关键词：艺术宗教宗教思想艺术观念
宗教和艺术是人类社会的两大文明现象，它们之间有着非常密切的关系。宗教和艺术之间存在着许多同一性，两者相互影响。
一、艺术与宗教的同一性
艺术与宗教之间存在着许多同一性，主要表现如下:
(一)从艺术起源看，原始宗教是艺术起源的源泉
宗教与艺术的起源可以追溯到太古人的太古生活时期。大部分艺术诸如音乐、舞蹈、雕塑、绘画、陶器等都是从这一时期的仪式和物体中发展而来的，这些仪式和物体最初被设计主要用于表现神秘的神性控制，庆祝各种宗教节目以及显示强烈情绪本身的需要，或因战争能力而表现出的兴奋与狂喜，所有这些都是原始宗教的活动。舞蹈和音乐是原始人宗教情感的重要形式，它们是宗教祭典的主要组成部分。据我国著名的东方美学大师、艺术考古学家常任侠先生考证，舞与巫原同一字。中国古代的许多文献里也大量记载了原始歌舞的场景，如《尚书，益筱》中有“击石扮石，百兽率舞”。《周官，司巫》有“若国大旱，则师巫舞零”等。可见，原始歌舞和巫术仪式紧密相关。这在今天一些少数民族重大节日中也有反映。
雕塑、绘画和彩陶等是造型艺术发展较早的艺术样式，考古发现这些早期的艺术式样，无论是我国现有的最早期岩画，还是欧洲发现的大量史前洞穴壁画，都具有某种神秘的巫术目的。如尼日利亚头雕、拉斯科洞穴岩画、宁夏贺兰山岩画、青海陶盆、广西花山岩壁画等等，这些人类早期的造型艺术作品大多是出于巫术目的或带有宗教色彩而创作的。
(二)宗教和艺术都采用想象和幻想的反映方式
想象和幻想是艺术思维的重要特点。想象和幻想不仅在艺术体验、艺术思维、艺术传达等艺术创作过程中有着重要的地位，而且在艺术作品和艺术接受中也发挥了重大作用。没有想象和幻想就没有艺术，不仅孙语空、猪八戒这样的虚构艺术形象要靠想象和幻想来塑造，就是所谓写实艺术形象的塑造也需要想象力，如阿Q、方鸿渐等。
宗教思维方式也充满了想象和幻想，马克思曾指出:“宗教把人的本质变成了幻想的现实性”。宗教的意义依靠丰富的想象和幻想来建立自己的思想体系，并在意义中加以生动的描绘和表现。所有的宗教崇拜对象都是幻想虚构出来的各种实体，对神和上帝的认识是幻想的产物，离开了幻想和想象就不可能有宗教的存在和发展。
(三)宗教和艺术都带有情感特点
情感是艺术创作中的一个不可忽略的重要元素，它不仅构成艺术表现的内涵，而且从头到尾伴随着艺术的全部活动。没有情感，就没有艺术。宗教同样也需要情感，宗教情感是宗教信仰产生的动力，宗教信仰是人们对信仰的对象的情感态度的结果。马克思认为:“宗教是被压迫的生灵的叹息，是无情世界的感情。”宗教情感和艺术情感都比较注重人的情感，人类的生与死、善与恶、灵与肉等问题都成为宗教和艺术共同探讨和表现的主题。艺术情感和宗教情感都是为了满足人们心理的需求和精神寄托。
(四)宗教和艺术都是通过形象来表达自身
形象性是艺术的基本特性之一，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。哲学社会科学总是以抽象、概念的形式来反映客观世界，艺术则是以具体的、动感人的艺术形象来反映社会生活和表达艺术家的思想、感情、意志。普列汉诺夫指出“艺术既是表现人们的感情，也表现人们的思想，但并非抽象地表现，而是用生动的形象来表现，这就是艺术的最主要特点。”各种具体艺术门类，它们所塑造的艺术形象又都具有各自不同的特质，文学作品中的形象需要通过语言的中介，经过读者的联想与想象才能得以实现。音乐虽可直接作用于人们的听觉，但其创造的形象却不够明晰，不够确定，仍需要声音的中介，才能引起听众的联想与想象。绘画、雕刻等作品中的艺术形象是视觉形象，在空间中有着确定的形象，则是完全明晰的，可以直接为欣赏者的眼睛所把握。
