始造型艺术，其产生可追溯到一千八百万年以前，它虽与天然石头有所不同，但严格意义上讲并不作为一种审美意义的活动，所以可视作原始艺术的萌芽。真正称得上的美术遗物最重大的发现则是旧石器时代晚期的人类装饰品，如我国“山顶洞人”的装饰品（四、五十万年前）以及欧洲的洞穴壁画，还有法国洛赛尔出土的《手持牛角的妇女》，表现了一个手拿牛角主持原始宗教仪式的妇女，而最著名的则是奥地利维林多夫出土的石雕女像，被欧洲学者视为“维林多夫的维纳斯”，作品的造型虽不怎么美，但女性的特征十分鲜明，充分体现了母系氏族社会的生殖崇拜。
特别是我国距今一万年前，新时期时代出现的彩陶在人类的文明进程中具有十分重要的地位，如以仰韶文化为特征的半坡型、庙底沟型和马家窑型等彩陶的创造，表现了先民在长期的社会活动和生产实践中不断观察体会，逐渐丰富着美的知识、形式美的组合能力，及科学的工艺制作技能，使其实用性与艺术性进一步更好地结合。随着青铜时代的到来，工艺和科技水平的具体反映，为科技生产的发展提供了更加丰富的经验，使秦汉的宫殿陵墓建筑如此辉煌，如秦陵墓的营造与陶俑的制作被后世称为“世界奇观”，与埃及金字塔、法国巴黎埃菲尔铁塔等一并作为世界文化遗产被加以保护，其艺术性与科学性至今令人称奇。到了盛唐，由于国力强盛、政治开明、经济繁荣、国泰民安，使唐代的科学文化艺术得到了极大地发展，音乐、歌舞、文学、绘画人才辈出，传世之作盛多。而这些艺术家又都是各种文化修养极高、艺术造旨极深的大师，如画圣、书圣、诗圣、诗仙，以及唐宋“家”流芳千古的名篇。此外还有大唐的建筑、工艺唐三彩、丝绸业等，融艺术与科技为一体的社会物质生产均体现了当时世界的最高成就。至于北宋的翰林图画院、元代的戏曲、明清的小说，举不胜举的艺术创造与科技发明谱写了中华民族的文明史，使我国成为亚洲文明发祥的摇篮。只是到了近代，由于清代统治者的关闭守旧，加之社会分工越来越细，特别是明清艺术的脱离现实，使艺术逐渐与科学越走越远，以至于将先民遗留下来的大量科技发明失传，例如战国的鲁班，相传他曾发明了“泥牛木马”，可惜没有流传下来，却作为秘诀随其离世而去，此类例子不胜枚举。
西方的科学与艺术的结合最典型的时代始于古希腊，约公元前三千年至一千年。由于古希腊地处爱琴海，曲折的海岸线，星罗棋布的岛屿，使大海成为希腊人同外界交往的主要通道。特别是奴隶主民主政治的建立使希腊人较多的享受到民主。人们的思想活跃，尽管物质生活简朴，吃着圆葱、橄榄，喝着清水，住着石屋，但人们的精神生活相对丰富，他们像孩子一般天真，对事物感兴趣，爱刨根问底，他们谈论政治，辩论哲学、思考宇宙和人生，寻求美的客观标准，甚至对数学感兴趣，将数作为衡量世界的基本准则，一切从数的概念出发，讲究比例的匀称和谐，发明“黄金比率”，无论人体还是建筑，自然科学还是人文科学均以数学的关系来判断，这才使得古希腊历史上出现了雅典卫城建筑、雕塑掷铁饼者和爱神维娜斯等传世名作。同时柏拉图、亚里士多德、荷马、波留克莱特斯、米隆等大哲学家、大诗人、美学家、数学家、物理学家、艺术家也都出现于此，古希腊成为欧洲文明的摇篮。
