【关键词】新媒介；艺术学理论；教学模式改革
1新媒介语境下高校艺术学理论课程教学模式改革探索的必要性
艺术学理论课程作为高校美育与艺术教育的重要组构，在我国高校艺术教育当中承担了重要角色。当前我国高校的艺术学理论课程主要包含艺术学概论、艺术史、艺术批评等主干课程。与艺术实践类课程相比，这些理论类课程所具备的共同特性是：第一，艺术学理论抽象，趣味性低，学生接受度低，课堂互动性不足。第二，艺术理论类课程教学方式传统，教师较喜欢采用传统的讲授模式，教学手段较为陈旧，教学形式单一，教学内容枯燥，学生参与度低。当前时代是一个信息化的时代，信息社会的一个显著特征是媒介技术的日新月异，新的媒介技术为社会发展提供了契机，也使传统教学模式有了可资利用的新型媒介工具。在新媒介语境下如何更好地改进高校艺术学理论课程教学模式将有可能对我国高校教学模式的创新性发展提供有益的理论参考与实践镜鉴。
2媒介技术的历史演进及新媒介技术介入高校艺术类理论教学的现状
2．1媒介技术的演进及当代语境下对新媒介技术内涵的阐释
媒介是传递与交流信息的手段与载体。纵观人类社会的历史发展进程，文字的出现，标志着人类所使用的媒介突破了身体局限，人类进入体外媒介时代。纸的发明、活字印刷术的出现、古登堡印刷机术的出现使得人类社会进入机械复制时代，印刷媒介技术的发展使得大量廉价的书籍、报纸、杂志出现，普通民众因此拥有了受教育的权利。电话、广播、电视、电影等电子媒介的出现是媒介技术史的一大革新，电子传播时代，人类信息传播获得了快速发展，人类可以自由获取信息资源。当前所处的社会已经被网络媒介技术、数字媒介技术、数字通讯技术、移动通信技术、宽带局域网等媒介技术所包围。根据《现代汉语词典》的解释：“新”其引申义为与旧相反的新出现的事物。质言之也即，“新”的内涵与外延是与“旧”相对而言的，对于任何一种媒介技术而言，“新”都是基于特定的社会语境而言的，与当时社会所使用的媒介技术只要是相对于旧有媒介技术的革新，那么这种媒介技术在其所处的语境下就可以被称为新媒介技术。置于当前的社会语境下，人们所述的新媒介技术特指那些通过互联网络、卫星与无线电通信，以及手机终端、电脑终端、数字电视、IPTV（交互式网络电视）为接受端口的，可以向广大受众提供信息传递交流的媒介技术形态。需要注意的是，新媒介技术发展的日新月异为当前社会生活生产的各个方面均带来了新的契机。特别是对于高校来说，新媒介技术对整个高校理念与教育教学方式的改革更是带来了前所未有的变化。对于高校艺术类教学而言，新媒介技术的发展为高校艺术教育提供了重要的媒介逻辑，它推动着高校艺术教育步入一个全新的阶段。因此以对新媒介技术内涵的阐释为逻辑起点，通过全面分析当前社会语境下高校艺术类理论教学的现状以对之提供有针对性的教育教学策略是有着极其重要的意义与价值的。
2.2当前社会语境下新媒介技术介入高校艺术类理论教学的现状
当前在高校艺术理论类课堂的教学当中，新媒介技术的运用现状表现为：新媒介技术成为高校艺术教学的重要资源，但是在艺术理论类课堂当中，新媒介技术的运用主要体现于多媒体教学当中。在艺术学概论、艺术史、艺术批评等主要的艺术学理论类课程教学当中，新媒介技术的运用主要表现在PPT的制作方面。以历史的眼光来进行审视，PPT运用于教学当中对于之前的传统的课堂教学是一种大的改进，可以使课程所涉及的一些著名艺术作品以图片或视频的形式得以呈现，同时也减少了高校教师制作文字文本的时间，提升了课堂教学效率，但是从更深层次进行考量，这种教学模式只是辅助高校教师完成了素材搜集、文本书写等任务，它无法将课堂所讲授的内容与新媒介技术做深层次的融合。在艺术理论的教育当中始终强调艺术审美价值对高校大学生的影响，仅是停留在一种浅层次的融合无法很好地实现理论育人，“艺术美，是内容与形式的统一”[1]“艺术作为一种人类情感与意义领域的象征符号”[2]艺术审美价值涵养人的目的。因此如何将新媒介技术应用于高校艺术学理论的课堂教学当中对于高校艺术教育来说是至关重要的。当前新媒介技术运用于高校艺术理论类教育还呈现出下述特征：即最新的媒介技术在高校艺术理论类教育当中呈现出显著的滞后性。诸如VR技术、AR技术在我国科技文化产业领域已获得广泛的利用。在博物馆当中，人们可以很好地通过VR技术、AR技术进行具身性的场景体验。博物馆中不便于进行展示的艺术品可以通过这些先进的媒介技术呈现在广大受众面前，并为其带来身临其境的实景式体验，使得抽象、枯燥的历史文化知识可以生动、立体、多维地呈现给受众。这些博物馆因为新媒介技术的使用也使得其成为广大中小学生进行历史文化教育的重要基地，起到良好的媒介效果。但是，在高校艺术理论类教育当中更多地只是体现于其对网络媒介技术的运用，所谓的新媒介技术的运用其实主要停留于二十一世纪初所发展起来的多媒体技术。这种媒介技术，以历史的眼光来进行审视其为社会发展起到应有的作用。但是，以发展的眼光来进行审视，这种单一性的媒介技术的运用是很难与学生的兴趣爱好产生共鸣的，是与当代学生的实际媒介使用水平不匹配的。以现代性的教育思维理念来进行审视，理论类教学虽然是对实践类教学的一种抽象形态，理论源于实践，但是，这并不意味着理论滞后于实践具有约定俗成性。以发展的眼光来进行审视，对于当前所产生的一些新型媒介技术，高校艺术理论类课程当中应该采用一种开放的理论胸襟来予以吸收，而不再是将新型媒介技术视作一种“技术”性的手段而放置于“艺术”理论之外。
3新媒介技术应用于高校艺术学理论课程的教学模式策略
（1）打破传统课程教学将媒介工具辅助工具的传统教学思维模式，让新媒介技术真正走入高校艺术学理论课程的课堂。在高校艺术学理论课程的教学当中，教师需明确高校艺术学理论课程教学并非是单纯通过借助新型电子设备以快速有效的方式来提升学生理论课业成绩为主要教学目标的观念，艺术学理论课程也并非是将理论类课程与新媒介技术的浅层次堆叠。触摸媒体、桌面视窗、智能媒体在课程当中的简单应用，将教学内容以音频、视频、文本、图像的形式加以展现并不能改变传统的“教师传授”“学生接受”的灌输式、填鸭式教学方式，并没有因之真正触发学生利用各种媒介真正地将枯燥、抽象的艺术理论课程予以具象化，这种教学思路模式是存在诸多问题的。要想改变这种教学模式的弊端，就要从思路上做彻底当前“云计算”“深度学习”“机器学习”“大数据”“人工智能”等技术极大地推动了新媒介技术的更新换代，要在艺术学理论的课程教育内容当中与这些最新的媒介技术做深度结合，使学生变要我学，为我要学，鼓励他们运用新媒介技术通过短视频制作，在课堂上积极互动，革新与改变。新媒介技术的特色在于其互动性强。学生这一社会群体同时也是普通受众的一部分，普通受众无论是对于智能手机终端还是智能显示屏，以及互联网媒介技术，乐于接受，学生与新媒介平台有着高黏合度，在高校艺术理论类课堂中，教师发掘新媒介技术的交互性、可参与性是重要的。要积极利用新媒介技术所衍生的抖音、西瓜短视频、哔哩哔哩网站以及在学生群体当中广受欢迎的智能化媒介终端，将理论知识的传授与这些新媒介技术做深度结合，调动学生积极性参与课堂学习。（2）积极利用新媒介技术将抽象性强的艺术理论类课程变得具象化，提升学生课堂参与积极性。与实操性的实践类课程相比，艺术理论类课程以其高度的概括性与抽象性著称。自从艺术学从美学当中分离出来之初，就决定了其与美学之间存在天然联系性。如何将抽象的艺理学知识转化为具体的、形象的视频、图像、文本或者图形甚至是动画，对于艺术理论类课程的学习是重要的。比如在艺术史论课程的讲解当中，会涉及对具体作品的讲述，这就需要教师确立起新媒介教育的思维理念，将新媒介技术融入对作品的讲述当中，使得艺术史论当中所涉及的年代久远、历史悠久的作品生动起来。如大英博物馆曾使用3D媒介技术将中国的山水画《秋林读书图》打造成三维动画。在艺术史论的讲解当中不仅可以利用这些先进的媒介资源进行教授，也可以鼓励学生参与课程建设，调动学生积极性，让学生动手利用新媒介资源共同梳理史论知识。（3）结合门类艺术学科特征，利用新媒介技术促进艺术理论类课程的“个性化”，促进学生深度学习。艺术理论类课程是高校艺术类专业的必修课，在艺术学门类下又包含戏剧影视学、美术学、音乐舞蹈学、艺术学理论、设计学等一级学科，同时广播电视编导、数字传媒艺术等众多二级学科的存在使得这些不同专业的学生对艺术学理论的知识偏向与接受力是有差异的。艺术学理论类课程是艺术实践基础上的升华，对于不同艺术专业的学生而言要想学好该门课程，用他们熟悉的艺术语言来进行理论的讲解是达成其深度学习的有效路径。将智能写作机器人“快笔小新”、新闻机器人“张小明”“腾讯翻译君”“腾讯微信智聆”等新媒介技术融入广播电视编导专业的艺术理论类课程的讲授当中其效果必然好于枯燥的理论讲述，利用数据挖掘、算法对美术类专业的学生进行数据挖掘，勾勒其爱好图谱，将AR、VR、数字媒体技术运用到艺术理论所涉及艺术作品的图像转化与处理当中，将能“最大限度地唤起受众的情感共鸣”，[3]更好地培养起相关专业同学的理论思维与观察能力，以促进其深度学习。将新媒介技术应用于高校艺术学理论课程的教学模式改革当中，对我国高校艺术理论教学模式的创新性发展提供有益的理论参考与实践镜鉴。
【参考文献】
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【关键词】高校美术教育引导培养能力基础
“教育”的本义是“引导”。美术是一种视觉艺术，用一定的物质材料与手段来塑造可视的形象，以表达人们的思想情感与社会生活的一种艺术形式。大学教育体系中的中国高校美术教育，因学科具有其特殊性，因此美术教育应该具有不同的教育模式。
一、本土性：民族美术与高校课堂
本土美术是文化的传统基因，亦是延续本土文化的文化资源。我国有56个民族，民间美术资源丰富。不同区域的民间美术承载着富有本土特色的观念形态与文化资源，区域性高校可以充分利用本土的民间美术资源，重视与本土文化结合。高校美术教育要发展中国本土民族语言及审美，才可构成本土性的美术教育本土语境。
上世纪初期，中国高校美术教育主要参照了西方艺术传统教育模式。在20世纪80年代后，国内有些高校出现了传统文化与西方教学模式的矛盾，因此纷纷调整其课程结构。所以，高校美术教育应适当开设本土传统文化艺术课程，优化课程结构。在民间美术非物质文化研究与发展方面，中央美术学院具先导意识，创建了非物质文化遗产研究中心，并在2002年召开了中国高等院校首届非物质文化遗产教育教学研讨会，不仅发展了科学研究，同时聘请民间美术艺人进课堂，如陕北剪纸、环县皮影、天津泥人张泥塑、武强年画、朱仙镇年画、山西面塑等民间美术进入课程教学。所以，高校教育体系是现代教育体系，在现代教育体系中导入传统的文化活态基因，它使中国传统优秀文化基因得以传承，也使学生在传统文化语境中让现代性与传统性互相融合，这种课程模式体现了高校对文化传承的责任，也给民间美术注入了鲜活的文化资源。
二、实验性：艺术的非规则性
艺术具有非规则性，不同于科学的秩序性，因此需要培养学生的实验性精神。美术不同于其他的艺术形式，其自身的魅力非常独特。大学美术教育是高等教育，应该具有高等美术教育的特点。不能仅仅将教学过程视为知识的熟练过程，教师不能停留于技艺的传授，更应该超越技巧的学习，导引学生思考，在教学过程中培养学生的创造力。艺术需要发展创造性的思维，创造想象是进行创造活动的必要前提。因此，教学应超越框定的模式与风格，注重培养学生的主体性，在探索和研究中发挥艺术技巧的关键。对于艺术创作来说，想象比知识更重要。因此，高校美术教育尤其需要重视对于创新精神的培养。毕竟，开拓想象力是美术教育学科特点的需要。
大学美术教育创作课尤其需要提高课程设置比重，同时，需要建立正确的创作课观念，充分培养学生主体性。艺术具有不同于科学知识的特点，艺术需要创意，需要作品的唯一与独特性体现。艺术是非规则的，艺术作品是艺术家的艺术创造，具有实验性。优秀的艺术作品具有独创性与实验性，是艺术家想象的外化。审美判断力是美术专业学生具备的基本艺术素养，因此，高校美术教育应该重视培养学生的审美判断力，培养学生的实验创造精神。因此，在多种课程中，应贯穿学生审美判断力的培养，在技法课与理论课中贯穿美感的培养与艺术精神的领悟。审美判断力的丰富、想象力的开拓以及创造性思维的培养，是美术教育的学科要求。同时，培养学生技法，亦是培养学生独立自由的艺术态度与精神表现。
三、实践性：艺术为生活
艺术源于生活，又高于生活，让艺术走进生活。学生只有深入到生活的实践中去，通过艺术与日常生活的链接，丰富艺术体验，丰富艺术感知力，才能拓展艺术实践能力。美术教育应该重视实践性，重视课堂的内外结合。艺术作品是艺术家对于世界的思考与情感的反映，视觉艺术是文化的视觉呈现，艺术创作是思想物化活动，具有精神性与实践性。因此，必要的实践能力对于艺术创作是一种不竭的源泉。高校美术教育应重视艺术考察课程、展览观摩课程、外出写生课程、专家专题讲座等，由此，在实践中，学生的创作能力才会得到提高。如，采取多种实践模式，开拓学生的实践能力。例如社团活动这类鲜活的艺术教育模式可促进艺术的生活性，让学生在艺术实践中关注社会生活情景，使其生活经验与艺术经验链接并发生关联，最终在作品中得到真实的再现与转化。
此外，工作室教学模式是教学与研究以及实践相结合的现代教育模式。这种教学模式是以工作室为空间依托，在专业教师的主导下，教学与研究及实践相互辅助。中国高等美术教育需要培养复合型人才，复合型美术人才不仅仅需要具备专业知识，还需要加大实践课的比重。工作室模式可以迅速地使学生的专业能力得到提高，同时，工作室模式可以激起学生的兴趣与创作热情，培养他们具备将抽象的理论付诸实践的能力，实现将理论知识在实践中转化，实现知识的实质价值。