以直观、生动的形象进行宣扬，是宗教的一个重要手段。比知在教堂里使尸绘画和雕塑的诸多形象来说明宗教真理和增强宗教氛围，就是一个例证。拜占庭神学家大格列高利曾说过:“在教堂里使用绘画和雕塑的诸多形象，为的是让那些不识字的人们朝壁上看，至少可以读到他们书上无法读懂的内容。”宗教的形象性，能将宗教教义、宗教人物、宗教故事等融为一身，从而使宗教成为一种特有的宗教艺术。
二、艺术对宗教的影响
(一)艺术影响宗教首先表现在参与宗教活动
早在艺术诞生的初期，原始的歌舞、表演、绘画、雕塑等，在当时更多是一种巫术或宗教活动。远古的图腾歌舞本身就是一种狂热的巫术礼仪活动，只是到了后来，这种图腾歌舞才衍变分化为歌、舞、诗、乐、绘画、戏剧等等。人类进入文明社会以后，艺术仍然参与宗教活动，从音乐来看，有用于各种宗教仪式和宗教活动的宗教歌曲和宗教音乐。如道教的斋酸乐、佛教的唱经乐等。
(二)艺术对宗教的影响也表现在艺术能够强化宗教氛围，使宗教富有感染力
在这方面，建筑艺术尤其明显。因为杰出的建筑艺术的风采和独特的结构更能强化宗教氛围，更能使宗教抓住人们的注意力，引起普通人的兴趣，所以教堂利用艺术家，包括建筑师、室内装饰家、音乐家、仪式制定者的工作强化宗教氛围，引起任何进入教堂的人的注意。如哥特式教堂。
从外观看，它那高耸的尖塔直刺青天使人敬畏，阴冷的墙面和框架式结构使人震惊。教堂内部狭长窄高的空间，以及一排排瘦长的柱子形成一种腾空而上的动感，使人产生超脱尘世能向天国接近的幻觉。置身其中，宗教的氛围无处不在。
在音乐方面，无论东西方宗教都利用它来宣染庄严神秘的宗教气氛和激发信徒的宗教感情。佛教诵经有鲜明的音乐性，作法事要击乐。基督教有唱诗班，有弥撒曲、安魂曲等。
关键词：钢琴演奏；艺术；想象力
音乐是听觉的艺术，钢琴演奏是把乐谱上所记载的谱符化为动人的音乐传递给听众并引起听众的内心共鸣。把音乐作为有机的整体来表现艺术的这一过程，就是我们通常所说的“音乐表现”。
要想实现从钢琴演奏到“音乐表现”这个过程，使演奏出来的音乐作品具有震撼人心的表现力，这决定于演奏者本人的内心力量，这种内心力量是建筑对于音乐本身所蕴含的深层内涵的理解，以及由对于音乐内涵的理解而产生的艺术想象。而这种艺术想象是钢琴演奏在描绘意境、渲染情绪、塑造形象时的重要途径，也是演奏者对作品理解能力和艺术造诣深浅的一个显著标志。艺术想象力是钢琴演奏的灵魂。要想提高这种非凡的想象力应分解为：艺术想象、艺术风格、艺术内心听觉、艺术创作这四大部分来进行研究。
一、钢琴演奏中的艺术想象
钢琴演奏中的艺术想象是艺术形象、意境、灵感与直觉的综合。
（一）钢琴演奏中的艺术形象
钢琴演奏中的艺术形象是艺术作品的核心，是艺术家通过艺术语言创造出来的形象，是具体可感性与概括性的统一。钢琴演奏者根据艺术感知方式的不同，塑造出不一样的艺术形象、听觉形象、视听形象，这些形象就是艺术思维的开始。在钢琴演奏中，关键在于演奏者能够形成自己的音乐形象思维，并通过声音联想达到艺术的共鸣。良好的艺术形象思维联想就能够更加深刻地揭示作品内涵，表达作品的心声，把钢琴演奏及音乐作品推向更高的艺术境界。例如：柴可夫斯基的钢琴曲《四季》里的船歌，他在作品中体现了轻舟荡漾，风起水涌，歌声浆影的生动艺术形象。对演奏者来讲捕捉这种艺术形象是演奏的关键，通过这些形象织体充分发挥主观能动性，运用艺术形象思维组成完整的画面通过钢琴演奏技术表现出来最终完成钢琴演奏中的创造。
（二）钢琴演奏中的意境