欧洲文明史上另一个辉煌的里程碑是公元十三至十六世纪意大利文艺复兴时期，它被史学家称为“理智与科学的时代”，是艺术与科学紧密结合的时代。人们以理性的代替了禁欲主义，以科学发展代替了愚昧落后，产生了人文主义思想――新兴资产阶级的理论武器，使文艺复兴，这场伟大的社会变革波及整个欧洲。而这一思想正是从古希腊文化歌颂人、关注人自身的思想中寻找到的，大批精通科学的艺术家们一方面从古代艺术里汲取营养，探索造型艺术规律，另一方面将人体比例、透视、解刨、明暗等科学法则逐步确立下来，对后世产生了深远影响。
如果说文艺复兴为绘画艺术的素描基础奠定了科学基础的话，那十九世纪的法国印象派则为色彩的科学化做出了不朽的贡献，成为至今世界各大学派色彩教学的重要科学理论依据。文艺复兴之后，欧洲各国在政治制度、宗教、自然科学和艺术诸多方面发展和探索，开始以新的人生观和科学的手段探索自然奥秘，以更加活跃的求知欲和好奇心去观察自然、认识世界。特别是工业革命和19世纪下半叶以后的法国大革命，使世界发生了惊人的变化，取得了许多重要的成就，产生了一大批伟大的学者和艺术家，如1893年法国达盖尔发明的摄影技术，在向绘画艺术提出严峻挑战的同时，逐渐形成了一门科学与艺术相结合的独立艺术门类，在今天的科学实验、太空探险、影视艺术、新闻报道和教育卫生等领域仍被广泛应用。正是科学技术的发展与工具材料等媒体的革新，使法国在19世纪成为欧洲的艺术中心，以及科学技术、政治、经济和文化中心，从而促使了欧洲文明的迅速发展。随着自然科学的进一步发展，人们对光学和色彩学也开始深入研究，新的视觉语言和艺术审美功能得到了前所未有的重视，因此，新古典主义、浪漫主义、写实主义和印象主义的艺术运动和文艺思潮相继在法国产生。
19世纪下半叶到20世纪中叶，人类历史上第一个社会主义国家在欧洲诞生。十月革命后的苏联社会主义制度的确立，极大地解放了生产力，使其无论在科学、经济、工农业、教育、卫生、还是文化艺术都跃居世界之首，核试验、人造卫星、航母等现代化高科技不断涌现，充分体现了社会主义制度的无比优越性。于此同时大批的文艺人才和优秀作品相继出现，对我国等社会主义国家及整个世界影响深远。然而到20世纪下半叶随着苏联的解体，许多科学家纷纷前往美国，其实早在世界进入冷战时期，美国就已升始在全球网罗人才，其中我国的科学家也不少，艺术家更多，以丁绍光为首的画家们还组建了美国中国美术家协会，世界经济、科技、艺术中心几乎全部转移至美国。
综上所述，世界艺术中心的几经转移告诉人们：社会政治制度、物质经济基础、科学技术、思想意识等都与艺术创新发展的关系重大，尤其科学创新与艺术繁荣是社会向前发展的强大动力，艺术与科学是引导人类社会走向文明发展的旗帜。
3科学呼唤艺术是时展的必然要求