四、人文性：人文精神积淀
绘画是具有自有秩序的存在样态，是艺术家思维的再现，也是艺术家对生活世界的情感外化。美术是一种非语言的视觉艺术，是人类文化的造型载体。美术学具有其独立的研究范畴，具有独立的存在价值，因此是人文教育系统中的一部分。美术教育不能仅仅停留于美术专业课程，同时应赋予学生艺术家人文精神培养的重视。在专业基础课程中，要导入跨专业知识，艺术之间具有相互合作性。
高校美术教育除了素描、色彩等技术基础课程，还需要培养学生素养的人文课程，艺术理论、美术史论以及美学等相关课程需要加大课程教学的力度。传统美术专业课程设置主要有素描、色彩、速写；国画、油画；透视学、构图学、解剖学；艺术概论、中外美术史；书法与篆刻、工艺美术设计、创作、摄影、计算机辅助绘画等。现代社会正是从文字文化转型为图形文化时期，从而进入了视觉传达社会。视觉艺术的样态发生转型，不仅有油画、水墨、水粉、水彩、版画等手工图像绘画，同时产生了新媒体艺术。因此，当代美术教育课程设置结构及课时比例需要科学分配，同时，需要在基础课中设置重点课程。在课程设置上，可开拓新型的文化类课程及系列讲座，如美术批评、国学、历史、哲学、社会学及人类学等相关人文课程。在开设美术专业基础课程的同时设置相关的人文课程，培养学生的人文关怀精神与精神导向，培养学生对社会的敏锐度及高尚的文化品格。总之，高校美术并非单一的技能训练，应将美术教育建立在关于“美”的哲学体系之下，培养学生高度的美学内涵及人文精神。
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中国美术学院周武教授简要介绍了学院的陶艺教育沿革、教育理念以及本科生、研究生不同层次的培养方式和创作实践情况。中国美术学院是我国最早开设陶艺专业的高校之一，几十年来以邓白、陈淞贤为代表的老一代陶艺家，以刘正、周武、戴雨享等为代表的新一代陶艺家为推动中国美术学院的陶艺教育发展发挥了积极的作用，使得中国美术学院目前已成为全国高校陶艺教育的重镇。周武教授重点介绍了中国美术学院陶艺专业毕业创作的一些做法。上世纪80、90年代以前，和大多数高等院校一样，中国美术学院的陶艺专业缺少基础设备和设施，一些陶瓷材料和成型工艺课只能以画设计图纸为主，当然，毕业创作也自然被受到一些限制。近年来，经多年教学改革和课程建设，以及和西方艺术院校的学术交流，使得师生们的学术视野逐渐开阔，因此课程也渐渐得以充实。最终落实到毕业创作上，他们是这样思考并实践的：第一是目的与认识问题。中国美术学院在陶艺专业的毕业创作中，要求学生能综合展现四年学习阶段的所学、所思，并通过创作实验与探索，寻找自己的表现语言，综合体现自身的艺术素养与创作能力。需要学生在充分认识材料、工艺以及专业的基础上，结合社会生活感受和自己关注的问题，自主拟定选题，制造一套或一个系列具有一定学术内涵的陶瓷艺术作品。第二是独立与原创问题。如何做到在毕业创作中能进行自主创作和坚持作品的原创性，中国美术学院注重让学生尝试通过把陶艺创作设计从纸面中解放出来，淡化固有的惰性思维，改变以往依据图纸进行陶艺造型立体化放大的单一模式，强化图纸与实验制作相融合的学院派陶瓷艺术教学方法，让学生直接面对陶瓷材料和制作工艺进行思考和创作，通过实践发现创作的乐趣，激活创作的语言。第三是选题与观察问题。周武教授强调：科学的选题应该建立在认识的基础上，而认识源于观察。学生往往对专业创作选题缺乏认识，时常觉得迷茫。因此需要专业教师加以适当的引导，启发他们观察周围的事物、经典作品等。随着知识的积累、涵养的提高，就会体味到文脉、历史和经典的重要性。当问题看不清楚时，你要从问题的根源处思考，其关键是如何学会观察。艺术来源于生活，又高于生活，经过凝练可以陶冶心灵升华为人们的精神食粮。对于陶艺教学中的技艺与观念问题，一些专家认为这是当今我国陶艺教育中亟待解决的重要问题。南京艺术学院陆斌教授认为：长期以来，技术教育虽然是陶艺专业的主要内容，但主要是技艺的传承，而在新的时代和艺术背景之下，技艺对于陶瓷艺术来说却有更多的意味。而所谓的观念”在当代则可谓是艺术的核心问题。梳理技艺与观念之间的关系，必须从探究陶瓷技术教学的方式方法，认识陶艺创作中当代艺术观念的地位与作用入手。
南京艺术学院从上世纪90年代起，就在本科陶艺专业的课程中安排有紫砂成型工艺的内容，即参照紫砂工厂学徒制的方式上课，将传统工艺引入大学课堂，试图跨跃狭隘的地域和师徒间传承的界限，无论在传承与发扬传统工艺文化或将传统工艺运用与实践于教学上都是有现实意义的。但对于大学陶艺课程教学而言由于传统的紫砂成型工艺过于复杂与严谨，在学习时间和课程目标上均有冲突，因此大学课程中的泥片成型课程并非单纯的紫砂成型工艺的教学，而是应该在借鉴紫砂成型工艺的基础上，结合现代陶艺教学的特点，合理简化操作程序，突出泥片成型的独特语言与陶艺追求个性化的要求，将泥片成型变为规范的成型基础课教学。近几年来，南京艺术学院泥片成型技术课程的实践，一方面以规范的紫砂壶制作技艺传授为基础，另一方面鼓励学生在泥片质感、肌理、装饰等方面进行新的尝试。例如学生作品时间寓言”，其体量达到两米高，是在泥片成型方法的基础上进行肌理处理，其方式和宜兴花货的工艺处理方式十分相似，但在化妆土的使用上又有作者的独特之处，从而使作品中朽木的质感特征表现得非常到位。同样，关于陶艺教学中技艺传授问题，南京师范大学黄金谷老师则有自己的看法，他说：在陶艺的技艺教学中除了必要的技法演示外，还可以有意识地将技艺的传授融入到设计课题中，提出一些老师和学生都没有尝试过的题材与对象。技艺的目的旨在表现出艺术创作的趣味，学生将会思考如何通过创新的手段得到理想的艺术效果。让学生和老师在共同探讨与交流中完成作品，避免老师因表现出对创作过程太熟悉而让学生失去思考的锻炼机会。面对丰富的现代材料，陶艺家需要做的是利用材料的可塑性表达情感，他不一定要十分了解物质现象发生的原理，但一定要学会使技术转化为艺术语言的能力，让技术产生情感表现的价值。相比较而言，我们的陶艺基础技术教学还很不到位，陶艺成型和装饰技术教学的状况相对较好。学生对陶土原料、釉料配制及烧制技术的了解甚少，往往不知道原来陶土也要通过精心配制才能产生不同的表达价值。至于釉的创造和烧成经验的积累，对于目前的陶艺教育更是薄弱的环节，无形中限制了陶艺创作的潜能与效果。大家使用大致相同的陶土和釉料，在类似的烧制方法下，作品的个性风格自然就拉不开距离，让人有似曾相识的感觉。景德镇陶瓷学院是我国唯一的一所本科陶瓷专业院校，其陶艺教育和陶艺创作在国内外都具有重大的影响。金文伟教授从在加拿大和法国当访问学者的经历出发，介绍西方陶艺教育的体系和特点，并从技术美学和哲学切入，阐释西方陶艺教育在更宽泛层面上的意义。如在技术教育中以哲学思辨的方式去探究拉坯速度、力量与平衡的关系，陶艺制作过程中的宗教意义的认识，如何寻找观念与技术的平衡点，对泥的哲学阐释包括泥与社会、文化、人性和自然的关系等等。艺术观念产生的源泉、发展的过程、实现的途径和手段等等，看似罗列了一堆概念，实则是反映了我国陶艺家对泥与火、观念与技术等深层次问题的哲学思考，是对社会、对生命的一种体验。金文伟教授认为泥与火不仅仅是一种物质媒介，拉坯、施釉也不仅仅是一种技术手段，而是要更多地赋予它一种人文关怀。金文伟还提出：我们的陶艺教育要尽快使学生适应国际化，他认为在未来陶瓷设计领域，引领潮流的不再是生产企业，而是在国际上不断推出新产品、新理念的营销公司，每个公司推出的理念都反映了国际设计大师对未来陶瓷市场的构想。随着网上商店购物的开展，全球资源的便捷利用，各种新兴行业正步入市场。陶瓷业是一个传统的行业，在这一领域生产企业已风光不再，代之而起的是营销网络控制下的新企业模式，因此新的合作模式也应运而生。而在当今网络信息时代，团队的合作精神必须在教学中得到重视和提倡，核心就是让艺术家、设计师和陶艺工艺研究人员相互交流与沟通。
江南大学的徐诚一教授多年来一直关注宜兴传统紫砂艺术的发展。他认为：从20世纪中期开始在传统陶艺现代转型的中国陶瓷文化历史演变中，发生重要影响作用的当推国内众多艺术院校。宜兴紫砂壶艺近现代的历史发展，直接或间接受到国内众多艺术院校的作用与影响。解放前，无锡美术专业学校曾对传统紫砂壶艺的现代启蒙与转型发展直接或间接的产生重要影响。建国以后，中国美术学院、南京艺术学院、南京师范大学美术学院、江南大学设计学院、苏州工艺美术职业技术学院、无锡工艺职业技术学院等院系都在宜兴陶瓷产区建立合作交流与创作实习基地，使学院陶艺学科建设得以支撑和发展。景德镇陶瓷学院、清华大学美术学院、中央美术学院等院校的众多陶艺名家教授来宜兴创作交流，直接影响传统紫砂陶艺的现代转型。在陶瓷艺术创作的技能、理念与精神上，力图把现代陶艺的观念与语言形式融会贯通，使学院与陶瓷产区发生良性互动。地处紫砂陶发源地的无锡工艺职业技术学院陶艺系与江南大学设计学院陶艺工作室在现代陶艺教学定位上，基于学院与地域资源背景的考虑，提出现代紫砂陶塑这一创作理念，是这二所学院陶艺教学依托本土紫砂媒材，在现代紫砂陶塑创作探索中谋求转型与创新。应该看到，原有的创作理念与工艺方式已难以适应紫砂陶艺的发展需求，亟需探索新的语言形式，开辟新的表现路径。具有院校背景的现代紫砂陶塑创作群体无疑给依赖经验和功力的传统陶塑工艺带来新的转机，犹如紫砂壶艺发展中无数文人雅士与艺术家群体的参与融入并产生的积极影响一样，对于学院陶艺教学实践和传统紫砂陶塑工艺的现代转型与发展无疑是一种双赢，这种转型使紫砂陶塑具有更加丰富多彩的地域特色与现代语言。传统陶瓷产区与本地区艺术院校彼此相互作用影响，构成了学院陶艺平台资源与传统陶瓷产区产业融会贯通、共同发展的人文生态景观。西安美术学院虽地处我国西北地区，但深厚的文脉、丰富的资源为西安美院的陶艺教育造就了与众不同的特色。李黎老师对西安美院现代陶艺教育坚持走地域化发展道路的情况介绍，令与会者颇感认同。李黎老师的发言始终强调二点：第一是重视传统与现代的关系，就像水与树的关系一样，传统陶瓷是水，是养料，而现代陶艺则是大树，水土肥沃，大树必然长得茂盛。由于坚持这样的理念，所以他们的陶艺教学在低年级时会经常让学生到陕西博物院、茂陵博物馆、昭陵博物馆、法门寺博物馆等场所去感受经典作品，滋养艺术灵性。至高年级则要求学生深入耀州窑、富平陶艺村等作田野考察，体验民间陶艺的工艺、审美和市场氛围等。第二，走特色发展之路，强调地域性特征，让西安的陶艺教育和创作有别于宜兴或景德镇的陶艺教育，因为其与众不同的地域文化、工艺材料和艺术观念所致。就像石鲁、何海霞之山水画绝不可与李可染、傅抱石、陆俨少之山水画相提并论一样。
二、高职教育：在地域文化与课程建设之间形成合力
与本科陶艺教育有别的是，我国设陶艺专业的职业院校全部都是办在各陶瓷产区的。如宜兴产区的无锡工艺职业技术学院、德化产区的泉州工艺美术职业技术学院、景德镇产区的江西陶瓷工艺美术职业技术学院、唐山产区的唐山工业职业技术学院和淄博产区的淄博职业技术学院等等都是因陶因瓷而生、因陶因瓷而兴，所以它们的办学理念、培养目标、教育思想、课程设置等无不深深带有浓重的地方文化特色，从材质到工艺、从技术到观念都与地方文化休戚共生、密切相连。由于它们的办学定位原因，使职业院校的办学者会更多地关注课程体系的构建、项目课程的教学、人才培养方案制定等教育技术”问题，而少了一些本科院校观念”、语境”、实验性”等纯学术”的意味。江西陶瓷工艺美术职业技术学院的李文跃教授认为：高职陶瓷艺术教育应突出技术、技能与应用性特点，并以就业为导向。应有别于本科教育模式和教育内容。可以从以下几方面做些尝试：
（1）构建符合时代与社会发展需要的教育体系，按高职院校陶艺设计人才培养目标来统领专业改革和课程建设，使其更具有可操作性，如解决好基础课程与专业课程脱节的问题，把训练学生的创新思维、发展学生技能性与应用性综合能力作为陶瓷艺术设计教学的切入点，强调理论与实践的相融性、结合性和可操作性。构建以学生为主体、以教学内容为中心的课堂文化，实现理论、实践、创意一体化。
（2）构建符合高职教育规律的课程体系与模式是为重要。传统的陶艺教育历来重视双基”教育，即将专业学习人为地分割成专业基础知识课程与专业基础技能训练课程两个部分，忽视对学生兴趣和创新技术、技能的引导和培养，把学生的爱好与兴趣长期拒在陶瓷艺术创作的天地之外，这是高职陶艺专业学生缺乏创作能力的重要原因。所以要从职业性、岗位性出发，注重基础课程与其他专业课程教学的衔接与整合。
（3）要以教学大纲为参考，以陶瓷行业的新设计、新工艺、新材料为内容，精心设计教案，并改变传统的单向授课方式，做到以学生为中心，以能力为本位展开教学，把理论讲授、多媒体教学演示、教学讨论、市场调研、案例教学、实训操作和企业考察实习全部有机地贯穿起来，以调动学生的学习主动性，提高他们的创造性。
（4）要进一步加强和充实陶瓷艺术创作课程的教学，重点让学生学会应用各种陶瓷艺术表现方法、陶瓷艺术表现形式和装饰材料进行表现与创作，并用较短的时间学会用不同的方法驾驭工艺与材料，进行多样化、小型化的实用陶瓷艺术作品创作，在此基础上再求精、求深，进一步了解不同的创作风格和创意，学会欣赏各种陶瓷艺术作品，形成高职院校陶瓷艺术教育课程一专多能”的特色。
（5）除了要提高学生的基本设计技能，还要培养学生的创新意识和创新能力。陶艺教学本质上是一种创造性活动，我们在传授制作经验与方法的同时，应更加侧重于学生艺术创造力的培养，使学生在学习时能发挥各种潜能及创造力。同时提高实践实训类课程的分值，使陶艺教育更具科学性和时代特点。苏州工艺美术职业技术学院是一所职业类艺术院校，其办学理念新、文化积淀深，在国内院校中享有较高声誉。