钢琴演奏中的意境是一种美学创造，是人与自然精神遇合孕育的心灵之花。钢琴演奏者要想在演奏中达到情景交融、虚实相生的审美境界，就必须把艺术意境发挥到最高的层次，使演奏者所想象的意境与作品相符合，从而达到音乐作品的艺术效果。在钢琴曲《水中倒影》中，其独特音乐语汇使人们仿佛身临其境逐渐走进德彪西所营造的光影世界。水、倒影成为创作这首乐曲最初时的意境图象，这首作品表面上呈现的景色是静态的，但是，当我们演奏的时候，便发觉似乎不仅仅有平静的水面，波涛和浪花会随之而来，从听觉上就可以捕捉到，哪是风声哪是水声，哪里静哪里动。这些转瞬即逝的意境对演奏者在演奏音乐作品时是至关重要的，没有好的意境就没有好艺术想象空间。因此，作为艺术想象的最高层次，意境将是钢琴演奏者不断追求的目标。
（三）钢琴演奏中的灵感与直觉
钢琴演奏中的灵感和直觉不是两个并列的概念，它们有交叉，又有区别，都是艺术创作过程中的重要心理活动。灵感是一种思维状态，是艺术创作中令人神迷而又无法捉摸的奇异现象。它往往突然降临，又倏尔离去,不可捉摸，带有一定的神秘色彩，艺术家总是沉溺于这极度的迷狂中。而直觉是指不经过逻辑推理而直接抵达事物本质的一种思维方式。它是艺术创作过程中出现的一种创造性思维能力。艺术家常常通过直觉捕获审美意象来完成艺术创造。直觉与灵感有相象之处，也有不同之处。从性质上看，灵感是一种思维状态，而直觉是一种思维能力；从特征上看，灵感是突如其来、稍纵即逝、高度亢奋，而直觉则具有相对的稳定性；从对象来看，灵感是心灵的飞跃，而直觉和直观密切相连。灵感和直觉都是创造性思维，这在艺术想象环节中来说是比较困难的一个因素，演奏者的艺术创作多半来源于此。肖邦在创作《夜曲》时需要灵感与直觉，贝多芬在创作《奏鸣曲》时同样需要符合艺术作品情景的灵感与直觉，而两首作品给我们的感受是截然不同的。前者是浪漫安静，后者是激昂愤怒。可见在钢琴演奏中灵感与直觉直接影响着演奏者对音乐作品思绪的表达，在整个音乐表现过程中起着关键的作用。
二、钢琴演奏中的艺术风格
钢琴演奏中的艺术风格是艺术个性与艺术特色的具体表现，象征着艺术家和艺术品在艺术创作上所达到的最高境界。钢琴演奏的风格是演奏者充分发挥艺术想象力长期以来形成的一种思维风格。
艺术风格与艺术家的个性之间存在着密切的关系，艺术创作不仅是演奏者主体精神的表达、客观世界的观照，也是审美主客体的统一。艺术风格表现于艺术作品的内涵，呈现于艺术作品的形式。因此，艺术风格的形成不是一个简单的现象，而是多种元素碰撞融合的结果。在培养演奏艺术风格的同时应注意其具有多样化和同一化的特征。一方面，艺术家各不相同的创作个性与艺术欣赏者审美的多样性，决定了艺术风格的多样化；很多演奏者即使是在演奏同一艺术家的作品并不排除具有多样风格的可能性，也正由于艺术风格的多样化才极大地促进了艺术的繁荣和发展。另一方面，艺术家的多样风格由于其创作个性的制约而在整体上呈现出一种占主导地位的风格特征；不同艺术家之间的风格区别也受到他们所共同生活的时代、民族、阶级的审美需要和艺术发展的制约，从而显示出风格的一致性。风格的多样化与一致性相互联系、渗透，呈现出错综复杂的现象。
在艺术的实际发展过程中，同一类型的风格往往会形成一种艺术流派；各种艺术流派的发展与演变不仅构成了艺术的发展历程，而且也反映了社会思潮和审美理想的变化。艺术创作中，风格的多样化与同一化往往有着十分鲜明的表现。肖邦的艺术风格“浪漫、安静”，贝多芬的艺术风格“愤怒、激昂”，还有巴赫的“复调风格”多层声部的进行给人以无穷的想象空间，可见他们是时代与艺术背景的真实写照。对于钢琴演奏者来说艺术风格就是在演奏音乐作品时从感觉中反映出的时代背景和对音乐作品进行的风格勾画。只有掌握好了这种对时代背景的构思才能对艺术作品在某个时代应该赋有的音乐风格有正确的定位，最后在演奏者身上得以表现。