十月革命一声炮响给古老的东方大国送来了马列主义的共产主义科学学说，使中国大地焕然一新。在二十世纪的半个多世纪里，中国人民在共产党的领导下，在马克思主义与中国实践相结合的思想的指引下，迎来了社会主义制度在中国的胜利实现，翻身作主的亿万劳动人民以高昂的斗志和饱满的热情投入到火热的社会主义革命和建设事业中。五六十年代，人们的物质生活虽然十分清贫，但精神面貌却格外饱满，无论是知识分子还是一般民众，他们以苦为乐，以苦为荣，忘我的工作和劳动，大批高级知识分子纷纷从海外归来，使我国各条战线捷报频传。在国外的重重封锁下，我国不但没有被困难击倒，而且还成为三大拥有核工业和航天航空技术的国家之一。八十年代开始的改革开放政策，使我国的经济建设步伐大大加快，国防、科技、教育、文化、卫生人才辈出，成就辉煌，充分体现了邓小平同志提出的“科学技术是第一生产力”的正确论断。在跨越二十世纪之际，香港、澳门顺利回归，祖国宝岛台湾与大陆的统一也是人心所向，申奥、入世、全面实现小康等一系列战略举措更加展现出我国的日益繁荣与强盛，并越来越显示出中国在维护世界和平与人类进步事业中的重要地位和作用。
与此同时，我国的艺术事业在继承民族优秀传统和延安时期的革命文艺精神的基础上，将吸收外来艺术精华与本国现实相结合，在“古为今用，洋为中用，推陈出新，百花齐放”的马克思主义科学文艺理论方针指引下，出现了一大批优秀的文艺家和名作，如歌剧《白毛女》，舞剧《红色娘子军》，组歌《黄河大合唱》，舞蹈史诗《东方红》，京剧《红灯记》、《智取威虎山》，油画《开国大典》，中国画《流民图》、《以身许国图》，大型雕塑《人民英雄纪念碑》、《收租院》，电影《焦裕禄》、《喜盈门》，电视剧《长征》，小说《人生》等。在艺术繁荣的同时给艺术教育也带来了前所未有的转机，出现了从来没有过的大好局面，如高等艺术院校从只有八个大地区各有的一两所，发展到全国各省市自治区均有艺术院校，几乎所有大学都设置了艺术科系、院所，许多高校的普通专业也都开设了艺术选修课，并规定学生必须取得某一门艺术专业学分方可毕业。
时至今日，世界上许多科学家均认为，科学的发明创造离不开艺术的情感和思维，离不开人文主义的关怀精神。真理有两种：一种是指引道路的真理，一种是温暖心灵的真理，科学是前者，艺术是后者。没有了艺术，科学就像一把精致的镊子，即使放在铁匠的手里一样无用，而没有了科学，艺术就会被江湖骗子搅成一团乱麻。艺术的真理是防止科学变得不近人情，科学的真理是防止艺术变得粗俗可笑，科学与艺术的最终目的是完全一致的，那就是为了人类更加美好的幸福生活而不断发明创新。
所以，人们又回过头来呼唤艺术与科学的互动和结合是时展的必然要求，时代需要的是科学的艺术家与艺术的科学家，科学与艺术就是先进生产力发展和先进文化前进方向的具体表现，先进生产力的发展可奠定雄厚的物质经济基础，先进文化艺术的繁荣可满足人们健康的精神需求。为人民谋利益谋幸福是几代中国共产党人的奋斗目标，作为最先进的先锋队伍组织――中国共产党，就是要率领亿万中国人民昂首阔步、精神抖擞地朝着现代化强国的富裕之路奋勇前进，让世人共睹二十一世纪属于中国美好前景的壮丽画卷。
参考文献：
[1]普列汉诺夫美学论文集[M].曹保华，译.人民出版社，1983.