陶艺专业在具有较深学术背景和丰富创作实践经验的沛雪立教授主持下，在不长的办学时间内，遵循把学术交流活动及科研活动与专业教学紧密结合的原则，把教学成果以参加学术性展览和商业性展会的形式推向社会，让交流中反馈的有益信息及时融入教学内容之中，使教学从观念、内容到方法得到不断充实、调整与提高。在他们的课程教学中，教学内容和过程一般分为两个阶段：第一阶段为专业认识。即有重点、分层次地介绍陶瓷艺术的特征、发展状况以及传统陶瓷艺术与现代陶艺的关系、区别。讲授工艺技术与艺术表现的关系和实际运用方法。同时要求学生大量阅读各类图书资料，从历代传统陶瓷到中外现代陶艺以及其它门类的艺术资料都有所涉猎，并以绘图的形式记录典型性的陶艺作品，使学生对陶艺的艺术特征和表达方式有一定程度的感性认识，以使学生能够尽快地进入专业状态。第二阶段是工艺技术学习和技法训练。要求学生学习并初步掌握泥料、釉料配制、成型、烧制等工艺技术，在此基础上进行作业练习。形式内容不限，但要求按主题进行创作，形式感要强，有趣味和个性，并有一定的合理性。具体方法是首先让学生们按大主题要求自由发挥，大量捏制小泥稿，然后逐一进行辅导。从学生任意捏制的小泥稿中发现有意义的因素，并加以引导、发展而成为作品。期间也有针对性地穿插一些对经典传统陶瓷器的临摹。地处北方的唐山工业职业技术学院长期立足我国骨质瓷生产基地，注重校企合作，培养为日用瓷生产企业适用的陶瓷专门人才。论坛上，王联翔教授重点介绍了他们学院是如何做好依托校办企业培养专门人才这篇文章。
唐山工业职业技术学院较早启动了以培养学生综合素质和职业能力为主线、以课程改革为突破口、以强化实践教学和技能培养为重点教育的教学改革工作，确立了能力本位、学生主体的教改思想，统筹校内外教育教学资源，以校内实训工厂———唐山美术瓷厂和引进企业———金方圆骨质瓷制造有限公司以及唐山地区一批陶瓷企业为平台，构建了具有现代职教特色的工学结合的课程体系，并实施了与培养目标相适应的教学方法，采取客观、科学的第三方评价方式，取得了显著的效果。具体地来说，在整个教学过程中，大一时期为走岗实习阶段，学生在学习公共基础课程和专业基础课程的同时，还要实行校内集中授课与走岗实践相结合的课程学习，去车间认识设备、原料、成型、注浆、磨具、装饰、烧成、彩烤等工序的工艺及管理；提高学生对专业的认识，为专业学习奠定基础。大二时期为贴岗实习阶段，即充分利用实习工厂开辟第二课堂，采取在校内生产性实训基地现场授课的形式，培养学生通用专业技能，把实际生产项目引入课堂，由专任教师与企业兼职教师共同负责授课，学生在进行生产性实训的同时完成贴岗实习项目内容。大三时期为顶岗实习阶段，其中第五学期在利用校内外实训基地结合生产性的工作任务开展工学结合的实践教学，使学生初步具备与岗位对接的能力；第六学期，在陶瓷企业的不同工作岗位进行顶岗实习，将教学过程与生产过程对接，结合实际工作开展毕业实践，完成毕业设计。无锡工艺职业技术学院的陶艺教育跨越了50余年，获得丰富的成功经验，本土文化对于学院陶艺教育的影响成就了学院的今天。他们在不断坚持教育与产业融合的自觉思考，在构建符合职教规律的课程体系和承传地方文化之间寻找平衡点。
蒋雍君老师在这次论坛上就陶艺专业课程体系的构建与实施问题做了主题发言。她介绍说，该专业把工学结合作为人才培养工作的切入点，依托陶都宜兴悠久的制陶历史，结合地方经济发展的需要，通过探索陶瓷专业人才的成长规律，构建了工作室+陶坊”的人才培养模式。校企共同确定人才培养目标，制定培养方案，以专门化方向对应企业岗位的需求，建立了基于工作过程的项目式课程体系，并引入现代设计理念开发课程，制定课程标准，培养学生的职业能力、职业素质和就业创业能力，专业改革和建设取得了一定的成绩。并就项目式课程体系构建与实施的五大途径以及实施效果评价等问题做了简要说明。泉州工艺美术职业学院由原德化陶瓷职业技术学院更名而来。他们的陶艺教育成功走出了以陶瓷雕塑人才培养为特色，密切依靠企业整合社会资源为平台的道路。张南章教授详细介绍了他们在企业建‘教授工作室’，探索‘学研产销’一体化”的做法与经验。可概括为六个创新点”，即：创新校企合作方式———搭建互利共赢的研发平台；创新人才培养模式———实现学、研、产、销一体化；创新师资队伍结构———夯实导师团队；创新教学方式———在导师负责下的项目驱动；创新教学成果评价方式———过程评价与作品评价相结合；创新实习与就业渠道———实现学习与就业一条龙。他以聚玉堂陶艺公司”为例，介绍了他们开展校企合作的办学思路、实施方法和最终效果，让与会院校代表很受启发。淄博职业技术学院陶瓷琉璃艺术系的高蓓博士也在会议上简要介绍了他们在陶瓷艺术人才培养上的做法与亮点。该系拥有一支有三名部级陶瓷艺术大师和三名省陶瓷艺术大师领衔的学识水平高、力量雄厚、梯队合理的师资队伍。学院地处交通方便的淄博市张店区，自建系以来，培养目标、教学内容与教学方法，皆以适应陶瓷产业发展为侧重点。在教学实践中，注重挖掘和传承淄博当地的陶瓷文化特色，并借鉴现代艺术观念，将理论学习和创作实训有机结合，关注学生动手能力、表达能力和创新能力的培养。
三、结语
[关键词］综合性大学；中国工艺美术史；改革措施
一、“中国工艺美术史”课程概况及面临的困境
1.“中国工艺美术史”课程基本情况
在教育部颁布的新的普通高等学校本科专业目录中，艺术学门类下设有5个专业类，33种专业。其中设计学类的专业包括艺术设计学、环境设计、视觉传达设计、产品设计、服装与服饰设计、公共艺术、工艺美术、数字媒体艺术8个专业。根据新的专业目录要求，各个高校的原艺术设计专业都在修订新的培养方案，而“中国工艺美术史”课程依然是这些设计学类专业非常重要的基础理论课，其重要性是毋庸置疑的。“中国工艺美术史”课程所发挥的作用是基础性的，对于设计类的各个专业而言，能够为学生铺垫重要的理论知识背景。在课程性质上，“中国工艺美术史”属于学科基础课，笔者所在学院将这门课程安排在第二学期开课，共36学时，2学分。在教学目标上，使学生系统地了解中国工艺美术自原始社会起，在陶器工艺、青铜器工艺、玉器工艺、建筑工艺、金属工艺、染织工艺等方面取得的成就；掌握工艺美术的基本属性、形式特征、发展规律和艺术风格，从中总结出基本规律，探求其历史渊源，并培养学生从不同角度对古代工艺美术进行了解和研究的能力；培养学生对古代工艺美术作品从造型、纹样等方面，结合时代背景进行辩证分析，总结特点，从而更好地应用于现代设计，提高学生的专业水平。
2.综合性大学“中国工艺美术史”课程面临的困境
综合性大学的美术学院在课程设置上有别于专业的美术院校，艺术理论类课程开设的类别相对较少，基础性的理论课程如：“中国工艺美术史”“现代设计史”“设计概论”是相对来说开设频率较高的几门课程。综合性大学“中国工艺美术史”课程面临的困境主要体现在：培养方案编制对课程的价值与地位认识不足、师资队伍的不足、学生对艺术理论课程的重视程度不足等几个方面。在编制培养方案的时候，有的综合性大学中的设计类专业去掉了“中国工艺美术史”课程，取而代之的是一些更新颖、更前沿的课程，造成这种现象的主要原因就是对这门课程的价值和地位认识不足。在设计类专业的课程结构中，“中国工艺美术史”往往被分配在基础课范畴，即打基础的课程，是与专业课相对而言的，就像是理工学科的高等数学一样。这一类课程是为了使学生更好地学习掌握专业知识，打下坚实的基础。但“中国工艺美术史”课程对于设计类专业而言，又不是一门简单的一般性基础课，严格意义上来说，它应该属于专业基础课，是专业课中着重于专业理论讲解的基础课程。师资的匮乏是造成“中国工艺美术史”课程困境的又一重要原因。目前，各个高校该课程的任课老师大都由其他专业课老师兼任，并不是由专门的史论专业老师担任，这就造成了在授课内容的深度和广度上受到限制。除此之外，教师数量也存在不足的现象，直接导致了无法进行小班上课，只能几个班级合成大班上课，人数在100人左右，教学效果不理想。很多客观问题需要慢慢地去完善，在现有条件下，任课老师可以在教学内容、授课方式等方面做一些调整，如教材建设、授课重点、考核办法等。
二、“中国工艺美术史”课程教材建设的基本情况
1917年，上海商务印书馆发行了由许衍灼编译的《中国工艺沿革史略》，这本书被称为中国近代第一本工艺史专著。在内容上，它涉及范围非常广，甚至还包括自来水、电气、煤气等领域。1940年，中华书局出版了由徐蔚南编写的《中国美术工艺》，书中介绍了玉器、刺绣、陶瓷等工艺门类的发展历史。从20世纪50年代开始，对中国工艺美术史的研究引起了人们的关注。20世纪60年代，文化部曾组织南京艺术学院、中央工艺美术学院、四川美术学院、鲁迅美术学院的相关教师编写《中国工艺美术史》，但由于各种原因，这个版本并没有正式出版。后来，陈之佛、罗尗子和王家树先生分别以油印本印刷作为教材使用。20世纪八九十年代，在上述研究的基础上出版了一些代表性的著述：人民美术出版社在1983年出版的由中央工艺美术学院编写组编写的《中国工艺美术简史》、上海知识出版社在1985年出版的由田自秉先生撰写的《中国工艺美术史》、陕西人民美术出版社在1985年出版的由龙宗鑫先生撰写的《中国工艺美术简史》、中国轻工业出版社在1993年出版的由卞宗舜、周旭、史玉琢撰写的《中国工艺美术史》、文化艺术出版社在1994年出版的由王家树先生撰写的《中国工艺美术史》。这些著作的出版为中国工艺美术的系统研究、工艺美术史教材的撰写奠定了坚实的基础，至今仍是“中国工艺美术史”课程教学的经典范本。随着对工艺美术史研究的不断深入，教材建设也越来越繁荣。目前不乏权威的、全面的、高质量的教材，如尚刚、朱和平、刘世军、陈鸿俊、姜松荣、华梅、要彬等诸位学者都分别撰写了不同版本的“中国工艺美术史”教材，尤其是2007年由高等教育出版社出版的尚刚教授编著的《中国工艺美术史新编》，作为高等教育“十五”部级规划教材，为我们的教学工作提供了重要的参考。在这些版本中，除了延续传统的通史研究方法外，也在门类史、断代史等方面加以尝试，如2004年由湖南大学出版社出版的朱和平教授编著的《中国工艺美术史》，开始尝试从陶瓷、青铜器、玉器、家具等工艺门类展开论述。这些教材从再版的次数、数量就可以充分地说明大家的认可程度，但是目前各个高校设计类专业的人才培养方案各有不同，尤其在对待基础理论课程的思路上存在较大的差异，这样就导致了在学分设置、课时安排、教学目标、授课内容、考核方式等方面都存在着不同，试想，在有限的36个课时中，完成一本大部头“中国工艺美术史”通识的讲授还是存在一定的难度。结合教学实际，笔者在自编教材中尝试了以门类史为主，通史为辅的架构方法，这样更有利于学生对重点知识的理解。主要包括陶瓷工艺、青铜器工艺、玉器工艺、家具工艺、建筑工艺、金银器工艺、织绣工艺和湘西地区少数民族传统工艺八章，前面七章按照原始社会时期到明清时期的时间脉络设置每一节的内容，第八章则涵盖了大家非常熟悉的苗族服饰、苗族锉花、土家织锦、侗锦等少数民族传统工艺，并且将笔者田野调查的访谈记录呈现出来，让学生可以感受到最本真的艺术描述。
三、民族地区综合性高校“中国工艺美术史”课程教学改革措施
笔者参加工作以来，一直承担“中国工艺美术史”的教学任务，在教学的过程中，也在不断地学习和思考，“中国工艺美术史”课程的内容体系该如何重新架构？新的教学模式该如何建设和应用？这些问题都是该课程教学改革中亟须解决的问题。其中一个非常重要的问题就是“中国工艺美术史”教学内容侧重点的调整。“器以载道”是中国传统的造物思想，它通过具体的形态语言传达着丰富的思想境界，体现着人们的审美情感，彰显着人与人、人与物、人与自然的和谐关系。“道”的理论，始于庄子，《易传•系辞上传》有:“形而上者谓之道；形而下者谓之器。”“道”是抽象的、无形的、“形而上”的；“器”则是具体的、有形的、“形而下”的。“器以载道•道以器载”，“器”，也就是工艺美术作品，它始终是我们所讨论的核心内容，“器”以有形的语言传达着无形之“道”，同时，深厚的无形之“道”也要依附于有形之“器”来展现。而这里所说的“器”与“道”恰恰是我们最应该给学生讲解的内容，具体来讲也就是关于造型、设计创意、设计思想和理念等相关的知识，这些对于设计类专业显得尤为重要。2010年由江苏美术出版社出版的王琥著《设计史鉴：中国传统设计思想研究•思想篇》，运用现代设计学的研究方法，深入挖掘古代的设计思想，对我国古代传统设计的功能、原理、文化价值进行了全面的界定、解读和诠释，这些成果都为我们今天的设计史论研究提供了坚实的理论支撑。在“中国工艺美术史”的实际教学中，内容上可以侧重各个工艺门类主要作品的工艺分析和设计理念讲解，突出“器以载道•道以器载”的基本原则。比如商周青铜器，这一时期的青铜制品，不仅具有使用功能，还有传达森严等级制度的社会功能，是一种典型的治国礼器。商周时期的青铜礼器是从人们的日常生活用品演变而来的，被统治阶级赋予了神圣的含义。例如，代表性器物“鼎”，它同样是由生活用品演变而来，成为青铜器中最重要的一种礼器，象征着至高无上的统治权力。再比如明代家具，这一时期家具的设计吸收了中国传统造型中用线的特点，欣赏明代家具，犹如品一杯好茶，可以让我们回味悠长。造型的简洁、选材的考究、做工的精细，无不体现了匠人的独特构思在“器”物上的延续。经典之作圈椅更是把这种天人合一的精神体现得淋漓尽致，一气呵成的靠背与扶手、“S”形的背板，体现出独特的文人气息。从现代产品设计的角度来讲，它不仅仅符合人体工学的要求，而且在满足人们使用功能的同时，给人以精神享受。