三、钢琴演奏中的艺术内心听觉
音乐是听觉的艺术，任何一种音乐心理活动都离不开听觉的参与。因此，便习惯于用“内心听觉”这一通俗用语来指代在内心中所进行的一系列与听觉有关的音乐活动。在这些心理活动中都离不开听觉意象的参与，内心听觉是人在内心进行的，以音乐感知为基础，以形成和完善音乐意象为最终目的的一种心理活动和能力。内心听觉是一种音乐能力，是一种构成内心音乐意象的能力，它对钢琴演奏具有先导性与创造性，由于这种先导性与创造性使之对钢琴演奏思路的开始、发展、高潮、结束的影响，直接关系到钢琴演奏者进行内心创作的成功与否，正是由于这个特点使内心听觉具有实际的意义。
内心听觉不同于我们一般所说的音乐听觉，人们常说的音乐听觉多强调外部听觉对音乐的感知与记忆，只是孤立地对某种声音产生听觉意象。而内心听觉则以此为基础更加强调声音在心理上的自如运用，它是对音乐整体产生的听觉意象，甚至还要超出这个范围，它不是外部听觉在内心的纯粹复制。正是由于内心听觉具有先导与创造能力，因而，无论是在音乐创作、还是在钢琴演奏过程中，这一心理过程都显得尤为重要。演奏者通过内心听觉对音色、力度、速度等要素的分寸感做出判断，以便调整自己的演奏动作求得自己满意的声音效果，这种状态贯穿于演奏的全过程中。钢琴演奏是对音乐情感呈现的再度创造而不单单是作品的单纯模仿或机械的刻板记录，除了掌握专门的技能技巧之外，良好的内心音乐听觉是钢琴演奏的内在表现形式和手段。通过它，表演技巧才能最终实现其审美价值,有了它,丰富的情感及文化修养才得以展现。
追求非凡的艺术想象力是每一位钢琴演奏者不断追求的目标，只有拥有良好的艺术想象力才能使演奏出来的作品打动听众的心，从而实现音乐感人肺腑之功能。艺术想象、艺术风格、艺术内心听觉、艺术创作是艺术想象力的四大部分，在演奏时这四部分决不是各自孤立的，它们是一个有机结合的整体，相互融合、相互渗透。技术服从于音乐，演奏者除了拥有良好的钢琴技术外必须重视对艺术想象力的培养，只有将两者有机的结合才能更好的完成完美的演奏。
一抽象艺术的独特性
抽象艺术是20世纪最具传承性和广为流传的艺术风格，在当时的国际画坛上产生了重大的影响。概言之，抽象艺术就是相对具象艺术而存在的一种艺术模式。即指逐步舍弃自然外貌或物象之表相，并逐渐简约或萃取最基本造形元素的一种艺术。它旨在激发作者内在的情感，而非真实的再现。俄国艺术家康定斯基是抽象艺术的先驱，他的绘画要旨就是“如何通过造型和色彩来表现丰富的内心世界”。他认为抽象绘画不单是“造形的”，也是“精神的”的一种绘画，而色彩与形象只是用来表现此一“精神”的符号罢了。因此，如果说在表现物质世界上抽象与具象存在着对立的艺术观念和表现方式，那么在表达精神世界方面，抽象艺术却独领。正是由于抽象艺术的出现，艺术表现的内容才由表现具象的物质世界拓展到运用视觉语言表达人的抽象内心情感和精神生活，并使其视觉化、图式化、符号化以体现精神世界。由此可见，具象艺术与抽象艺术向人们提供了不同的审美接受方式，因为具象艺术更多地是通过“认知形象”获得审美；抽象艺术强调的是通过“感受形象”获得审美。具象艺术侧重于“造物”，抽象艺术侧重于“造情”。基于此，抽象艺术是具有生命活力的艺术语言，刺激了人的感官知觉，拨动了人的心弦，激发了人的情感，勾起了人的欲望，使人感到抽象艺术语言的独特魅力和审美价值，故而不同门类的艺术都从中汲取所需。另一方面，抽象艺术视觉语言以其具有的鲜明表现性，形成了艺术语言的特殊形式，对平面设计产生了重要的影响。
二、平面设计中抽象艺术语言的情感表达