关键词：科学；美学；艺术；技术
中图分类号：J05文献标识码：A文章编号：1005-5312（2012）35-0052-01
在现代产品设计中，产品必须具备全面的质量特征才能满足消费者日益提高的消费要求。而要具备全面的质量特征，那么就要有美学原理和科学支持。美学原理是设计中有关产品形态美学要素表现的重要方面。设计者只有掌握了一定的美学原理，才能正确地运用美学原理来处理产品设计中的各类美学因素，有效的实现产品的精神功能。产品的美包括内容和形式两方面，它们是产品不可或缺的部分。只有产品的形式与内容达到高度和谐统一时，产品才具有真正审美的意义，才会有美感。在当代，由于生活水平的提高，人们对精神层面的要求进一步提高，对美的要求就随之提高。产品设计的美学法则主要有比例与尺度法则、统一与变化法则、均衡与对称法则、稳定与轻巧法则、对比与调和法则、节奏与韵律法则。美学在设计中所处的地位固然重要，但也不可忽视科学在设计中的作用。科学是有系统地解释现象的学问。艺术是感情的表达；理智的分析，却是科学了。但人的感情往往与理智混淆。这样，科学上的推断可能被感情左右，搞得拖泥带水，但也可以精彩绝伦，使人觉得妙不可言。是的，科学可以有艺术的美。向美追寻，是人之常情，所以科学也有「唯美派。但科学的本质可不是艺术。前者是以阐释现象为主旨的。另一方面，人到底是人，不能冷若冰霜，半点感情也没有。因此，说某一个科学理论是一件艺术作品，是恭维的话了。问题是，仅仅是美而不能解释现象的，是美中的不足，失却了科学的功能。科学家既然是人，我们不能期望他们是人类的例外，毫无感情，但感情是不可以在科学上滥用的。原则很简单：科学的著作可以将客观分析与主观感情结合、并用，但二者要分得很清楚。只要能这样做，科学文字倒大可加上感情之辞，点缀一下，减少枯燥，增加其可读性。
包豪斯的设计教育理念就是“技术和艺术和谐统一，视觉敏感性达到理性的水平，对材料、结构、肌理、色彩有科学的、技术的理解，集体工作是设计的核心，艺术家、企业家、技术人员应该紧密合作。”艺术指富有创造性的方式，是人类对客观自然地主动性认识，是从一般中发现个别，从共性中求异、求新、求创造。艺术可以不拘一格，不限手段、形式、材料，创造比真实是世界更、完美的和谐世界。在创造的过程中，表现出人类的精神世界。艺术设计的发展的原动力在于人们对美的不懈追求。人类设计史上，科学技术往往是通过与艺术结合的方式同人类生活发生联系。艺术设计所带来的，不仅是精神上的愉悦与享受，更重要的是，它可以改变人们的生活方式。技术就是改造环境以实现某种特定目标的特定方法。技术是有条件的，或者说是有前提的。一种技术必然是在一个由几个明确的或默示的条件规定下的特定环境下内有效的方法。因为世界是客观的，科学规律是客观的，有条件的，技术必须符合科学规律才能发挥作用，显然要受到客观环境的制约，只有在特定条件下才能起作用。技术是有目的，是以人为本的。技术的价值也正在于此，没有目的，技术就不成为技术了。技术涵盖了人类生产力发展水平的标志性事物，是生存和生产工具、设施、装备、语言、数字数据、信息记录等的总和。艺术需要技术的支持，又在技术的基础上表现着思维与情感。而技术则是功能与理性的良好表述，它的不断更新又为艺术的表现形式提供了多样性。正如设计师用牢固的钢结构展现水立方，电子业的产生开拓了电子乐及摇滚艺术。技术就是批量生产、没有过多的创作性，有纯熟的技巧。艺术需要创作性，也必须要有一定的技术或技巧。艺术包含技术，但不等于技术。艺术在工业设计里面的最明显的最关键的作用就是美感，偏感性.例如外观＼造型美感；而技术，则是工业设计的内在核心，它包括结构和各种科学技术等一切理性的东西。工业设计不等于艺术创作，它除了欣赏，更重要的作用是方便人类使用，但它需要艺术的成分。好的设计，既是感性与理性（审美与实用）的完美结合。
在现代设计中，我们必须把科学与美学，艺术与技术相结合，才能创造出好的作品。比如：JacosKjaer设计的一款椅子，是用陶花心木和皮做成的。此款椅子是专为位于纽约的联合国大厦设计的，它是丹麦家具的典型代表。尽管它的框架非常纤细，还是保持了牢固的结构并且拥有优雅的造型。木制扶手采用了包皮结构，使此椅更为舒适。此款椅子，就是将科学与美学，艺术与技术有机结合，而创造出的经典之作。艺术带给人以享受，并受到技术和科学的支持，所以经典会诞生。反之，如果在设计中只有其中一项，艺术或技术，那么制造出的产品就是不完美的，只能成为普通的创造。
参考文献：
[1]刘美华著.产品设计原理.北京大学出版社，2008年2月.
[2]现代工业设计概论.化学工业出版社，2004年8月.