而将艺术性、实用性、科学性完美有机地结合在一起的长信宫灯更是体现了中国传统造物的意境，不愧是古代青铜灯具的珍品。课程中对这一作品的讲解要注重其造型特点和设计原理的分析。长信宫灯最令人惊叹和赞美的就是它别致精美的艺术造型，总体上属于人物形灯的类别，宫女跪坐持灯的形象，是汉代宫女生活的真实写照，它的造型设计改变了商周以来青铜器的神秘厚重，造型设计轻巧华丽，优雅迷人。在功能性的体现方面，要着重强调分开铸造组装的方式以及对室内环境污染问题的考虑。长信宫灯通体鎏金，集中体现了浪漫与华丽的艺术境界，它的铸造方法采取分开铸造组装的方式，先将头部和身躯、右臂、灯罩、灯盘分别做好，再与灯座等六个部分组合而成，这种设计和结构便于拆卸和清洗，制作工艺水平之高，是汉代灯具中首屈一指的作品。灯盘设计为能自由开合的弧形屏板，以调节光线方向。宫女左手持灯盘，灯盘中心有一个烛钎，在灯盘上设计有一个短的把手，通过把手地来回转动来调节灯盘上两片弧形屏板的开合，这样的设计不仅可以挡风，还可以调节光线的强弱和照射的方向，类似于今天台灯的功用。宫女身体中空，右臂上举，下垂的衣袖罩于铜灯顶部，形成铜灯的灯罩，燃烧的烟尘，通过宫女右侧手臂的袖管进入体腔内，烟尘通过灯体底部水盘的过滤之后排出，会减少烟尘中细小颗粒和异味，减轻了对室内环境和陈设品的污染。现在看来，这样的设计，类似于今天的烟道，但在两千多年前，这实在是可以堪称最先进的发明创造，说明中国早在西汉就已经着手于居住环境空气污染的治理了。除此之外，在“中国工艺美术史”课程的整体结构上，还应该考虑加入少数民族传统工艺美术的内容，尤其是对于地处少数民族地区的高校学生，这些内容的学习将有助于使学生切身了解本土少数民族的传统文化、体悟少数民族传统工艺的魅力。少数民族的工艺文化是中国工艺美术历史的重要组成部分,张道一先生在20世纪80年代末曾指出美术史研究的四种偏颇,其中就有以汉族为中心，忽视了其他55个民族；以中原为中心，忽视了周围的边远地区。因此，如果能够对少数民族工艺美术进行有理有据、言之有物的写作，无疑是对中国工艺美术史的有益补充。如果大家都能够去关注少数民族传统工艺，相信中国工艺美术的研究视野将会愈发的开阔。
参考文献
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14.王琥.设计史鉴：中国传统设计思想研究•思想篇.江苏美术出版社,2010
在机械化工业生产时代，设计从生产中分离出来，但这并不意味着现代设计实践可以完全脱离工艺与材料单独进行。很多设计在图纸上看起来很好，但是在做成实物的过程中可能就会存在许多问题。设计者对生产工艺与材料方面的前期了解情况在一定程度上影响着设计的成败。强调重视工艺与材料课程的建设并非要求高校在教学中涉及所有生产门类（实际上也没有哪一个学校能够达到这样的条件），而是应重点引导学生建立全面的设计观，养成对设计对象有关的各项要素进行必要了解的习惯。
由于大部分诞生于民间的工艺美术对生产场所和设备条件要求并不高，其中一些种类的工艺品基础生产流程完全可以在校内工作室或实验室中实现。增加手工艺课程可以让学生在参与实践的过程中明确设计、材料、工艺技术等要素之间的密切关系，更加全面地认识产品生产的全过程。高校可以根据自身条件并结合地域特色进行工作室建设，诸如陶艺、琉璃、漆艺、木刻这样的实践性课程可以以专业课或选修课的形式面向不同专业开放，这样有助于拓宽学生的眼界，打破单一的课程授课模式，鼓励学生有意识地对中国传统器具的设计智慧进行提炼，进而从中得到灵感来启迪新的设计。传统工艺美术里的很多东西可能在材料和形式方面是落后的，但它反映出来的造物理念却是巧妙和经典的。工业设计、环境设计、平面设计、公共艺术设计、服装设计等现代设计门类都可以从传统器物中汲取创作元素，丰富作品的造型语言、艺术风格和文化内涵，因此高校中的民间工艺课程不应只停留在临摹和复制的层面上，而是要面向市场将传统手工艺与现代生产的成功案例进行分析和总结，纳入现代设计教育体系之中。
相关院系应通过开展科学调查，在学生与市场之间、工艺美术与产业发展之间、传统元素与产品创新之间寻求切入点，从局限于校园的小范围进入到社会经济文化的大系统中来，更好地帮助学生提升综合素质和明确发展方向。要使今后高校工艺美术教育事业得到正常有序的开展，还需要着力加强切合手工技艺传承要求的师资队伍建设。从目前情况来看，实现这一目标仅靠高校内部的力量是远远不够的。各地高校应积极与社会上的工艺美术大师或艺人建立合作关系，将民间工艺传习与创造活动引入高校，传统的师傅带徒弟的作坊教学方式可作为现代设计教育的一种有效补充。
经过高校系统的综合文化课、专业理论课以及基础课程的学习，设计专业的大学生对于工艺美术的感悟能力和总结创新能力会得到快速提升，其中一些表现优异的学生不但有可能成为新一代的手工技艺传承人，还可以作为高校未来的教师人才储备。在基于教师对工艺美术充分了解的前提下，各种设计材料学和工艺学的教学和研究才会更好地与形态设计相结合，更加有利于完整的现代设计教学体系的构建。从目前国内总体情况来看，我国艺术设计教育普遍存在课程体系同质化的问题。各地高校的设计专业课程内容相似，人才培养模式缺乏个性，这在一定程度上影响和阻碍了中国设计行业整体水平的提升。
近年来，几乎完全统一的标准专业课程设置带来的弊端逐渐显现，缺乏个性创新的教学体系不利于学生深入了解祖国各地优秀的民间艺术知识，更制约了学生将民族文化元素融入现代设计实践。如果设计教育本身都无法体现积极创新的探索精神，那么对学生创意思维的培养自然也就无从谈起。走差异化的道路是建立自身特色的基础，只有立足本土文化和产业优势打造精品课程，地方高校设计教育才有可能上升到更高层次，也只有在各地高校建立起自己的优势设计专业的基础上，中国设计教育水平才能获得整体性的提高。
“设计”从根本上说是一种实践的行业，它是经济的、产业的，但又是文化和艺术的。现代艺术设计教育体系应具有民族性、国际性和时代感，如果脱离了特定的民族文化背景与时代精神，缺少艺术内涵、文化底蕴和地域风格的设计教育是没有前途的。挖掘地方性民间工艺美术资源并将其融入现代设计教育体系，对于打造地方高校设计专业特色具有重要意义。
国内一些地方性高校很早就意识到打造特色精品课程的重要性，并积极尝试将传统工艺美术与现代设计教育相结合，突出地域办学优势。比如景德镇陶瓷学院的陶艺设计方向、闽江学院的漆艺设计方向、无锡工艺职业技术学院的紫砂工艺设计方向、大学艺术系的唐卡设计方向、新疆职业大学的玉雕工艺设计方向等，通过将地方传统优势与现代教育的有效结合，这些院校的艺术设计专业都已在国内形成了品牌效应。尽管不同地区的具体情况有差异，但地方高校建设设计教育特色课程是有共性规律可循的。要使设计学科特色明显，不必都要模仿国内外名牌大学的办学模式，地方院校不论是本科或高职教育都可以尝试突出地域工艺美术优势，按照市场需求而发展，因市场变化而调整，根据各自不同的优势和条件制定教学目标，在实践中对高校艺术设计多元化的教育模式进行探索，当建设水平达到较高程度时就可以进一步升格成为重点特色课程或方向。
要明确一个地区具有怎样的设计资源优势可以通过两种方法，第一是挖掘当地已有的文化艺术遗产；第二是考察能与艺术设计结合发展的区域特色产业。区域民族工艺美术资源和古代艺术遗存，为当代中国设计教育提供了充足而宝贵的素材，此外，确立地方高校设计专业特色还可以联系当前地区产业经济发展情况，分析哪些本土优势产业可以与艺术设计结合发展。对于民间文化艺术来说，最好的保护应该是使它在当代社会发挥新的作用，并成为与当代社会生活相适应的精神产品和物质产品，而地方特色工艺美术与高等教育之间是可以相互促进的。
高职高专美术教育的专业设置和课程体系以及我国高职高专美术教育的专业设置是在国家教育部统一的专业目录规范下开展的，专业设置不规范，确切地说是不科学的。这些专业的课程设置分为专业基础课程和专业课程两大类，专业基础课程包括素描、色彩、三大构成等，专业课程的设置因培养目标的不同而有所差异，课时分配也不尽相同。二者的比例大致为3∶7。一般来说，专业课比专业基础课的课时要多，这样有利于高职高专学生动手能力的培养，符合高职教育的特点。
高职高专美术教育课程体系中的《国画》课程设置在高职高专美术教育的课程体系中设置《国画》课程的专业不多，尤其是一些实用美术专业更是与国画无缘。近年来，随着高职教育教学研究的深入，高职教育的特点被无限放大、曲解，《国画》课程似乎成了培养学生动手能力的羁绊，必欲去之而后快。原本属于专业基础课的《国画》课程在课程改革的大潮中难有立足之地，据笔者查证，大多数院校的美术设计类专业都不开设《国画》课程，开设该课程的也只有区区几十个课时或者列为选修课，这种状况令人担忧！这种缺失传统的美术教育怎么能谈得上对传统艺术的继承与创新？又如何承担发扬民族文化传统的历史责任呢？
二、国画课程的重大教育意义
世界美术史中最有影响的两大绘画体系是以中国为代表的中国画与以欧洲意大利为代表的西洋绘画。从总体上讲，中西绘画术不存在高低优劣之分，而只有视觉与思维的差别。上世纪初西方绘画的引进及冲击引发了中国画的革命思潮，甚至后来有人提出将中国画当做一种保留画种，再加上近几十年美术教学体系存在误区，以油画为代表的西方绘画占据了主导地位，老百姓除了徐悲鸿画马、齐白石画虾外对中国画一无所知。在美术界，同样也曾出现“油老大”的戏称。有些学生无形当中便在主观上形成了“中国画落后”的错误认识，对中国画不感兴趣。当然，中国画有它自身的不足，但是每个画种都有它的局限性。因此我们必须让学生认识到中国画独具魅力的绘画方式，认识到中国绘画辉煌、灿烂的一面及其在世界美术史上不可动摇的历史地位：几千年的传统，独特的绘画工具，独具审美特质的线条，世人瞩目的敦煌壁画，写实程度不亚于古典油画的工笔画，气韵生动、洋洋洒洒的文人水墨等等。
他山之石，可以攻玉。我们可以从其他国家或地区的做法中得到某些启示。在日本，战后40年来进行了多次课程改革，国语、社会、数理等课程的教学内容和课时都有所删减，唯独美术课却有所加强，为了适应就业的需要，美术院校课程设置的知识面较宽，注重传统与创新的结合，《日本画》是每一所大学学生的必修课；在朝鲜，高等艺术院校的专业课多以学习和研究朝鲜画为主；在我国台湾地区，高等艺术设计教育经过数十年的不断改革和发展，已经成为台湾本地经济成功模式的重要组成部分，初步形成了具有台湾特色并与国际接轨的高等艺术设计教育模式，以纯艺术的美术教育和传统工艺美术教育为基础，特别注重人文哲学与传统的中国本土设计文化。台湾的东海大学为了加强学生的综合人文素质和中国传统文化修养，精心安排了人文哲学与传统文化设计课程，如《传统艺术与造型课程》《造型意象研究》等，因此，台湾的美术设计在表现和弘扬中国优秀传统文化方面有许多成功的作品。至于西方发达国家，更不可能抛弃自己的传统，如素描、色彩、雕塑而奢谈艺术设计教育。世界各国或地区都不约而同地保护、加强、发扬本民族的传统文化，因此，《国画》之于中国的艺术设计教育绝不是包袱，而是传统文化中的瑰宝。《国画》课程的传统意义综观人类艺术发展史，扎根于中华大地、上下五千年文明孕育出来的国画从来就是东方绘画艺术的杰出代表，是其他东方绘画艺术门类的母体，从人口数量、影响地域、历史渊源、艺术成就、继承创新等方面来看，在近、现代之前的数千年里，中国画都堪称世界美术的主流，是当之无愧的第一大画种。其博大精深、源远流长，是其他绘画艺术门类无法比拟的；其审美趣味、程式法则，是其他绘画艺术门类无法比拟的；其笔墨纵横、气韵生动，是其他绘画艺术门类无法比拟的；其物我交融、天人合一的境界，是其他绘画艺术门类无法比拟的；其工具材料、装裱形式也是独一无二的。只是到了近现代，由于社会生产力发展的滞后，中国画在发展创新方面才落后于西画，这是值得我们后辈深思的。只有民族的，才是世界的。日本第一位诺贝尔物理学奖获得者汤川秀树曾表示：对他启发最大的是中国的庄子和老子；美国马里兰大学教授刘全生说“中国是个有传统文化的国家……从传统中表现出来的人格，这是只有中国人才有资格学习的，这就是我们文化了不起的地方”。“你对自己没有信心，就永远得不到奖，而这个信心来自于我们的文化。中国曾经有很辉煌的历史，而且这个历史也是令人骄傲的，而自己对本国的文化有一个认识，这个认识也就能产生很大的信心。”从这个意义上说，在高职高专美术教育中取消《国画》课程就是对自己的传统文化没有信心，说重一点，就是对传统文化的无知，就是对继承与创新传统文化的历史责任的亵渎。《国画》课程设置的现实意义在高职高专美术教育的课程体系中设置《国画》课程是必要的，并且具有很强的现实意义。首先，这是素质教育的必然要求。艺术素质的教育和培养是素质教育的重要组成部分，国画正是中国艺术的象征之一，学习国画无疑应成为开展素质教育的重要内容。在多年的教学实践中，笔者发现，70%以上的艺术类学生对国画感兴趣，他们对国画有着天生的、朦胧的崇拜与向往，这是弥足珍贵的，这种天性由于得不到合理的引导和教育，正在逐渐被消磨甚至被扼杀。其次，这是专业教育的必然要求。艺术是相通的，多画种的相互借鉴、相互融会贯通，是当代绘画创作的大趋势。国画是具有强烈艺术特性的艺术载体，是本民族文化的“艺术符号”，缺乏民族特色的艺术设计是难以在形形的设计作品中脱颖而出的，当然也培养不出世界级的设计大师。香港著名平面设计师靳棣强之所以能够取得成功，其中一个很重要的原因是得益于在设计中强化了国画某些技法的视觉效果，添加了东方元素的艺术符号，简单地说，是得益于他在国画方面的修养和造诣。现在的媒体广告、电视广告里越来越流行中国画元素，著名体育品牌“李宁”的产品系列广告就是利用国画元素的三维动画设计，成功地凸显了品牌的东方神韵和中国特色；2008年北京奥运的申奥标志、奥运标志、吉祥物设计等等，从平面设计到三维动画，从标志设计到包装设计，从服装设计到建筑设计，都体现出浓烈的中国传统艺术的特色。由此可见，传统的国画与现代艺术设计并不是格格不入的，更不是矛盾对立的，而是相辅相成的。再次，有利于国画人才的培养。继承与创新本民族的优秀文化传统是教育最基本的责任和使命，高职高专层次的美术教育必然要承担这样的义务，高职高专层次的美术教育应该开设《国画》课程。目前，国画发展的窘况已是不争的事实，各大美术院校中国画专业招生难、毕业生就业难的状况一直难以得到改善，原因很多，如果高职高专层次的美术类院校不取消《国画》的课程设置，而是适当地增加课时量，对中国画人才的培养、对学生的就业就会产生良性的效应，同时也有利于中国画市场的成熟与规范，一举多得，何乐而不为呢？