抽象艺术家主张用纯粹的视觉元素——形、色、点、线、面等加以组合来传达作者主观和自由的内在情感。但是，在抽象艺术中线条、色彩、形态、结构形式不再呈现凝固、孤立和静止的状态，不再只是塑造艺术形象的形式和手段，而是具有生命活力的艺术形象。由于抽象艺术语言带有虚幻、朦胧的色彩和哲理意识，故被称为是“心灵的语言”，故需通过心理感悟和意境体验去认识。抽象艺术语言强调艺术家情感、情绪的抽象表达，要展现出“动”与“静”、“露”与“含”就必须依靠线条的曲直与节奏，色彩的调和与对比，体面的形态与虚实，构成的布局编排以及画面气氛的把握来表现。运用点、线、面、形、色等要素的不同技法和表现形式，借此来塑造出丰富、具有不同情态强度的情感形象。同样在平面设计中情感表现也是常用的一种表现手法，即是强调情感体验的设计，因为平面设计是实用的设计、艺术的设计，具有极强的使用性和目的性。设计师只有通过对人们心理活动，特别是情绪、情感产生的一般规律和原理进行研究和分析，才能在设计作品中有目的、有意识地激发人们的某种情感。那么，如何运用抽象的视觉语言激发设计中的情感？针对那些形式简洁而具有意味、内涵的设计作品所具有的艺术价值来说，它是最能激发人们的情感体验即“审美体验”。这种体验传递出的信息凝练、明确富有美感，使受众在高强度工作压力之余精神上能够得到片刻的轻松。因此，设计师赋予平面设计语言以几何的、简单的、富有意味的形式，是抽象艺术的语言影响而产生的必然结果。
三、平面设计中抽象艺术语言的隐喻表达
抽象艺术如同现代诗，完全摆脱了写实主义绘画的文学舒适性，它是艺术家内在经验的强烈表征，可视为视觉的隐喻。抽象艺术家通过抽象作品传递自己的意识与观念，即抽象语言通过形式的表象媒介，对于点、线、形态都赋予心理内容，并且赋予它们象征性，同时强调各种形态之间的依存和融会贯通关系。通过构成的特定图式使人直接获得暗示的视觉印象及心理感应，具有这种表现形式能够增强作品的思想内涵。抽象艺术语言的隐喻性对平面设计也产生了直接的影响，优秀的平面设计作品也惯常运用隐喻、暗示的形式来展现设计作品的思想内涵，使其简洁的画面构成形式蕴含着丰富的内容。虽然具象的表达能更给人以直观的印象，但是显得很肤浅，缺乏深度，在心灵上难以勾起受众的共鸣。因而，通过设计师构思创作出的具有喻意、简洁凝练的抽象视觉符号在这个多元的设计时代倍受青睐。
四、平面设计中抽象艺术语言的意境表达
意境指艺术作品中呈现的那种情景交融、虚实相生、活跃着生命律动、韵味无穷的诗意空间。意境的构成是以空间境象为基础的，是通过对境象的把握与经营得以达到“情与景汇，意与象通”。抽象艺术表达的是人的精神和情感世界，它创造的是一个充满神秘、虚幻和力的审美境界。设计者通过表现形象来表达自己的思想与情感，并把这些情感绘于笔端，让受众欣赏到其作品的丰富内涵。但是就“意”本身来讲，它其实是一种似乎具体而实质很抽象的感觉，它既实实在在又虚无缥缈。在抽象艺术中，主体的“情”和“意”是在点、线、面、体和色块的铺陈中直接地表现。平面设计中的意境营造也是至关重要的一部分，虽然意境表现在不同类型的设计作品中会展现出相异的视觉形式。但是其根本内涵是相同的，追求的境界是相通的。艺术语言创造出的这种艺术境界，能使观者通过想象和联想，有如身临其境，在思想感情上受到感染。设计师要创造意境，必须着意于作品具有启发和引导欣赏者进行丰富的想象和联想的力量，即一种洗练、含蓄的形式，给人以强烈的情感上的影响。受众就会凭借它展开想象的翅膀，达到理想的境地，这样的平面作品才能发挥其熏陶、感染、潜移默化的精神作用。故此，在这个快节奏、高效率、充满压力的时代，人们已经厌倦了那些具象的、直白的艺术表达语言，因此，在平面设计中应合理的运用抽象艺术语言表达。