[关键词]美术教育渊源美育需求从根性价值展现发展未来
在社会文化庞大深厚的体系中，美术是一门独具社会价值和人文魅力的文化形态。而美术教育，则是美术这一文化形态的现实作用与意义得以实现与拓展的、根本而必须的主流形式与客观手段；不然，美术文化便无凭得以传承、发展与延续。尤其是在当今时代，美术教育更是完善与深化青少年素质教育的重要途径，是社会文化教育全面建设发展的重点工程。因此，正确认识和深入理解美术教育在社会文化发展历程中的价值与关联性，是美术教育工作者所必须构建在学科思想中的知识基础和脉络理念。
一、社会文明生发中的美术教育渊源
由于美术教育的知识定点就是“美术”，因此，先容笔者就“美术”的本位性概念及其内涵小作赘述：美术作为一门社会文化艺术，在随着社会文明的历史发展需求而演变完善至今，当下学术界给出的大致共识性定义为：美术，指作者利用一定的物质材料为媒介，通过相应的艺术手段和方式创造出来的可视、可感的文化活动。也称为视觉艺术、空间艺术。是属于人类社会的上层意识形态，是精神文化中特殊的重要部分。
对于美术的起源，东方、西方史学界众说纷纭，莫衷一是，当下学术中大致归纳为以下几种论说——即：游戏说、劳动说、模仿说、巫术说等，至今尚无定论。从历史角度看，美术的起源由于受种种难以揣测的历史因素的影响，自然是一个十分复杂的问题，总的来讲应当是随着各地域、人类民族文明的演进历程，在各种人类活动合力发生作用下的结果；若只把美术的起源绝对地归因于一个理由，很明显是不妥欠足的。
如今，美术的起源与劳动说相互间的密切联系，却得到了较普遍一致的认同；这是因为劳动与人的生存关系最密切，是人类求存发展的本质活动。从达尔文的进化论到马克思等先哲、思想家的著述里，早已详尽深透地阐明了劳动使人进化，并使其文明产生与发展的决定性意义。因为劳动使人的眼、脑、四肢协调发展，从而为美术活动的形成提供了必要的生理基础，而且劳动是离不开对工具的利用和创造的，也正是通过制造工具的造型活动，孕育与激发出美术的造型活动。由此可见，美术造型活动脱胎于人类早期社会普遍的生存工具的制造活动。
在人类这种最早的造型活动中发展起来的一种形式与功能的关系意识，以及创造活动本身的愉悦，揭开了美术史的第一幕。而美术教育，也在原始的“师徒”、“家族”承传和经验积累的基础上开始萌芽，人类文化也在这种初始状态的原始文明环境中蕴生。
那么教育究竟于何时？因历史资料的缺空而无法明确考证。但基于我们对文化发展教育的关系的理解认识，美术教育与美术同步起源这个说法基本上是可以定论的。也就是，美术诞生之日，美术教育也即随之生成雏形。“因为人类任何重要的知识的形成和技能的成熟都不可能毕其功于一役，而是由教育起转承接使之世代延续和民展的，倘无教育，则无人类今日文明，倘无美术教育，则无人类今日之美术文化。”
二、社会生活历程中潜移默化的美育需求
根据前述研究对美术文化教育渊源的基本清理，可看出美术与人类生存进化的依辅关系及对人类文化的生发意义。有了这一历史源流上的追溯和立足铺垫，通过对当代生活的介入与体察可以深感到：人们对生活物质与精神文明各层面的“美”的要求越来越高，甚至可说辐散到任何一个方面的乃至细枝末节，这些：稍留意生活的人们均可感觉到这随处可见可感的真实。现实中“美”无处不在，“美”是生活理想的体现与人类文明执求的目标。“美”包容了我们的生活。具体到人个体而言，现实中人们除了奔忙于生存的各种客观资本的争取与辛劳外，在感受生活时，均应当能以自身特定层面的文化素养和情感特征等素质去理解、接受到“美术”这一特殊的精神文化给生活所带来的影响：大到城市环境、家居空间装饰，小到衣着甚至针线等，可以说美术的价值对人类生活质量的作用是深广强大的。