三、设置《国画》课程的几点建议
规范课程设置行政主管部门可以以某种形式规范《国画》课程的设置，对这种优秀的传统绘画艺术采取特殊的保护措施，强制设置也未尝不可。要明确课程教学的主要目的，着重培养学生对中国画的欣赏能力、对中国画技能的汲取与创新能力以及对国画审美加工的能力。开发统编教材中国画是一门博大精深的艺术，国画的教学不是几十个或百来个课时就能完成的，有限的课时量与丰厚深邃的课程内容之间的矛盾，再加之高职高专学生入学素质的相对薄弱，使得国画的教学难度很大，笔者采用的中国美术学院主编的《国画》教材更加适用于本科教育，而市面上绝大部分教材并不适用于高职高专美术教育层次，因此，统编一部适用于高职高专美术教育层次的国画教材是必需的，在教材名称、中国画知识的宽度、广度、深度、侧重点、针对性、可操作性等方面，都应该有新的考量。
优化课时分配高职高专美术教育专业大多是实用型的设计专业，其中平面、视觉、媒介类的二维艺术设计专业和数字艺术设计专业对中国画成分的汲取更为直接和容易，应该设为必修课，课时以60～100节为宜；建筑、空间类的三维艺术设计专业对国画成分的汲取较为间接，可作为课时在40节以内的必修课，或设为选修课，让有兴趣的学生有机会学习传统的民族绘画，对专业课的学习是大有裨益的。加强师资培训绝大部分从事高职高专国画教学的教师都是从各大美术学院或师范大学美术系中国画专业毕业的，接受过严格的传统国画教学训练，是按照临摹—写生—创作、起稿—过稿—勾线—分染—统染—罩染、工笔—小写意—写意—大写意、花鸟—山水—人物等一系列程式法则培养出来的。有关部门对高职高专国画教学的目的缺乏清晰明确的规定，教师如果使用自己从学校学来的一套实施教学的话，必然导致教与学脱节，学与用脱节，教师的积极性和学生的兴趣都会受到挫伤，其结果是《国画》课程成为众矢之的，被削减或取消便不难预料甚至是理所应当的了。因此，对师资进行适当的培训非常关键。开展教改教研教与学永远是教育的主题，而学与用则是高职高专教育的关键，开展教改教研活动，研究出一套更好的、行之有效的、具有中国特色的高职高专国画教学法，是高职高专美术教育工作者的迫切任务。优秀的民族文化是中华民族生生不息的源泉，因此，不能因为片面强调高职高专美术教育的实用性特点而放弃传统，削减甚至取消《国画》课程无异于杀鸡取卵，既不能提高高职高专美术教育的效率，也不能增强其实用性，相反，只会严重损害其国际竞争力与持续发展力。
参考文献：
[1]李永翘.《张大千画语录》.海南摄影美术出版社，1992
[2]洪惠镇.《中西绘画比较》.河北美术出版社，2000
[3]潘运告.《清代画论》.湖南美术出版社，2003
[4]俞剑华.《中国古代画论类编》.人民美术出版社，1998
作者简介：
关键词：艺术设计；教学角度；民间工艺美术；教学利用价值
一民间工艺美术于艺术设计教学中存在的问题
(一)民间工艺美术的逐渐衰退
随着时代的变革和科学技术的飞速发展给人们带来了生活上的巨大便利，随着而来的还有艺术设计理念的强大冲击，在不断变化、不断更新的社会大环境中，传统民间工艺美术和民间传统手工艺品传承发展受到了机械化的生产模式的限制，在这样的生产模式之下，很难保证工艺品的质量和民间艺术的个性[2]。
(二)西方艺术设计理念的激烈冲击
我国实行的对外开放战略使得西方的文化大量传入我国，传入我国的西方文化与传统文化间不可避免的会产生接触、发生碰撞。在文化的融合和碰撞中如何保持传统文化的传承与发展受到了诸多关注。忽视了传统民间艺术在艺术设计教学中的发展，而大肆强调西方的文化和艺术设计理念，极大的阻碍了传统民间工艺美术和传统文化的传承与发展3]。
(三)我国传统艺术的传承不继
随着时代的变革和科学技术的飞速发展给人们带来了互联网，而在互联网上充斥着大量的信息和新文化因子，这些文化因子借由网络得到了广泛的传播，并不断的进行入侵和渗透，使得传统文化理念在大量新文化因子信息的不断冲击中被埋没，传统的民间工艺美术艺术元素散落各处。民间工艺美术与信息时代的脱离，而逐渐消失在大众视野中，其艺术价值被逐渐淡忘，难以传承和发展[4]。
二民间工艺美术在艺术设计教学中引入的意义
(一)有利于我国传统文化的传承与发扬
民间艺术是广大人民群众在悠久的历史中几千年历史民俗文化的传承和创造所形成的艺术形式，是历史文化传承创造的遗产，是组成我国传统文化必不可少的一部分。民间艺术的形成和发展经历了历史岁月的洗礼，除此之外，民间的风俗习惯也在潜移默化中影响着民间艺术的形成。将民间工艺美术引入艺术设计教学中，不仅是对民间工艺美术价值的体现，也是对我国传统文化的传承弘扬，更是对我国传统民间艺术的传承保护[5]。
(二)有利于传统民间艺术与现代艺术间的融合与发展
随着时代的变革、科学技术的飞速发展和全球一体化进程的持续推进，文化间的碰撞融合也愈发激烈，对于我国传统文化的保护发展刻不容缓。将民间工艺美术引入艺术设计教学中，有助于现代艺术同民间艺术之间的相互融合，通过文化间的融合为传统文化注入新鲜的血液。在高校艺术教学中融入民族文化和民间工艺美术元素，对其进行深入的探索发掘，找寻其价值以及意义，在保留传统民间艺术精华的基础上借鉴现代艺术[6]，多元化我国艺术教学，创作饱含传统文化和民间工艺美术元素的现代艺术作品。
(三)有利于学生艺术视野的拓宽和艺术教学效果的提高
在高校的艺术设计教学实践中，注重将民间工艺融入到艺术设计教学中，通过对现代艺术设计元素的吸收借鉴，不仅能够拓宽学生的艺术视野，提高艺术教学效果，还能提升学生的动手实践能力，在掌握现代艺术设计知识的同时对民间艺术进一步加深了解，开阔学生思维，促进学生创造能力、思考能力、创作能力的培养，并对艺术设计教育体系进行科学合理的调整。提高学生的创作参与度和艺术感受力，激发学生的创作热情，推动高校艺术教学水平和质量。
三艺术设计教学与民间工艺美术相结合的策略
(一)重构教学理念，转变教学观念
高校教学计划的实施方向和实施方式都是在教学理念和教学观念的指导下开展实施的，在新时代的背景下，在中西方文化的碰撞交融下不断产生新文化，而新文化多呈现出多样性的特点，并对传统艺术造成了强大的文化冲击。艺术类高校以及高校中的艺术类专业是挖掘、探索、传承传统文化和传统民间艺术的重要载体，对传统文化的传承和发展具有重要意义。因此，要重视教学理念的重构和教学观念的转变，为促进艺术设计教学与民间工艺美术之间的结合构建教学新理念、新观念。在开展高校艺术设计教学课程设计工作时，基于现代艺术设计知识的学习前提下，独创具有本土特色的艺术设计教学体系，突出我国教学体系的优势，充分将本土文化优势融入到艺术设计教学设计中，丰富艺术设计教学课堂，增加现代艺术设计与民间工艺美术元素的融合实践环节，树立传统艺术的传承发展观念[7]。
(二)教学手段的多样化
在高校艺术设计课堂教学增加民间美术的课程设置，增加课堂教学手段和方法，进一步加强对学生的指导，提高艺术设计课堂教学质量。通过民间美术课程的加设创新高校艺术课程设计体系，为其注入新鲜的血液和新活力。教师在实际的艺术设计课堂教学中，侧重于民间传统艺术的教学，加强对民间传统艺术的介绍，加大对学生民间传统艺术的培养，注重周边艺术环境的创设，营造良好的传统文化学习环境，良好传统文化环境有助于学生创作传统文化艺术作品，激发学生对于传统文化的探究兴趣。邀请民间艺术家走进高校的课堂，亲身讲授民间艺术，带领学生集体去民间采风，实地亲身感受民族艺术。
(三)激发创作灵感，鼓励实践
艺术是自由的、是多变的、是灵活的，艺术设计的教学不应局限在理论的教学和学习中，而应该是实践的、自由的，给予学生开阔的创作空间，在自我摸索中寻找创作灵感。民间工艺美术是艺术设计的灵感源泉之一，在富有传统文化气息的民间工艺美术作品中寻找创作灵感和设计思路，并融合到作品中。教师要为学生创造自由创作的环境、机会和时间，鼓励学生实践，切身感悟，找到自己的设计风格和设计灵感。
(四)用生活化的眼光欣赏代表作品
民间工艺美术作品在民间流传了数千年，究其原因是出于民间，民间工艺美术设计要想被大众所喜爱、所接受，具有蓬勃的生命力，就要贴合民间，就要“接地气”。因此在进行艺术设计时要密切联系生活实际，将日常生活实际借以艺术的形式加以表达。在艺术设计课堂教学中要善于将民间工艺美术作品搬进课堂，给学生呈现不同的传统文化风俗、民族风情。
关键词：音乐素质教育中国传统音乐“中和大雅”作用与意义
伴随着教育观念的巨大转变和素质教育的全面推行，艺术素质课在高校教育中的重要作用也正在得到教育界人士的普遍认可。普通高等学校，无论是理工类还是文科类，开设艺术素质课的主要原因是学校已经充分认识到美育在促进学生全面发展中的独特和不可替代的作用。国家教育部在1989年颁发的《全国学校艺术教育总体规划》中指出：“艺术教育是学校实施美育的主要内容和途径，也是加强社会主义精神文明建设，潜移默化提高学生道德水准、陶冶情操、促进智力和身心健康发展的有力手段。艺术教育作为学校教育的重要组成部分，具有其他学科教育所不可代替的特殊作用。”而近年来，各高校开设的艺术素质教育课也丰富多彩，各具特色。根据对目前高校艺术素质教育中音乐教育现状的观察，以及对中国传统音乐对艺术素质教育之作用的理性思考，笔者认为，在普通高校开设中国传统音乐课程，对于素质教育的全面实施是具有实际意义和重要作用的。
一、目前国内普通高校音乐素质教育现状
综观目前国内普通高校音乐素质教育的课程设置，可以看出，由于普通高校培养的人才并非专门从事音乐或音乐教育工作，音乐类课程只是学校实施美育的主要内容和途径之一。因此在课程设置上，主要以突出“接受”和“参与”两方面为出发点。其课程设置的理论基础也是建立在现代音乐教育领域的三个方面。
审美鉴赏性课程：主要包括中外音乐名作欣赏、欧美当代音乐欣赏等课程。这类课程主要引发学生的审美感受，通过他们对音乐的感知过程来达到教育的目的。
参与性课程：主要包括声乐、器乐、合唱、合奏等课程。这类课程以学生的参与为主，是一种实践性的练习过程，学生在接受知识的同时，主要以参与的方式表现其接受特征。
辅助性的知识性课程：主要包括音乐基础理论、视唱练耳等课程。
同时，高校的艺术教育确实取得了一定的成绩：
一是近年来，各高校根据原国家教委1988年下发的《在普通高等学校中普及艺术教育的意见》和1996年下发的《关于加强全国普通高等学校艺术教育的意见》文件精神，积极开展学校艺术教育。高校的艺术教育虽然起步较晚，但行动很快，各校结合各自实际，从各方面进行了探索和实践，在较短时间里，取得了可喜的成果。
二是进一步明确了高等学校艺术教育的基本任务，加强了对艺术教育的领导，努力探索高校艺术教育的途径。许多普通高校普遍设立了艺术教研室或艺术教育中心等系一级的专门机构。艺术教育以高雅、怡人的独特魅力征服了高校莘莘学子，受到了广大学生的普遍欢迎，艺术教育在普通高校已深入人心。
三是结合各校实际，加强艺术类课程建设，创造性地开展了多种形式的教育教学的探讨。如南京大学在艺术课课程的开设上，形成了布局比较合理（按文学、音乐、绘画、舞蹈、戏剧、雕塑、影视七大艺术来设置）、重点有所突出（注重民族民间文化）、兼顾认知与创造力（艺术欣赏、艺术实践）为特点的艺术课程体系。同济大学针对不同专业、不同学科的学生，将艺术类课程分为必修课和选修课；山东大学为保证所有本科学生都能接受艺术教育，在本科生入学后的第一学年内，开设一个学期的艺术必修课；另外，许多高校还在学生的艺术教育学分上做出严格的规定，以督促学生接受艺术教育。
四是各高校努力创造条件，除开设面向全体学生的各种门类的艺术必修、选修课程外，还组建艺术社团，开展组织丰富多彩的艺术活动。普通高校的艺术社团活动如雨后春笋蓬勃发展。上海市教委近年来举办的大学生广场歌会，40所驻沪高校全部组队参演，他们组织高校学生走进社区搭台唱戏的广场艺苑，已成为上海引人瞩目的文化风景线。许多高校还组织了大学生艺术节、文化节等活动，进一步推动了高校艺术教育的发展。
五是为了让高雅艺术、严肃音乐走进校园，各高校挖掘社会资源，使一批著名的艺术家和著名的艺术团体走进了大学校园，形成了良好的艺术教育环境，促进了校园文化建设。教育部门与社会有关方面的结合与相互支持，形成了艺术教育的合力，产生了较好的效果。
在充分肯定成绩的同时，由于种种原因，普通高校艺术教育还存在一些问题，主要表现在以下几个方面：一是有相当一部分学校的艺术教育没有归口管理部门，缺少统一的规划和领导；二是有一些学校艺术课程设置随意性大，教学内容缺乏科学性；三是普通高校的艺术教育师资队伍建设比较薄弱。而笔者认为，其中第二点，课程设置缺乏科学性是急需解决的关键问题。