美术其主旨性的观赏与实用的客观功用，渗透了我们的生活。这正如在人类最早期造型活动中就有了形式与功能的关系意识的要求一样，通过漫长历史岁月的演进及人类精神智力的承传、发现、创造与再创造等，发展到当代时，人们对生存环境美的需求及理想更是愈加敏感和强烈，这也为美术的进一步发展启示了新的导向和客观动力。美术的生命力当与人类文明共进共存，它的光华和魅力，丰富改善着我们的现实世界，甚至透入到人们的情感心灵深处，升华了我们的修养；也因此从个体及整体地促进着我们人类文明的进步，而美术教育也于其中发挥出了不可辩弃的、推波助澜的中坚力量作用。
美术文化的具体作品是艺术创造者们沉入现实生活中，在对内里各种客观、主观事物的本质感悟下，于对话、交流、苦思中孕生出的一个个智慧的火花，它是生活美中现实与理想浓缩的结晶。真正的“美术”作品必须是纯净而透彻的，它的标准应当是求真、求善求美。它的教育宗旨也理当是引启人们从美术的知识角度：达到对生活与文化的深层认识理解、并提高审美修养、完善知识和心灵的目的，从而促进整个社会文明的进程。
三、美术教育与社会文化发展的从根性
美术文化在自身数千年的形成演变、吐纳求新的历史中，已于人类文化的圣地上旗帜鲜明地树起了其它文化样态不可替代的社会地位，那其教育的样态属性当作何根本理解呢？
美术教育由于属文化教育的一个重要部分，我们要深入探询美术教育于社会文化中的价值关系，也应当需要理清明白人类文化的基本内涵与概念。
“文化”，是一种流荡广远而又容涵广大的整体性的人类智慧与精神存在。它意蕴丰富、复杂、歧义很多，且相互渗透；因而需要悉心辩正，审慎理顺。“文化”在中国有史以来，一直被统治阶层用作施政言法的宣扬工具；是与“武功”、“武威”相并立的“文治”和“教化”的总称。正如刘向《说苑指武》一文中提到的：“凡武之兴，为不服也，文化不改，然后加诛。”可见其于当时兴国实政中的特殊地位，“文化”因此也指涉礼、乐、法等一整套人为的思想与制度。但是从古文字学上看，“文化”一词又有更为古老深刻的意涵：“文”就是在某物上做记号，也称“刻纹”、“画纹”；“化”则为改易、生成、造化，指事物形态或性质的改变。在这里，文化实际被理解为一个过程性的动作，这个动作既指涉人有意识地作用自然世界的活动，又包含了原有的自然物根据人的活动改变面貌和秩序，发生了实质性的变化；成为属人的，从自然变为文化物从自然秩序变成文化秩序的过程。
在西方学术界，文化作为专用术语，最早出现在十九世纪中叶。如泰勒的界定：文化“是人类自身的历史经验中创造的包罗万象的复合体”，“是包括知识、信仰、艺术、道德、法律、习俗和任何人作为一名社会成员而获得的能力和习惯在内的复杂整体。可见其涵义可分为三个不同层面：即物质性、制度性和实践精神性的。其中精神文化层面，是由我们人类在社会的承传、创造的实践和意识活动中活动过程中长期孕育出来的价值观念与知识经验等组成的；思维与审美是其具备创造和积累质量的主要凭据条件，是精神文化价值评估的主要立足点，因为这是我们人类文化本质需要和发展的本位实质。精神文化指涉人的行为、思想方式及心理特点和世界观、人生观、价值观所构成的文化深层结构，是广义文化的核心部分。美术文化既然为其中重要部分之一，它相应使之存在、延续、发展的教育形式，也同其它文化的教育形式一道，共同构成着对人类精神文化张扬延进的强大整体。
美术教育在美术文化中的含义表述应该是：“以教育为手段，向学生传授一定的美术知识和技能，发展和传播美术文化；以美术为媒介，通过美术教学，培养学生的道德情操，审美能力，发展智力和创造性，获取一般教育学意义之功效。”此观念虽有狭义于学校教育的立场，但学校教育是整体社会、民族教育的主体形式，它的教育目标导向和结果，就是整体社会文化的性质和质量的未来。
四、美术教育在社会文化中的价值展现
美术教育在社会文化中的价值展现具体可分为：本质价值和工具价值。前者主要是根据这项活动本身的性质评定，它十分强调美术对人类经验与认识的独特贡献，而这种贡献是其他人类文化活动所难以提供的。后者则主要着眼于其作为工具的职能性价值，它可说在促进整体社会交流、民族文化沟通与了解及对人个体的审美品德和知识技能修养的提高等方面，有实际意义上的作用。它升华了人的精神、情感品质，它是世界语言，以从自身独到的角度体现出社会、民族、国家的文明层次。鲁迅先生曾语：“美术有利于世，倦具不尔，即不足存。”
对于美术与美术教育之间，两者虽不能完全重合概念上的含义，但美术教育的价值，基本上与美术的价值是一致的，它们之间的主要判别是在量上而非在质上体现出来。那么可以说，美术教育于社会文化中的价值体现理当是相辅一致的；而且，美术教育较之人类美术更多具一层使受教育者掌握自身知识和技巧的价值。当然，人们在提示美术教育的价值时，往往先通过提示美术的价值来进行。肯定了美术于社会文化中的价值地位，也即定立了美术教育于其中的价值地位。
五、立足当代社会文化，前瞻美术教育的发展未来
在当代社会文化日新月异的发展中，美术教育的实现与发展应是多形式、多途径的。特别是在当代文化教育愈加成熟完善的今天，美术教育也更趋多元化及注重与其它知识教育的有机结合融会；并且越来越随着时代经济、信息、科学等方面对其深层的影响与介入，开始更加关注到与社会各方面意识形态和各行业知识的交流与实践。在当下这个汇融百川的高节奏、大容量的社会体系里，任何一门知识文化及其教育要获得更新发展，均必须立足时代要求：宽容与深思，扬弃传统，大胆求进。
美术文化是人类社会文化中一种生活与情感结晶的真理性艺术，而美术教育是使之在千百年的沧桑演绎和发展中充满不竭活力，推动其扬帆顺水飞驰的长流大河。从古致今，西方的美术文化所积累下来的盈盈硕果，着实是人类文明的巨大财富与骄傲。其形成的若汪洋般深广厚博的世界，深深打动着每一个热爱文化艺术的人们，召唤着人们的情感与心灵向着真、善、美的理想飞升。
参考文献
[1]尹少淳．美术及其教育．湖南美术出版社，1995，06．
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[6][东汉]许慎著.李翰文译．说文解字．2006．
[7]《鲁迅全集》之《拟播布美术意见书》．人民文学出版社，1987，47．
关键词：工艺美术教育；价值；发展方向
一、工艺美术传承新形势
中国传统工艺美术课程在高等教育体系中一直以不可捍卫的地位存在，随着教育事业的不断发展，高校工艺美术专业逐步被与工业化生产结合更为紧密的艺术设计专业所取代。近年来随着国人对传统工艺美术教育的认知与重视，我国工艺美术传承面临新的形式。任何一部成功的工艺作品的背后都存在着其特定的加工技艺，这些精湛的技艺都应该得到应有的保护，并传承下去，以供后人分享中国传统工艺美术，并为中国传统工艺美术而感到骄傲，但在传承的过程中所面临的问题颇多。传统工艺美术的主导地位以手工业为主，随着时代与人们大量的需求，工业生产逐渐发展成为工艺美术产业生产的主导地位，因手工业满足不了大量的需求，工艺美术产业发展至此，完全依靠传统手工艺谋生的只能是小部分人。