艺术是一种文化，艺术教育是对人类优秀文化艺术遗产的传承。任何优秀的艺术作品都是人类历史发展进步的反映，更是经历了人类历史的筛选而沉淀、结晶下来的人类宝贵的文化遗产，是应该并值得学习和传承的。这种学习和传承，要有一定的文化基础，更需要花一定的力气。大学生，作为国家具有较高文化层次的人群，对于传承人类优秀文化艺术遗产具有义不容辞的责任。基于这样的认识，我们认为对于高校艺术课程的设置，应该以“弘扬民族文化，倡导高雅艺术”为主流。因此，我们应该在高校艺术教育中大力推广、普及民族传统文化。而中国传统音乐正是民族传统文化的重要载体。那么，在课程设置上，专门开辟传统音乐赏析这一课程便显得十分必要与迫切。
二、中国传统音乐概况
中国传统音乐是在以黄河流域为中心的中原音乐和四域音乐以及与外国音乐的交流融合之中形成发展起来的。因此可以说，中原音乐、四域音乐、外国音乐是中国传统音乐的三大来源。
中原音乐指的是以黄河流域为中心发展起来的音乐。在漫长的历史发展过程中，形成了以汉族为主体的黄河流域音乐文化。其中，殷商和西周时期的音乐文化具有代表意义。除六代乐舞及其他多种乐舞的发展和整理，礼乐制度的阶级化和等级化，大司乐机构的设置，三分损益律的运用等有重要影响之外，尤其在“八音”乐器分类中“琴”（七弦琴）及其音乐的出现，奠定了中国传统乐器与器乐的基本模式。
四域音乐指的是除中原华夏民族为主所创造的黄河流域音乐文化以外的中华大地各民族的音乐文化。其中，长江流域、珠江流域等地区，与黄河流域同为中华民族的文化发祥地。长江中游的楚文化中的音乐文化，色彩缤纷，独树一帜，同中原音乐并为上古中国传统音乐的表率，相互辉映，相互交融，进而衍生、发展。珠江流域的粤文化，西南各少数民族的音乐文化，西北作为古代丝绸之路对多处音乐文化传播、交融的作用，以及东北各少数民族的音乐文化，都为中国传统音乐的形成、发展做出了重要的贡献。其中，在乐器方面，作为汉族音乐文化与少数民族音乐文化交融的代表实例，可以举出由奚琴到胡琴类各种拉弦乐器的形式。
中国音乐与外国音乐的交流，由来已久。据《穆天子传》记载，相传西周初，周穆王曾经带着规模颇大的乐队到西方各国进行音乐交流。此后，在汉代，伴随着佛教的传入，印度教音乐和天竺乐也入传中国；隋唐时期，大量外国音乐的输入，不仅带来外国乐曲，而且引进乐器、乐律、音阶。作为外国乐器传入中国，后又被改造为中国传统乐器的琵琶就颇具代表意义。
三、中国传统音乐在高校艺术素质教育中的作用
1.中国传统音乐的美学特征能帮助学生加强修养，促进社会和谐与稳定
中国传统音乐的美学特征之一是“中和之美”。中国古典美学提炼出了“以和为美”的原则，将其确立为审美和艺术活动中的普遍准则和最高要求。早在《尚书》所记载的远古时代，就有“八音克谐”“神人以和”的思想萌芽。具体到音乐，明末清初著名琴家徐上瀛（名珙，别署青山，生卒年不详）所著的《溪山琴况》中对中国古典艺术——古琴艺术的论述中明确指出，琴乐之“首重者”，就是“和”。《琴况》开首即写到：“稽古至圣心通造化，德协神人，理一身之性情，以理天下人之性情，于是制之为琴。其所首重者，和也。”论者认为，古圣贤制琴作乐的目的，就是陶冶“一身之性情”，进而影响天下人之性情并使之归于“和”。
古典艺术中这种“和”的审美意识无疑带有儒家与道家艺术思想的痕迹，有着儒道互渗兼容的特点。当然，在这种互容之中，儒家“中正平和”艺术观的影响是主要的，“中和大雅”始终是中国古典艺术所追求的审美境界。而当今国策之思想精髓便是“和谐”，学生在对中国传统音乐的欣赏过程中不但能加强自身修养，还能逐渐领会“和谐”的丰富思想内容与厚重底蕴，从而充分发掘其所蕴含的当代价值，对于建设和谐社会有着十分重要的作用。
2.通过对中国传统音乐的了解，能加强学生爱国热情与民族主义精神
随着我国《教育法》的日益完善，如提出对受教育者进行爱国主义、集体主义、社会主义教育，进行理想、道德、纪律、法制、国防和民族团结的教育，尤其要求受教育者要继承和弘扬中华民族优秀的历史传统文化，吸收人类文明发展的一切优秀成果。因此笔者认为，作为民族优秀传统文化艺术的中国传统音乐应该进入高校艺术素质课堂，让广大学生细致深入地了解中国优秀的传统文化，从而热爱传统文化，更具强烈的民族自豪感。
3.开设中国传统音乐课程，能激发学生向世界传播中华民族优秀传统文化的热情
我国是著名的文明古国，因此，向全世界展示我们中国文化建设的成就，弘扬中华民族的优秀文化艺术，可促进全人类的文明与进步，为保障世界和平、繁荣与稳定提供依据，发挥作用，以加速促使国际大联合，打开“世界大同”之门。
中外文化交流有着悠远的历史。从《诗经》的西译与研究，到西域音乐传入中原以及唐诗宋词风靡世界的影响等等，中国文化在广泛的交流中，不仅为世界各民族文化的交流与传播贡献了自己的智慧和力量，也在不断地丰富着自己。人们越来越认识到中国传统文化本身所具有的普遍性和持久性，其深厚精萃的内质，是我们中华民族得以安身立命、得以强大的精神之源。因此世界各国在总体上皆肯定我们传统文化存在的意义，并争取进一步认识其精华之所在，以促使自己国家的繁荣进步与强大。这不但有利于我们弘扬优秀的民族传统文化，建设有中国特色的社会主义文化体系，而且有利于我们在对外文化交流中把握住正确方法和尺度。只有将中华民族文化的精华：真、善、美的神髓，厚德载物、自强不息的品德，强列的爱国主义激情，富有凝聚力的集体主义观念，理性主义的思想光辉等贡献给世界，才能使世界人民消除误解与隔阂，正确地认识和理解我们民族的文化，并尊崇我们的文化而使各国人民加强精神文明，以促使世界和平繁荣与稳定。
综上所述，并根据笔者多年从事普通高校艺术素质课教育工作的经验，在此提出自己关于普通高校艺术素质课程建设的意见与建议：中国传统音乐鉴赏不只是专业音乐院校的专有课程，而应该作为一个专题，甚至作为重点内容进入普通高校素质教育课堂，刻不容缓。
参考文献：
[1]王耀华杜亚雄编著，《中国传统音乐概论》，福建教育出版社。
“民间艺术”的领域很宽广，不乏“绝活”，如皮影、剪纸、编织、绣花、舞狮、糖人，等等，都是著名的手工艺术，是中华文化的瑰宝。在物质丰富而重视高品质生活的今天，受到更多的青睐，为海内外人士所喜爱。政府和民间组织都以各种形式传承和发展民间艺术，各地民艺展示场所层出不穷，当代美术教育教学中也出现了更多相关民间艺术的内容，但由于民间艺术的地域性强、系统性差、组织形式繁多等特点，较少在美术教育课程中系统呈现和传承，其应用与保护也鲜见于课程体系范围之内。研究民间艺术在美术教育课程中的传承和发展，其意义首先在于弘扬中国传统文化和传播中国传统文化。民间艺术是中国传统文化中灿烂的瑰宝，在物欲横流的当今社会中，发挥着陶冶个人品格、修身养性的功能，如何在各类纷杂的现代艺术中得以保护和传承，是对当代美术教育课程的挑战。其次，对美术教育课程设置本身具有重要意义。中国传统美术教育发展较早，在北宋时期，就出现了专门的皇家美术教育机构—画院。19世纪末，由于中国社会转型、西方思潮冲击，中国美术教育在中西文化的碰撞下不断融合，民间艺术的内容在美术教育课程中的地位岌岌可危。研究民间艺术在美术教育课程中的传承和发展，能促进美术教育课程设置更加合理。最后，应对中国高等教育大众化的需要。民间艺术源于民间，是中华民族在劳动实践中形成的艺术创作，研究民间艺术，合理设置民间艺术在美术教育课程中的比例，使其在教学中得以延续和发展，丰富民众的艺术生活。
二、民间艺术的表现形态
“民间艺术”起源于民间，与乡间生活、风俗民情、地域特色相辅相成，表现形态随民间生活百态多变，智慧的民间人士在寻求生活的过程中总结创作出各色民间艺术，使其在历史的进程中凸显灿烂。民间艺术的样式因其功能性可分为民间文学、民间音乐、民间舞蹈、民间手工、民间美术、民间建造、民间表演等形式，本文主要针对民间手工艺及民间美术进行探讨，追寻其起源发展及对当代美术教育课程中的继承与发展进行研究。《中国世界非物质文化遗产名录》内容中，涉及很多内容与本文研究相关，如：中国传统桑蚕丝织技艺(2009.10)、南京云锦织造技艺(2009.10)、宣纸传统制作技艺(2009.10)、龙泉青瓷传统烧制技艺(2009.10)、热贡艺术(2009.10)、中国书法(2009.10)、中国篆刻(2009.10)、中国剪纸(2009.10)、中国雕版印刷技艺(2009.10)、黎族传统纺染织绣技艺(2009.10)等，另外还有一些富有地域特色的艺术形式，如浙田的石雕、江苏的苏绣、江西的陶瓷、山东潍坊的风筝等，都是民间艺术的瑰宝。以下列举几项具有代表性的民间艺术形式。
1.以热贡唐卡为代表的手工绘画类
“唐卡”一词是藏文音译，《藏汉大词典》中的释义：画有图像的布或纸，可用轴卷成一束者。唐卡的绘制复杂，用料考究。颜料全为天然矿物和植物原料，色泽艳丽，经久不退，具有浓郁的雪域风格。最小的唐卡仅有巴掌般大小，画在纸上、布上或羊皮上;而大的唐卡可达几十甚至上百平方米。热贡唐卡以笔法细腻、匀净协调著称，画面给人以雄浑、博大之感，艺术效果非同凡响，画法上一般采用单线平涂略加烘染和色块填勾的手法，构图上都采用散点透视。画面上的神、佛、山水、花草、楼台亭阁、各种鸟兽等都绘得很细致、生动而色彩鲜艳，特别是一些被夸张变形的密宗造像，性格鲜明、形态各异，不同身份的神形态千变，姿态各异，各尽其妙。热贡唐卡在取景布局上视野广阔，不受时间、空间的局限，把同一主题而发生在不同时间、不同地点的事物组合在一起，使一幅作品犹如一本连环画，使画面有咫尺千里之感，具有较强的感染力。热贡唐卡的这种独到之处，使其在同类艺术中别具一格，成为藏画艺术的一种风范，也为美术教育的各类课程提供了素材和灵感。
2.以中国陶瓷为代表的手工制造类
中国是陶瓷的故乡，陶器这一造物形式从诞生之日起，就和自己所处的时代有着千丝万缕的联系，无论地区、民族的差异，无论受其他何种条件的影响，无论其器形、装饰风格等有怎样的变化和具有各自不同的特点，它都始终反映着属于这个时代的精神特质。随着人类生活的改善，以及宗教、风俗、生活方式等因素的影响，人类在陶制器具的造型及修饰上，增加了许多使用功能以外的装饰处理，于是陶制器具除了实用的功能外，更表现出美观与抚慰精神的作用。美源自于生活，也反映了生活，陶工们正是从表现生活、表达美的观念的角度，直接描绘现实生活的风俗风貌，或间接地富有寓意地表现人的思想和感情，从而创造了辉煌灿烂的陶瓷艺术文明。近年来，随着美术教育的发展，各高等艺术院校纷纷开设陶艺相关专业或课程，陶艺人才大量涌现，陶瓷艺术成为发展传承较好的民间艺术之一。
3.以皮影戏为代表的大众娱乐类
皮影造型是中国最古老的动漫角色造型，它集绘画、雕塑、文学于一身，是中国古老的传统玩具与游戏之一，现在的皮影已不仅局限于用于影戏操作的影人，更成为一种艺术的表现形式。皮影戏，古时称为“傀儡戏”，也可看作是中国最早的“动漫”，是现今动画片的前身，这一传统形式是一种非物质文化遗产。“一口叙说千古事，双手对舞百万兵;隔帐陈述千古事，灯下挥舞鼓乐声;三尺生绡做戏台，全凭十指逞诙谐;悲欢离合调，人间真美善恶”—皮影戏几乎集尽其能。
4.篆刻技艺、剪纸艺术、传统木结构营造等技艺类
篆刻以刻刀为工具，汉字为表象，由中国古代的印章制作技艺发展而来，能够表现书法的笔法和结构，还强调刻法的酣畅自由，在方寸间表现技艺，抒发感情。早在殷商时代，人们就用刀在龟甲上刻字，发展至今，篆刻技艺已有3700多年历史，印石、拓纸、刻法多变，集历代文人墨客的智慧，形成全国10余派别。剪纸艺术是最古老的汉族民间艺术之一，作为一种镂空艺术，它能在视觉上给人以透空的感觉和艺术享受。剪纸用剪刀将纸剪成各种各样的图案，如窗花、门笺、墙花、顶棚花、灯花等。每逢过节或新婚喜庆，人们便将美丽鲜艳的剪纸贴在家中窗户、墙壁、门和灯笼上，节日的气氛也因此被烘托得更加热烈。由于剪纸的工具材料简便普及，技法易于掌握，有着其他艺术门类不可替代的特性。传统木结构营造技艺是古老的汉族传统手工技艺。是以木材为主要建筑材料、以榫卯为木构件的主要结合方法、以模数制为尺度设计和加工生产手段的建筑营造技术体系，这种营造技艺以师徒之间“言传身教”的方式世代相传，延承至今。代表作有苏州园林、北京四合院、西递宏村、蔡氏古民居等。
三、民间艺术在美术教育课程中的体现、传承和发展
中国自20世纪初开始，一直受到西方文化思潮的影响和冲击，随着科技的发展、信息的网络化、交通的日益快捷使得全世界越来越像一个村落，东西方文化的融合交织、冲突对抗在21世纪变得越来越难以分割且又越来越激烈。当前中国的高等教育体制大多模仿西方，以学年制、学分制为主要体制，以分类课程为基础，其中贯穿教学实践。民间艺术因其地域性、系统性差、组织形式不系统等特点，较少在美术教育课程中系统呈现和传承，其应用与保护也鲜见于课程体系范围之内。但随着人们对民间文化保护和继承的重视，目前各类艺术院校已逐渐在课程体系中增加相关内容或专业。以中国美术学院为例，分析民间艺术在美术教育课程中的地位及其传承和发展。
1.作为单独专业方向或课程在美术教育中体现
中国书法、篆刻等一直以来深受国内外文人墨客的喜爱，因此也成为民间艺术中保护和传承较好的一类。以中国美术学院为例，作为全国重点美术类高校，肩负振兴民族艺术的历史使命和责任，注重理念传承，艺术创新。所设书法系是目前国内高等院校唯一独立设置的书法系科，其前身是创设于1963年的中国画系书法篆刻专业，2001年正式成立书法系，目前已设立书法理论、书法与篆刻、书法与教育等多个专业方向。该系坚持弘扬传统精神，以“固本培元、借古开今”为方针，强调国学基础，重视文化修养，突出理论与实践、基础与个性、综合与专精相结合，以培养具有较高书法篆刻创作实践与学术研究能力的专门人才为目标，形成了富有学院特色的高等书法教育教学体系。以独立的专业设立，体现了美术教育对民间艺术传承和发展的重视，也说明民间艺术本身在科技发展信息爆炸的当今，仍具有精神层面的重要意义。