根据工艺美术传承模式分析，可分为以下两大类：一是依靠传统纯手工艺为营生的一类人，通过师徒方式的学徒，通过言传身教方式传承，也是中国较为传统的学习方式传承下去；二是仅依靠人们个人兴趣爱好，在正常工作生活的闲暇时间进行制作，没有系统学习，按照个人对工艺美术的喜好与感悟进行制作，并不存在拜师学艺等说法进行传承。因人们现代化生活方式等因素，上述两种手工艺的传承也随之受到影响，越来越多的年轻人很难接受长期学习传统手工艺，因传统工艺技术精湛，需要花费过多精力与时间进行学习与研究，因此传统的学徒生活方式逐渐远淡出统手工艺行业，很多年轻人认为与其花费过多时间学习手工艺制作，不如进入城市打工生活，上述现象的发生归根结底是因为传统手工艺需花费过多时间学习且收益效率偏低等因素。因此在这种情况下中国在现代学校教育中倡导引入工艺美术教育，以此将我国传统工艺美术完整传承下去，现如今根据生活整体水平的提高，人们对于工艺美术教育有了进一步的认知，意识到中国传统工艺美术的重要性，因此对于工艺美术在内的文化艺术消费有了新的需求，国家也加大对工艺美术教育的重视与在工艺美术教育上大量投资，为的是将我国传统的优秀工艺美术技术传承下去，并集合现代工艺美术创新发展，使中国工艺美术在传承之余有着进一步的突破与发展。
二、构建完整的工艺美术教育体系
在我国的教育体系中，与工艺美术相关课程大致可分为专业型和普及型两种形式。专业型指以工艺美术为主，专业学习工艺美术或与工艺美术密切相关的专业进行重点学习，如大中专艺术类教育等专业性极强；普及型即指对非专业工艺美术类人群进行普及所开设的课程教育。因此专业型教育成为传承与发展工艺美术教育的主要途径。由于人们逐渐意识到传统工艺美术的可贵，某些传统工艺手艺的失传，让一些精美的工艺美术成为历史，因此国人更应提高工艺美术的重视程度，尽可能让传统工艺美术继续传承下去，并结合现代工艺美术的优点顺利发展。因此许多院校针对工艺美术教育进行改革，构建适合现代工艺美术教育发展的一套完整的教育体系，在义务教育以及高等教育中加大对工艺美术知识进行普及，提高学生对工艺美术认知度，加大了学生对工艺美术的兴趣度，并在飞专业院校同样开设工艺美术教育课程，让非专业学生可以获取更多相关知识，这一构建的工艺美术教育体系，无论是对工艺美术教育事业的发展还是学生对于自身发展都有了很大的提高，
三、注重实践教学，强化专业
目前，我国各大高校针对工艺美术教育专业没有明确划分，造成此类问题因中国传统工艺种类繁多，某一专业无法涵盖其他专业，并且一项专业存在只是技能过于单一，导致学生就业面窄，选择较少。因此学校应对中国传统工艺美术分类进行探究，将可划分为同类，可相互涵盖的某些专业进行统计，按此进行划分，并根据同类工艺美术方向规划实验室，提高学生们实践能力。但因我国各大院校对于工艺美术分类较为混乱，主要是工艺材料分类法与产品定位分类法并存。针对此类问题，则须教育机构、教育者对工艺美术更加深入研究与探讨，将工艺美术繁多种类进行细致分类，找到各专业可相互涵盖之处进行科学划分，帮助学生系统学习，强化所学专业。在实践方面，由于我国传统教学没有过多重视学生实践能力，因此导致学生学习知识国语理论化，无法将所学知识投入到工作之中，因此在我国教育改革以来，学校也更将学生实践能力列为学生综合考评的重中之重，在对提高学生实践能力上，教师在介绍并示范手工艺教学基础之上，利用多媒体教学，让学生们通过画面，并还原真实环境进行学习，并提供相关制作手工艺相关材料，让学生与教师亲自动手制作学习，此举有效地加深了学生对专业知识的印象，更大大提高学生们实践能力。因此与时俱进的中国工艺美术教育必将在国家大力发展文化软实力的过程中发挥积极作用。
参考文献：
[1］高倩.当代美术教育的发展方向问题探讨[J]．美术教育研究,2016（10）．