2.在中西融合课程改革中具有重要地位
现代中国高等教育体系深受西方影响，具有较强的系统性。而民间艺术中大部分艺术形式缺乏组织系统，讲究随性而为，师徒授受。两者一张一弛，互为影响，在现代美术教育改革中发挥重要作用。比如熟知的中国画，作为典型的传统民间艺术，在中国古代的美术教育中，并非正规的学校教育，即使曾出现专门的皇家美术教育机构—画院，其主要教育仍主要由民间自发进行。所以，古代中国画教育的评价标准、艺术理论、美术思潮、教育教学方法也是散落于从先秦到明清的画论、书论、印论及有关历史古籍中，以“评”“品”“断”“议”“赞”“录”“谱”“序”“跋”“记”“随笔”等形式记录下来。随着西方文化的渗入，中国画教育逐步由民间的非正规教育发展到以学校为中心的正规教育。相似情况在现代美术教育各专业或课程中都有体现，如传统印染技术、壁画艺术等。这类民间艺术在各美术教育院校既要求课程的系统性延续性，又强调传统教育中模仿、自学、领悟的教育方法，让民间艺术在美术教育中不仅内容得以传承，其涵盖的教育特性也发展延续；不仅自身得以传承，也为现代美术教育增色。
3．在新技术支持下民间艺术在美术教育中画龙点睛
中国有着深厚的文化底蕴，拥有五千年历史。历史文化源远流长，民族文化多种多样，民间流传许多经典的民间故事、传说和神话。现在技术发展迅猛，世界正经历有史以来最大的信息流量和流速，国内外各种传播媒介中糅合了大量本土内容的优秀产品，基本都是根植于民族文化和民族传统之上的。不仅产生了属于自己特有的艺术风格和特色，而且还让我们更直观深入地了解民俗文化。近年来，因人们对民间艺术的重视，出现了许多源于民艺的生活用品或艺术形式。陶瓷艺术最具代表，陶瓷本是源于民间生活中使用的器皿，经过几千年的发展演变，陶瓷不仅可以制作碗碟器皿，亦可应用于室内装饰、汽车工业、精密仪器、甚至医学等领域。在现代技术引领的美术教育课程中，将民间艺术单独作为一门课程似乎小题大做，但其在课程中画龙点睛的一笔不容小觑。我们在利用新技术制作具有中华民族特色的美术作品时，不仅是对民俗艺术或者文学作品等丰富资源的利用，更多的是在内容上体现一个国家的人文精神、民族文化、道德品质。要想让美术教育朝更好的方向发展，我们必须统观全局，充分利用现有资源，打造具有中国特色的新技术引领下的美术教育课程。
四、结语
【关键词】工艺美术人才培养现代性创新
在文化创意产业飞速发展的今天，缺乏个性和内容类似的课程影响了专业人才能力的提升。建立有本地区文化特色的课程教学方法，可以使高校设计教育得到更高层次的提升，也只有在各地高校建立起有自身的特色优势的专业课程，才能使中国工艺美术设计能力有整体性的提高。
传统工艺美术流传到今天，对其保护应采用继承与发展的观念，在保护中有传承、在传承中有转型、在转型中有创新、在创新中有研发。更重要的是，工艺美术人才的能力培养，要从口传心授的培养方法转化为和现代艺术教育相结合的培养模式，使传统工艺绝技后继有人。
新形势下，对工艺美术专业人才能力的培养尤为重要，应从以下几方面着手培养。
一、实行传统教学与现代教学的双向型教学手段，培养工艺美术人才的设计能力
传统教学是指教授美学理论与美术史论等知识，一方面让学生了解掌握中国传统文化，既包括课程中开设的中国美术史、中国工艺美术史等理论知识；另一方面，也让学生对中国传统的工艺美术作品的样式、风格及技法等进行研究和模仿。双向型教学手段的实施是对传统教学和现代教学的双向整合。尝试创办双轨制教学体制模式：一是艺术修养的培养，在课程上体现为初步探索，从视觉认知原理的角度引导学生进行探索，主要训练学生的审美感悟力和审美创造力；二是作坊式工艺学习方式，可聘请技艺娴熟的作坊公司技术人员为导师，由导师指导，学生设计样稿并制作，与厂商洽谈订购，以取得一定的经济回报。教学模式和理念是实行双向型教学手段的重要实践环节。
二、以差异性的课程安排为特色，培养工艺美术人才创新能力
现代艺术设计教育体系应具有民族性、国际性和时代感，它们之间是相互依存的关系，缺一不可，如果一件工艺美术品脱离了特定的民族文化背景及文化底蕴和地域风格，那么也就缺乏了时代感与艺术性，培养出的工艺美术人才就缺乏创新意识，也就没有前途。挖掘具有地方特色的民间工艺美术资源并融入教学中，对于工艺美术人才能力的培养具有重要意义。在实践中，应以差异性的课程安排为特色，对工艺美术多元化的教学模式进行探索，并进一步确定重点特色课程的方向。
要发现本地区的民族元素资源，可以有两种方法：一是通过查询历史，挖掘本地区已有的艺术资源，寻找艺术遗产；二是区域特色产业与工艺美术设计课程结合发展，把本地区的工艺美术资源和历史文化遗产作为课程教学宝贵的素材。地方特色的工艺美术与高等教育之间可以相互促进，将这些独具民族特色的文化艺术资源与现代工艺美术教学模式有效结合，从而培养工艺美术人才的创新能力。
三、教学场地实行工作室教学模式，培养工艺美术人才的就业能力
目前，很多高校的课程教学都是统一模式：在课堂上讲授课程理论，学生毕业后到公司实践技能，社会实践主要依靠学生大四的专业实习来解决。但由于实习周期短，实习生在公司不受重视等，学生很少接触设计运作的关键环节，毕业实习很难达到预期的教学目标。由于深入生产制作的实践少，有些学院提供的制作车间和工作室有限和不足等，导致学生缺少体验“做工”的感受。学生应充分同社会接轨，按照公司的操作流程完成任务，在实际操作的动手过程中，对工艺美术行业从认知到实践有全方位的认识和掌握。教学场地实行工作室教学模式，让学生及早感受到公司的运作模式，能够更好地提高其实战能力，缩短学生与公司的距离，以更好地适应毕业后的工作环境。
工作室模式的教学环境可以让学生尽早进入工作状态，学生通过对工艺美术的实践与制作，掌握材料的工艺性能与经济成本等一系列相关专业知识，并在操作实践中，使自己的技能更全面、更熟练。我们要从宏观、整体和系统角度把握设计制作问题，培养工艺美术人才的就业能力。
结语
我们的工艺美术教育走到今天，在现代设计教育背景下，需要重视对传统工艺美术的学习和研究探索，实行传统教学与现代教学的双向型教学手段，培养工艺美术人才的设计能力，并对其进行创造性的演绎和转换，培养工艺美术人才的创新能力，形成具有现代特色的工艺美术教学模式。丰富的民族传统工艺展现了各个地区丰富的历史文化资源，要使宝贵的民族工艺美术资源得以留存和发展，就应该把现代工艺美术教育体系与传统工艺美术技法相结合，寻找传统工艺美术与现代经济文化之间的关联并发现相互转化的可能。
总之，面对当前文化创意产业带来的教育模式改革，我们应该把培养工艺美术人才的设计能力、创造性思维能力与良好的就业能力相结合；把培养具有深厚理论知识和创新能力的人才作为未来主要的发展方向，注重挖掘和发展民族地域文化特色，走出具有中国特色的工艺美术教育之路。
参考文献：
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[2]潘鲁生.设计艺术教育笔谈[M].山东画报出版社，2005.
[3]张健.关于传统工艺美术现代性转换的几点思考[J].设计艺术（山东工艺美术学院学报），2009（1）.
理论上说，高校可以是民族文化遗产得以保存和传承的净土，但因为旧时传统工艺教育长期停留在外在装饰层面进行传授，给人陈旧、繁复俗美、缺乏实用性的印象。面临开放，西风东渐的涤荡，高校为了缩短与国际当代设计教育的差距，迅速引进多媒体、数码技术等新兴学科、新理论，传统工艺教育被理所当然地“吐故纳新”为零散化、边缘化的内容，直至退出高等艺术设计教育的课程体系。
一、关于“旧”与“新”的认识
在中国“新”与“旧”的语汇中，我们最多看到的是有如：吐故纳新、推陈出新之类的成语，这折射出在中国人的思想中对“新”的接纳与对“旧”的摒弃的观念常态。在艺术设计教育在中国发展的近代历程中，传统与现代的争论曾多次被推倒台前。
（1）1903年清政府颁发的“癸卯学制”和l922年国民政府的“中国历史上第二个官方学制”，已经对传统工艺的传承作了相应的规定。
（2）l956年以中央工艺美术学院成立为标志的“工艺美术教育”开端，工艺美术杂志创刊。
（3）60-70年代，初期的设计基础课程注重通过临摹、写生自然等方式来进行造型方面的练习。
（4）80年代后，德、日的设计基础课程三大构成成为设计教育新趋势的思想和系统。在一些院校，对待现代设计与传统工艺的关系上发生争议。
（5）90年代末，设计教育家们掌握系统的设计思维方法，从只注重美感的形态研究转向对生活环境的理性剖析与探索，企业策略与设计管理教育成为一种新的发展趋势。从西方借鉴来的新的现代设计教育体系开始主流化，传统工艺课程逐步淡出课程体系。
传统工艺美术属于“应用艺术”，“以物品的广义的装饰性功能为其主要要素”，并将其分为七类：陶瓷、漆器、金属、牙雕、木材、玻璃、染织。它是以手工业和传统工业为基础的美术技巧，以美化产品为目的，能与中国经历了几千年的手工艺一脉相通，并不与现代设计理念相悖，所以不应该只被当为过时的文化形式被摒弃，而应通过与现代设计的融合获得了持续的生命力。
艺术设计教育，就总体目标通俗地说，就是一方面要帮助学生认识和继承前人创造的文化传统，另一方而又要激励学生怀疑、批判乃至超越传统进行创新。但在朝着这个目标前进的道路中，教育将必然要受到社会发展和需求的诸多因索的影响和制约，而出现不平衡性。因此，不断地调节前进的方向，使其达到“生态平衡”（黄维:“关于艺术设计“创新教育”的理性思考”,《装饰》，2002.01.）是艺术设计教育改革的主要目的。因此“新”的现代设计教育并非与“旧”的工艺美术教育处于完全对立、割裂的位置，而应该是能互相融合与渗透的。
二、传统工艺美术课程融入现代设计教育体系的想法
1、从精英教育到普及教育
今天高等教育不再是精英教育，而是面向大众的普及教育。因此发展完整的现代艺术设计教育体系，不仅仅是专门的高等艺术院校的事业，艺术设计专业内的事，而应当是遍及全社会的一项教育事业。全民的艺术素养提升和文化遗产保护意识的增强才能理解、欣赏甚至升华本名族传统的美学理念、工艺作品，才能有意识地传承工艺技艺。目前国家教育水平日趋提高，尤其是艺术设计教育的快速扩张给传统工艺美术的普及化提供了发展契机。截至2010年，全国已有1400多所大专院校开设了艺术设计专业。为了让中国传统工艺美术不仅仅是艺术设计专业学生的专享。课程可以全校公选课的形式面向全校各专业学生开放。课程内容可以以专题的形式，涉及民间美术中的剪纸、皮影；涉及具有中国传统审美情趣的中国画、书法；涉及中国传统生活实用领域的建筑、瓷器、家具、刺绣、染织等。上述教学实践在湖南农业大学以美术欣赏课的形式面向全校开放。选课率居全校公选课前列，取得了预期的教学效果。在开设的五年内，平均每年受益学生达2500人左右，占全校学生的10%。
2、增加相关课程比重
在对中国诸所高校艺术设计专业课程设置的调研中我们发现带有传统工艺美术性质或相关内容的课程少之又少。梳理教学形式老旧、无法适应现代设计教学理念的课程。适当增加天然染织、陶艺、剪纸等动手操作性强且集萃了中国人生活方式和审美形态的选修课程。笔者所在学校在过去几年的教学实践中，以民间美术、文化与设计为代表的工艺美术相关课程在教学过程中，不再流于对传统艺术形式的模仿，而强调发现身边的传统工艺美术符号，并将现代的设计方法与传统元素有机融合。课程所传授内容并非静止的知识，而是能让人感受到文化归属感和激发创意的灵感源头。课后同学自发的组织课堂成果展览，又再一次使传统工艺美术传播范围扩展到全校。
3、专业主干课融入，从形式到内涵挖掘
日本传统文化设计大师原研哉在《设计中的设计》中曾提到，“将已知事物陌生化，更是一种创造。”传统工艺美术所包涵的大量原生态艺术图形和工艺技法具有人类本源的思维意象，及大量生产、生活经验累积，给当代设计者提供本源的设计思路，有助于形成出奇制胜又合情合理的创意。针对目前传统工艺美术相关课程与其它艺术设计相对割裂的状况，笔者认为在专业主干课程中融入传统工艺美术的内容。如视觉传达专业的字体设计课强调中文字的造字体系、笔画、由来；书籍设计课可以融入不同类型中国传统书籍装订方法；在其他专业主干课程中强调应用传统元素的内涵形态，并以内涵形态设计范例为内容，促进教师与学生对于传统元素形态的重新认识与设计。以教学大纲为指导，保障内涵形态设计教学的顺利进行。如笔者带领学生到大理、丽江、香格里拉考察期间，在民族图案考察与写生的过程中，引导学生观察白族、纳西族、藏族图案的造型、色彩差异，分析引起差异的原因，而不仅是单纯的临摹或拍摄图案。带着问题思考和观察，学生明显的提高了学习兴趣，并能在考察过程中对少数民族特点、生活方式进行深入了解，取得了理想的考察效果。
一、课题的现实背景及意义
（一）选题背景
1、党中央对于传统文化传承和教育的高度重视
党的十八大以来，围绕传承和弘扬中华优秀传统文化，发表了一系列重要论述，特别强调“要讲清楚每个国家和民族的历史传统、文化积淀、基本国情不同，其发展道路必然有着自己的特色；讲清楚中华文化积淀着中华民族最深沉的精神追求，是中华民族生生不息、发展壮大的丰厚滋养；讲清楚中华优秀传统文化是中华民族的突出优势，是我们最深厚的文化软实力；讲清楚中国特色社会主义植根于中华文化沃土、反映中国人民意愿、适应中国和时展进步要求，有着深厚历史渊源和广泛现实基础”，指出：“优秀传统文化是一个国家、一个民族传承和发展的根本，如果丢掉了，就割断了精神命脉。”党和国家对于传统文化的高度重视，证明了在义务教育阶段，开展优秀传统文化渗透和教育，有着迫切的意义。
2、《课标》关于小学美术教学的要求
《小学美术课程标准》中提出：“学会欣赏不同国家、不同时代和不同文化的美术作品，学会尊重与理解世界美术文化的多样性。”美术是人类文化的一个重要组成部分，与社会生活的方方面面有着千丝万缕.的联系。通过美术课程，学生了解人类文化的丰富性，在广泛的文化情境中认识美术的特征、美术表现的多样性以及美术对社会生活的独特贡献，并逐步形成热爱祖国优秀文化传统和尊重世界文化多样性的价值观。同时，《课标》中指出，美术课程应该以弘扬社会主义核心价值观为导向，继承和发扬中华优秀传统文化。课件，传统文化在美术教学中，具有十分重要的地位。美术课堂应该更多关注传统文化的渗透，更多关注传统文化的传承，并且促进小学生对于文化的认知。而我国的传统文化博大精深，除了传统的各种节日文化、剪纸文化等，还有流传在各地的民间艺术文化，这些，都代表着中国传统文化的精髓。在小学美术的教学中，应该更多关注各地的民间文化，特别是已经进入非物质文化遗产名录的珍贵文化，将其融入到小学美术的教学中，以拓展小学生的文化认知，传承和发扬优秀的民间文化。
3、小学美术学科核心素养的要求
近年来，随着新课改和素质教育的不断推进，核心素养成为了当下最重要的教育目标，从中国学生的核心素养，具体到各个学科中，形成了学科的核心素养，小学美术的教学中，也要求培养学生的图像识读、美术表现、审美判断、创意实践以及文化理解五大核心素养。并且结合课标，呼吁在小学美术教学中，着力培养小学生的“文化理解”素养。文化理解素养属于一个广泛复杂的教育范畴，各个国家、地区、民族之间的文化底蕴不同，文化精髓也会发生各种转变，衍生出的美术作品都会散发出地域性的文化特色。在小学美术教学中，课本中包含了很多美术鉴赏方面的教学内容，这些都是引导学生提高美术文化理解的主要内容。但是很多美术教学内容贯穿古今，包含世界各地的美术文化，小学生在美术理解和认知方面的经验不足，如果强势采用灌输的方式让他们学习，实际的文化理解素养提升效果并不理想。民间美术植根于民间，至今为止，很多传统民族美术文化依然活跃在人民大众的生活中，也为很多小学生所熟悉。
基于以上背景，本课题结合代表着天台地区优秀民间传统文化内涵的天台抬阁艺术，提出天台抬阁艺术走进小学美术课堂的实践研究。
（二）选题意义
本课题的研究，将天台抬阁艺术与小学美术教学结合起来，课题的研究，具有理论和实际上的双重意义。
首先，从理论上看，本课题的研究，将目光聚焦于的天台抬阁艺术，着力于民间艺术与小学美术课堂的融合，对于民间美术进课堂、小学生美术核心素养、小学美术拓展课程等方面的理论，都能够起到充实和丰富的作用，为构建这方面的理论大厦提供动力。同时，本课题在前人研究的基础上，形成了自己的观点和看法，这些观点和看法，也可以为以后的相关研究，提供理论上的借鉴，为其他学者的研究，提供学术参考的价值。
其次，从实际上看，本课题的研究，具有以下几个方面的实际意义：
第一，促进民间艺术在小学教育中的传承和发展。早在2006年，天台抬阁艺术就已经进入了非物质文化遗产保护名录中，但是随着时代的发展，抬阁艺术在街头巷尾都已经很少出现，很多学生甚至都没有见过这种传统艺术形式。将其作为民间艺术融入到小学美术教学中，能够让这项民间艺术走进小学生的视野，让这项艺术从小学教育中的到发展和传承，为传统文化的发展提供助力。
第二，促进小学生美术核心素养的培养。抬阁艺术中，不仅包含着传统文化的魅力，同时，还结合了音乐、美术、绘画、手工、戏曲等多种文化形式，将其应用到小学美术课堂中，不仅能够加深学生对于这项艺术的文化理解，同时，还能够借助多元化的艺术表现，促进学生的审美判断，并且通过让学生亲身实践，来培养学生的创意实践。由此可以看出，天台抬阁艺术与小学美术课堂的融合，对于学生美术核心素养的培养，能够产生实质的帮助。
第三，能够为小学美术拓展课程的构建，为美术教师课堂内容的创新，提供实际的帮助。将天台抬阁艺术应用到小学美术课堂，不仅可以在课堂教学中，还可以应用到课外拓展和实践中，这对小学美术拓展课程的构建能够形成帮助。此外，课题形成的民间艺术的教学形式和手段，也可以为美术教师课堂教学的改进，提供借鉴和帮助。
由此可以看出，本课题的研究，有着理论和实际上的双重意义。
二、国内外关于同类课题的研究综述
随着素质教育的推进，以及国家对于传统文化的高度重视，民间艺术与小学美术教学融合的研究，已经越来越成熟，各个地方都对于自身本土的民间文化有了较多的关注，民间美术与小学美术课堂的融合研究已经比较丰富。王胜选在《民间美术在小学美术教育中的功能探究》就提出了，民间美术的认识功能、教育功能、文化功能以及审美功能，都能够应用到小学美术教育当中，提升小学生的美术学习兴趣。刘欣奕的《民间工艺走进小学美术课堂的探究》也指出民间工艺与小学美术课堂融合，这个融合也可以提升小学美术教学综合效果.这也是对民间艺术的创新和传承,使我们的传统艺术不会在历史的长河里被埋没。周扬的《地方美术资源在小学美术教育中的开发与利用》中，以河南安阳地区的美术资源为例，提出了将安阳美术资源应用到小学美术教育中的对策，提出依靠安阳地区的美术资源，构建小学美术的地方特色课程，促进美术资源与美术课堂的融合。此外张莹莹探讨了非物质文化遗产进入美术课程资源系统的研究。齐苗苗提出陕北民间美术在小学美术教学中的应用研究、李莱针对云梦皮影在小学美术教学中的开发与应用进行了研究等等。这些，都可以看出民间艺术在小学美术课堂中的应用，已经有了十分丰富的理论基础。这些研究，为本课题的研究，提供了相当可靠的理论借鉴。
但是，虽然民间艺术走进小学美术课堂已经有了充分的研究，但是，关于天台抬阁艺术与小学美术课堂融合的研究，目前还没有任何相关资料。这就给本课题的研究，带来了一定的难度，但是，也为课题研究留下了空间，让本课题的研究，填补抬阁艺术与小学美术融合研究的空白。
三、课题研究的目标、概念界定及创新点
（一）课题研究目标
本课题的研究，通过天台抬阁艺术应用到小学美术课堂进行研究，旨在实现以下的课题研究目标：
1、通过课题的研究，能够对天台抬阁艺术形成全面的认识，知道抬阁艺术的表现形式和发展源流，明确抬阁艺术的教育价值。
2、通过本课题的研究，认识到当前民间艺术在小学美术课堂的应用现状，明确民间艺术应用到小学美术课堂的具体方向。
3、通过本课题的研究，可以针对天台抬阁艺术走进小学美术课堂提出具体的实践对策和拓展策略，形成系统的天台抬阁艺术应用形式。
（二）概念界定
抬阁：抬阁，又称擡阁，是集历史故事、神话传奇于一体，融绘画、戏曲、彩扎、纸塑、杂技等艺术为一身的特色传统民俗舞蹈。
天台抬阁：天台抬阁，因四个人扛抬着一个阁子式的台柜而得名。底座是坚固的方形木架，四角各竖一根竹杆，饰以彩条，顶上覆以蓬盖，披红挂绿，悬灯结彩。台上有一至数名长相漂亮的6至8岁儿童，扮成各种戏剧人物或神话人物。它是天台最具特色的民间艺术之一。
天台抬阁艺术走进小学美术课堂：基于天台抬阁艺术中的美术元素，与小学美术课程标准结合起来，将天台抬阁艺术中的美术表现、审美、教育、文化认知等功能应用到小学美术教学当中，进而促进小学美术课堂教学的丰富，促进小学生文化理解能力的提升。
（三）创新点
本课题研究的创新之处在于：首次将天台抬阁艺术与小学美术课堂结合起来，为民间美术走进小学美术课堂的研究提供更为丰富的观点和看法，并且结合地方教学实际展开研究，有着很好的创新意义和实践价值。
四、课题研究的内容
针对课题的研究目标，本课题的研究，主要围绕以下几个方面的内容展开：
1、天台抬阁艺术在小学美术课堂应用的理论研究
主要针对天台抬阁艺术的特点、溯源、艺术表现形式等进行分析，并且针对天台抬阁艺术的美术教育功能进行分析，进而分析天台抬阁艺术在小学美术课堂的应用价值。通过这些研究，为课题的实践研究提供理论基础。
2、天台抬阁艺术在当地小学美术课堂应用的现状研究
针对当地小学美术教师以及学生展开问卷和访谈调查，针对学生对于天台抬阁艺术的认知、教师在教学中的应用情况进行调查和分析。明确当前小学美术课堂中天台抬阁艺术的应用现状，以及学生的认知现状，为接下来的实践研究奠定现实基础。
3、天台抬阁艺术走进小学美术课堂的实践研究
从理论基础和实际调查基础出发，提出天台抬阁艺术走进小学美术课堂的实践研究，这部分研究，主要从四个方面来展开：
（1）天台抬阁艺术在“造型·表现”中的应用研究
抬阁艺术走进美术课堂，首先，就要让学生对于天台抬阁艺术有着清晰的认知。因此，这部分的，将会引入天台抬阁艺术的主要造型、设计、色彩等表现，让学生针对天台抬阁艺术中的主要艺术表现有着一定的认知，从而为进一步的探索提供基础。
（2）天台抬阁艺术在“设计·应用”中的应用研究
在认识了天台抬阁艺术后，学生对于抬阁艺术的造型、结构、色彩等有了基础的认知以后，就可以接触天台抬阁艺术的具体制作过程。这时候，就可以让学生参与设计和制作天台抬阁艺术。可以首先以天台抬阁艺术原有的故事背景入手，设计制作出抬阁艺术的造型和表现。然后让学生进行自主创编，设计更多的抬阁艺术表现，提升学生的创造力。
（3）天台抬阁艺术在“欣赏·述评”中的应用研究
民间艺术的融入，除了让学生参与其中，更要让学生理解其中的文化内涵，因此，就需要在这部分的研究中，引入对于天台抬阁艺术的欣赏。包括对于审美的欣赏、色彩造型的欣赏、文化的理解等。通过欣赏与书评，提高学生对于天台抬阁艺术的审美判断。
（4）天台抬阁艺术在“综合·探索”中的应用研究
天台抬阁艺术，除了欣赏、设计和制作。还需要学生参与到其中，要有着更加深入的拓展和探索。因此，就需要通过综合探索，帮助学生理解天台抬阁艺术。比如通过让学生参与天台抬阁艺术的表演、走进艺术家聆听教诲、自编自演抬阁艺术大赛等。形成抬阁艺术在校园的进一步延伸。
通过这四个方面的研究，将天台抬阁艺术的应用与课程标准的要求紧密结合起来，形成抬阁艺术与小学美术课堂的深度融合。
4、天台抬阁艺术走进小学美术课堂的拓展研究
在课堂应用研究之外，针对天台抬阁艺术在小学美术教学中的拓展展开研究。例如打造天台抬阁艺术校本化课程，基于天台抬阁艺术的美术综合实践活动等,形成天台抬阁艺术的进一步深化和应用。
五、课题研究的方法、步骤及预期成果
（一）课题研究的方法
1、文献研究法：通过知网、万方、百度学术等文献数据平台，查阅相关的文献资料，梳理国内外研究的现状，找到当前学术界对本课题研究所取得的成就与不足，形成与本课题相关的理论支撑，为本次课题研究提供理论基础和理论指导。
2、问卷调查法：主要是通过设计调查问卷，发放和回收调查问卷的形式，深入了解天台抬阁艺术在小学美术课堂的应用现状。
3、总结归纳法：主要是通过对调查所获得的信息、数据和情况进行总结归纳，找到当前天台抬阁艺术在小学美术课堂应用的的主要问题，并针对问题总结归纳，提出具体的实践策略
4、案例分析法：以美术课堂教学中的实际教学为例，展开相应的研究。
（二）实施步骤及预期成果
研究
阶段
研究
时间
阶段目标
预期成果
准备
阶段
2022年10月
——
2022年11月
1.成立课题组，讨论课题研究的方向，全面搜集整理相关文献资料，确定课题题目；
2.进一步梳理相关的文献资料，针对天台抬阁艺术的内涵、价值等基础资料进行收集和整理。
完成课题申报
实
施
阶
段
2022年12月
——
2022年7月
实施阶段是完成本课题研究的实质性段，针对上述情况，我们对研究对象进行跟踪调查、研究，本实施阶段按三个阶段进行，各阶段的教育目标与要求逐步加深。
第一阶段：
（1）针对周边小学教师和学生家长进行调查和访谈，对天台抬阁艺术在小学美术课堂应用的现状进行分析并且通过调查撰写调查报告。
（2）根据调查报告，提出天台抬阁艺术在美术课堂应用存在的问题，并且结合自身教学实际，提出具体的对策。为本课题的研究工作的顺利开展，做好充分的准备。
调查报告
第二阶段：针对课题实施的情况进行中期的总结和报告，反省存在的问题，并组织课题组成员进行综合、分析、整理，并针对性地制订了第二阶段的研究方案。
研究论文
教学案例
第三阶段：通过阶段性总结发现问题，调整研究方案，积累资料，做好阶段成果总结与分析。
论文
研究报告
总结
阶段
2022年8月
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2022年10月
1.对实施操作过程中积累的资料进行汇总、分类，做好资料的补充、完善工作。
2.对实践前后进行检测，做好统计分析。
结题报告
六、研究条件分析
1.课题负责人由天台县坦头中心小学陈慧雅担任，本人长期关注课程的设计与开发，以教育传承地域文化，积极推动地域文化发展。参与过市规课题和若干县课题的研究并都已结题。
2.参加课题组的成员都是学校的一线干部教师，具有较强的教科研能力。
3.学校研学基础雄厚，研学人才集聚。学校领导重视教育科研工作，营造良好的科研工作氛围，在人力、物力、财力研究经费上保证课题研究顺利进行。
参考文献：
[1]曾润.让传统民间美术进入学生的审美视野[J].中国教育学刊,2018,308(12):109.
[2]索峰.肘阁,抬阁的民间美术意蕴探微[J].艺术研究:哈尔滨师范大学艺术学院学报,2019(5):40-42.
[3]刘欣奕.民间工艺走进小学美术课堂的探究[J].新课程(中),2019(8).
[4]王洪强.浅议传承民间技艺,构建小学美术特色课堂[J].中国校外教育,2019(17):15-15.
[5]荣婷婷.民间美术在小学美术教学中的应用[J].教育艺术,2019(11).
[6]刘妮,杜坤.浅谈传统文化遗产抬阁艺术——以河南安阳曲沟抬阁为例[J].武术研究,2016(6):92-95.
